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[Reseña Manga] Dragon Head: locura, miedo y desesperanza en el fin del mundo

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¡Hola a todos! Hoy vuelvo con algo que he hecho poco en realidad: la reseña de un manga, y no es que no quiera hacerlo, sino que se me hace difícil seguir una historia leyendo en digital. Creo que pocas veces sucede una excepción con un manga que logre mantener mi atención a pesar de mi aversión a la lectura en medios digitales (talvez sea "a la antigua", pero prefiero tener el papel en mano). El que les traigo hoy viene de la mano del maestro Minetaro Mochizuki, uno de los grandes -según mi parecer- maestros del horror en el manga;Dragon Head es una historia de desesperación, frustración y supervivencia que lleva al límite todo lo que conocemos sobre la naturaleza humana.
  
Dragon Head cover gif

Información Técnica


Guión: Minetaro Mochizuki

Arte: Minetaro Mochizuki

Título: Dragon Head

Serialización: Young Magazine

Emisión: 1995 al 2000

Volúmenes: 10

Capítulos:89


Sinopsis

(Alerta de spoiler)


Depertar en medio de un tren accidentado, rodeado de los cadáveres de quienes una vez fueron compañeros de clase, encerrado en un subterráneo cuyas salidas han sido bloqueadas por un derrumbe; esa es la situación en la que Teru Aoki se encuentra. Al parecer alguna catástrofe ha terminado por enterrarlo vivo sin esperanza alguna de ver a su familia, o siquiera de ver la luz del sol de nuevo. En medio de los cadáveres y la destrucción encuentra dos sobrevivientes más, Ako Seto y Nobuo Takahashi, quienes le acompañan en medio de la desesperación y la confrontación a una muerte segura en medio de ese subterráneo. Encontrar una salida parece una ilusión nada más, y la incógnita de qué habrá en caso de encontrar una lleva a nuestros protagonistas al máximo punto de desesperación y locura, ¿volveré a ver a mi familia? ¿Cómo estará todo allá afuera? ¿Moriré en medio de este oscuro túnel sin esperanza alguna? Son algunas de las preguntas que rondan la cabeza de los jóvenes protagonistas mientras buscan una escapatoria a lo que parece una solitaria muerte.

Dragon Head manga wallpaper hd
Una escena terrorífica al despertar, ¿no?


Lo que por fin levanta el ánimo de tanto protagonistas como lectores es una salida a la superficie, a la que han llegado por un tortuoso camino. Al llegar a la superficie, el ánimo vuelve a sucumbir al ver que una catástrofe de origen desconocido ha asotado al mundo, el cielo se ha llenado de una oscura nube que impide ver el sol, todo alrededor está en completa ruina, no se evidencia otros supervivientes, el camino trágico de Nobuo y compañía parece no tener más destino que la fatalidad, la angustia y la soledad. Todo pueblo, toda ciudad, toda esperanza no aparecen más que destruídas. Toda vía de comunicación ha sido inhabilitada por el inexplicable desastre. En medio de la búsqueda del camino a casa, encontrar supervivientes no demuestra más que la locura y la degeneración de la moral a la que los seres humanos pueden llegar ante una catástrofe. La historia entonces continúa mientras se sigue a los protagonistas en medio de calamidades que ponen al límite la cordura y llevan con facilidad a la desesperanza, algo en lo que Minetaro Mochizuki parece haberse vuelto experto en desarrollar.

El horror del apocalipsis


Dragon Head manga Nobuo wallpaper hd
La locura y desesperación están siempre presentes


Hoy día nos hemos acostumbrado a las historias post-apocalípticas, no todas, sin embargo, muestran ese lado oscuro de la humanidad que sólo se obtiene cuando no hay más esperanza de una vida pacífica, cuando las normas morales y éticas son insuficientes para mantenerse con vida. Dragon Head muestra todo lo bueno y todo lo malo que una persona puede llegar a ser en medio de la catástrofe, la locura del miedo a lo desconocido, la desesperación de no ver más rastros de vida como la conocemos, en esto parece que el autor se ha ganado el debido reconocimiento como uno de los grandes mangakas del horror psicológico.

A pesar de que la historia está desarrollada de forma casi perfecta, parece que Dragon Head sufre del mismo fenómeno que Suzumiya Haruhi, es de esas series que "la amas o la odias", es decir, no hay puntos medios, aquellos que han gustado de la serie alaban el guión y el mensaje, aquellos que no se han sentido a gusto con algo la condenan como una pérdida de tiempo o una historia sin sentido, según lo que he notado con algunas críticas. Por mi parte, debo admitir que me pareció un trabajo excelente, desesperante a más no poder: ese sentimiento que los diálogos de los personajes transmiten no se logra fácilmente. Los personajes son increíblemente realistas, no hay superhéroes, no hay esperanza donde no la debe haber, sólo sujetos normales que se enfrentan a una situación a la que nunca hubiesen estado preparados; el desarrollo psicológico de los personajes es magnífico y el diálogo se asegura que el lector quede inmerso en el mar de sentimientos que cada personaje está sintiendo, en lo personal, es imposible no indentificarse con la desesperación de cada uno de ellos.

Dragon Head manga Nobuo wallpaper hd


Dejando la historia de lado, creo que vale discutir el estilo de este manga. Si bien Mochizuki se encarga de mostrar una atmósfera detallada, y de ambientar las situaciones con gran calidad, su estilo de dibujo es en momentos tosco, los detalles en los personajes se pierden a veces en medio de una situación de mucha tensión, en momentos las expresiones faciales se vuelven algo extrañas y uno puede cuestionarse de la calidad del arte. A pesar de eso, se vuelve en momentos inocuo pues la desesperación y el desarrollo de la historia hacen que uno estén pendiente de qué harán los personajes o qué sucederá a su alrededor.

Finalmente, Dragon Head me parece una obra excelente que lleva a cuestionarse, en una situación catastrófica, ¿dónde quedó la humanidad en las personas? ¿Cuál es la naturaleza del hombre? En medio de la desesperanza y la destrucción, ¿rige la ley del más fuerte? Les recomiendo darle una oportunidad a este manga, que no por nada ha recibido reconocimientos importantes y críticas desde muchos ángulos. Por cierto, hay una adaptación live-action que, aunque no he visto aún, podría valer la pena ver.

Dragon Head manga Teru, Ako, Nobuo gif
Teru, Ako y Nobuo, únicos sobrevivientes del tren


[Recomendación Cómic] ALL STAR BATMAN & ROBIN THE BOY WONDER

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"ALL STAR BATMAN & ROBIN THE BOY WONDER"



Título: All Star Batman & Robin The Boy Wonder (10 números)
Escritor: Frank Miller
Lapices: Jim Lee
Entintador: Scott Williams
Colorista: Alex Sinclair

¿En qué consiste?

10 capítulos que nos muestran a un Batman al que pocos quisiéramos encontrarnos de noche.


Estos 10 números nos muestran como Batman recluto al primer Robin (Richard Grayson), quien sufrió una tragedia enorme al ver como asesinaban a sus padres frente a el; solo que este asesinato fue atestiguado por un circo totalmente lleno de personas.

Bruce, quien es un personaje totalmente absorbido por la oscuridad ve en Richard a un soldado perfecto que ha sufrido lo mismo por lo que el paso.


La trama es muy buena al enseñarnos a un Batman peligroso que solo piensa en hacer justicia de cualquier manera, no le importa lesionar de manera grave a los maleantes, en todo caso eso le causa cierto placer.

El factor de cordura en esta historia como en la mayoría de historias de Batman es Alfred Pennyworth, la voz de la razón que cuida de el pequeño Robin durante su estancia en la Batcave y el cual tiene una personalidad fuerte que choca con la Batman.





Ahora, hay que tener en cuenta que esta versión de Batman es de "The Dark Knight Returns", obra del mismo escritor, por lo que al saber esto nos damos una idea del porque de la actitud y personalidad del Batman de TDKR.


Se cuenta con la presencia de muchos héroes de DC como lo son Superman, Wonder Woman, Green Lanter, Plastic Man, Black Canary y una joven Batgirl.


Para el lector nuevo esta es una historia perfecta para conocer al personaje y como recomendación: "si no han leído The Dark Knight Returns, esto les servirá como un preámbulo que los ayudara a entender de mejor manera TDKR.


Ahora hablemos del arte; "Genialidad" es el único termino que describiría el arte de Jim Lee, el cual hace que cada trazo sea excepcional y que cada viñeta sea valorada por igual.








Y personalmente creo que su visión de la Batcave es algo digno de estar enmarcado en la sala de todo lector de cómics.


[Reseña Anime] Gundam F91, un fracaso muy exitoso

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El debate de Gundam entre Bandai, Sunrise y Tomino 


Para el que ama de Gundam hablar de la serie es muy doloroso, porque como todo producto que se ha conservado en el tiempo las historias han evolucionado, para bien o para mal. A pesar de su popularidad y su éxito, esta no ha sido vista por más de cinco millones de personas (récord alcanzado por Gundam Seed y Gundam Seed Destiny) en ninguna de sus corridas. Pero cuando ya iba a cumplir la década la continuidad de la metaserie se vio amenazada por factores ajenos completamente a su concepción original. Yoshiyuki Tomino se encontraba al final de su disputa de derechos con la Sunrise y la Bandai, por lo cual se vio obligado a venir con un proyecto hecho en tablas de tiempos muy desesperados y con patrocinios dudosos. 


Por otro lado, la casa de juguetes Bandai comenzó a ver la mina de oro que representaba la serie con respecto a ventas de modelos y productos relacionados. Estamos hablando que para la década de Gundam ya existían cientos de figuras diferentes, incluyendo modelos de titulares, productos asociados y enemigos (Gunpla). La necesidad de extender el éxito del producto era intensa, pero el gran problema que se les presentaba era, ¿cómo se iban a deshacer del excéntrico e inestable director y creador de la serie? Porque para este momento su mote de toda la vida lo convertía en un director sujeto a depresiones, difícil de tratar y de trabajar. 


Para el décimo aniversario se propuso hacer una serie que se alejara por completo de los personajes tradicionales que habían dominado casi un lustro desde la concepción de la serie. Ajenos al ciclo de Zion, en una nueva fecha y con nuevos personajes; Sin embargo, la relación de odio y odio con la Bandai se impuso. Tras discusiones de personajes, detalles de los robots e intromisiones del staff la producción se suspendió cuando ya se habían producido los primeros 15 capítulos. Como Yoshiyuki estaba luchando por los derechos, propuso y convenció a la directiva de la Sunrise en transformar el material en película. Y como suele suceder, se aplicó el dicho de que uno "no se debe tratar de arreglar lo que está roto".  

Mobile Suit Gundam F91

Ficha Técnica

Director: Yoshiyuki Tomino
Escritores: Tsunehisa Ito y Yoshiyuki Tomino
Música: Satoshi Kadokura
Estudio: Sunrise
Distribuidor: Shochiku
Emisión Marzo 1991.

Inicio! Spoilers!


Si quieres adentrarte en la trama de este animé, puedes entrar a mi artículo: [Spoilers] Mobile Suit Gundam F91. ¡Allí te cuento todo lo que acontece en este animé, léase con precaución! 

Fin! Spoilers!


El fiasco que devino en un gran éxito

En la tradición de Gundam, nunca confíes del tipo con la máscara.

Gundam F91 pudo haber sido una magnífica serie que terminó como mala película. La premisa es muy interesante y el esfuerzo planteado para continuar la serie más allá de la saga de Zion fue bien elaborado a pesar de lo repetitivo. Con un imperio maligno que sustituye a otro, con una Federación ajena a las necesidades de los colonos espaciales, un héroe adolescente y un problema de refugiados atrapados en la línea de fuego, los elementos que han hecho grande la serie están allí presentes. Pero con una edición pobre, una música repugnante (copiaron la Marcha Imperial de John Williams en varios tramos) y poca inversión de efectos especiales; sólo los más fieles seguidores de Gundam pagaron para ver esto. Con el advenimiento de Victory Gundam, llegaría el final del ciclo para Yoshiyuki Tomino, que no ha podido recrear el éxito de esta serie ni de otras durante las siguientes décadas.


Pero las cosas suceden por alguna razón desconocida. Ansiosa de participar del éxito de la serie Gundam, la casa editorial Kadokawa Shonen le solicitó a Yoshiyuki Tomino su colaboración para una nueva serie, para lo cual entregó muchos de sus planes para la continuación de F91. De la mano del mangaka Yuichi Hasegawa, en 1994 comenzó una de las series Gundam más exitosas de todos los tiempos, Mobile Suit Crossbone Gundam. Basada en la premisa de que Berah Rohnan y Seabrook Arno pasaron al anonimato para convertirse en piratas que velan por los planetas exteriores, la serie todavía está en producción, ha visto la creación de los mejores mobile suits de la serie y se ha transformado en el santo grial que todo seguidor de Gundam desearía ver animado antes de morir. 


Conforme avanzamos en el milenio y las secuelas del manga sobrepasan la historia de UC hasta donde llegó Yoshiyuki, esta sigue resonando de forma imperecedera a lo largo del tiempo, Gracias a esto, Gundam F91 nos deja una sensación de que las cosas no están perdidas hasta que de verdad se olvidan. Bajo la premisa de que "es tan malo que es bueno", Gundam F91, con todos sus fallos y errores, es el final de una era que ya no se volverá a ver en el anime. Por esto les recomiendo que la vean con la mente abierta si pueden conseguirla. Así también sabrán de donde se fusilaron otra de las escenas clásicas de los juegos de video. :p

Si, que original esta escena, ¿verdad? El rescate de la doncella naufraga del espacio usted lo vio primero en Gundam F91, gracias Final Fantasy VIII.

[Música] Los tonos sombríos de Death Note

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Death Note es uno de los animés mas populares, incluso suele contar con público que usualmente no ve animé, debido a su intrigante trama y argumento (si aún no lo has visto, no te preocupes, no hay spoilers aquí).

Argumento y banda sonora

Quienes conocen la historia sabrán que prácticamente es única en su especie, leí en algún blog o revista que como genero literario, es como un policial salvo por un importante detalle: Tenemos la respuesta desde el principio a las preguntas: ¿Quien mata? y ¿Como/cuando mata? (siendo el atractivo mas importante el genio y estrategias del protagonista y el antagonista). Ante tan inusual contexto, donde además el humor, amor y peleas han sido reducidas al máximo, la banda sonora aporta gran parte al clima constante de tensión, es lo que iremos oyendo en este post.

Primeras imágenes
Lo primero que vemos es a Light Yagami (Estudiante) y a Riuk (un Shinigami: Dios de la muerte), quejarse de sus mundos respectivos. Mientras esto ocurre oimos "Kyrie", una obra que imita los antiguos "Kyrie" del canto religioso medieval, el texto en latín "Kyrie eleison" lo conocemos, es un texto que figura en el coro de "Lilium", de Elfen Lied. Gracias a esas sonoridades, imaginamos una existencia mística que irrumpe en la "vida real".


Seguimos con las obras de inspiración mística:





Algo que nos recuerda al famoso "O fortuna" del "Carmina Burana" por momentos, como música incidental de tv, "Death Note Theme" vendría a cumplir una función similar aquí.


Algo mas de música incidental, 3 pistas que oirémos a menudo:




Hay también, en esta banda sonora, temas notables de rock, que sin lugar a  dudas merecen formar parte de nuestra Playlist en el móvil.




Conclusión: En este animé, la importancia de la música es capital, porque aporta mucha intensidad e ilustra en sonidos todo lo que ocurre, sin lugar a dudas los 2 discos compilatorios de la OST son una obra maestra tal como lo es Death Note.¡Será hasta la próxima!

[Reseña Anime] Ai Yori Aoshi Enishi

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Cuando emites demasiado poco y demasiado tarde...

Luego del éxito de la primera temporada de Ai Yori Aoshi, los productores tomaron la sabia decisión de no meterle rellenos al anime. Después de todo habían quedado en un arco conclusivo. A diferencia de series de su generación como Inu Yasha y Naruto, lo único que tenían que hacer era esperar a que hubiese suficiente material para proseguir con la siguiente temporada. Sin embargo, el gran problema que se presentó para los productores se vino poco después, porque Fuji TV se retiró de la producción de la serie. Esto lanzó un fuerte golpe a los productores, los cuales tuvieron que capitalizar el dinero obtenido para poder producir algo (lo que fuera) que satisficiera al público, que pudiera cubrir la crisis y que se ajustara al presupuesto. Así que decidieron revertir su decisión y literalmente "salir con lo que hubiese disponible". Esa fue la forma en que la segunda parte de esta serie vio la vida.


Inspirado en el manga Kou Fumizuki, de la mano de J.C. Staff y dirigida por Masami Shimoda, Ai Yori Aoshi es emitida por canales independientes de UHF a partir del 12 de octubre del 2003. Lamentablemente, aunque como una continuación fiel, la historia que resultó fue vacía, más por la forma en que fue transmitida a nivel nacional. Porque como continuación cometió uno de los pecados tradicionales de las segundas partes, más de lo mismo y muy lento.

Inicio! Spoilers!



En la continuación de la serie de comedia romántica del año anterior, han pasado dos años desde que Kaoru y Aoi se reencontraron de nuevo. Todos los inquilinos de la mansión han continuado con sus vidas; con Kaoru, Mayu, Takeo y Tina continuando sus estudios universitarios; mientras que Chika inicia sus estudios en el colegio y Aoi continúa con sus labores como inquilina, así como su amor secreto con Kaoru. Conforme continúan sus vidas, una pequeña frase de Miyabi (en la forma de la pregunta a Kaoru de que hará con su vida) así como una breve conversación entre Chika y Aoi definen lo que sería la continuación de la serie. Porque Aoi describe la vida de esta familia como Enishi, los lazos invisibles que unen a los predestinados para continuar con su vida y compartirla con amor.


Ojo! Spoilers!


Como toda continuación, la serie le dedica un capítulo a cada uno de los protagonistas, para observar sus interacciones con respecto a toda su familia. La visita de las compañeras de colegio de Chika a la mansión, Takeo que tiene una experiencia sobrenatural, un regalo de cumpleaños de Mayu que propicia su primera cita con Kaoru, las clases de tenis con Miyabi y Aoi, Kaoru tiene que sacrificarse para terminar sus estudios legales en la Universidad, Tina comparte un momento con un juego familiar en donde pone a Aoi en una posición difícil y luego ayuda a una de las compañeras de Chika a aprender a nadar. Todas estas experiencias van uniendo a la ya gran familia, que lentamente se va comprometiendo. Pero cuando parece que jamás se va a separar, Tina deja traslucir después de la competencia de natación en la que participa Chika que pronto partirá de la mansión.

Ojo! Spoilers!




Para el cierre de la serie, Kaoru recibe una reservación de un profesor para pasar una noche en un hotel de categoría de la ciudad de la ciudad de Tokyo para que lo comparta con una amiga. Gracias a las ausencias de su harem (Tina está de campamento con los miembros del club fotográfico, Takeo y Chika están ayudando a su abuela en la playa y Mayu no vive con ellas); y con el permiso tácito de Miyabi, los jóvenes van de paseo a Tokyo. Luego de un día maravilloso, de dos horas de conversación con Miyabi y de reservar la habitación del hotel e ir al cuarto, la obra insinúa de forma casual que ambos tienen relaciones por primera vez en toda la serie (y en sus vidas). Después de esto, la familia cocina al aire libre malvaviscos, castañas y bacalao mientras reflexionan sobre lo vivido.

Ojo! Spoilers!




En una visita a un centro vacacional, Kaoru entra a un área privada para relajarse, pero por un "accidente" esta área queda abierta. Tina y Aoi, que también querían bañarse, entran a su interior. Allí, ante el oído atento de Kaoru (que se esconde), Tina confiesa por primera vez la gran admiración que siente por Aoi, así como los sentimientos que tiene hacia Kaoru. Al final de su confesión, ella le pide a Aoi que lo cuide mucho pero no la logra escuchar. Ambas se retiran dejando a Kaoru perplejo y agradecido, lo cual expresa de inmediato a Tina. Cuando están saliendo del centro vacacional, Mayu de casualidad escucha la conversación de Tina en inglés, lo que la hace darse cuenta de que ella ya no va a continuar viviendo en Japón.

Ojo! Spoilers!



Luego de pedir aclarar el "malentendido", Tina tranquiliza a todos diciendo que sólo se quedará por la Navidad con su familia. Ella recibe una fiesta de despedida apropiada, y para Navidad, con la partida de Takao y Chika Tina lleva a Kaoru a su lugar favorito, para luego llorar su tristeza y soledad en su cuarto. Luego visita a Kaoru, y en sus sueños el confiesa las razones por las cuales se volvió su amiga hacía cuatro años, así como el hecho que lo ama. Con un beso de despedida, ella parte para tomar el vuelo que la regresará a Estados Unidos, pero se tropieza con Aoi, que limpia desde muy temprano la entrada de la mansión. Ambas se despiden de buena manera, pero cuando van a revisar la habitación, Kaoru y Aoi descubren una nota de agradecimiento, donde confirma sus peores sospechas. Ella no va a volver.

Ojo! Spoilers!



Comienza la primavera en Japón. Faltan unos días para la graduación de la Universidad, y a pesar de que está animada por regresar con sus padres, Tina se ve deprimida por la falta de su otra familia. Todos extrañan a Tina (lo que motiva a Chika a hacer una muñeca de Tina y a Mayu a pedirle una muñeca de ella). En una salida por salsa de soya, Kaoru lleva a Aoi al sitio especial de Tina. Para sorpresa de ambos, Tina se aparece y los saluda. La mansión festeja su regreso toda la noche. Al día siguiente Aoi le lleva té con los nabos encurtidos que tanto le encantan a Tina. En un extraño momento conjunto, las jóvenes confiesan que ambas desearían ser como la otra (Aoi desea la libertad de expresar lo que siente de Tina, Tina desea ser más refinada y japonesa como Aoi). En la azotea, Tina le confiesa a Aoi que se quedará en Japón. Como gesto de amistad, Aoi cumple el sueño de Tina y le presta una hermosa yukata para que se presente en su graduación. Hermanadas por este gesto, Tina parte a su graduación, dejando a la casa a la espera de su regreso.

Fin! Spoilers!



Las segundas partes nunca son mejores

Bueenooooo. Si se ve desde un punto de vista objetivo, la serie obviamente no sólo es una continuación, sino un ejemplo de lo que sucede cuando pierdes el apoyo económico. Como la imagen del partido de tenis lo demuestra arriba, en la historia aumento exponencialmente la exposición de piel, los accidentes con el vestuario, las bromas de doble sentido y las relaciones. Incluso se expone todo un capítulo en que insinúa la primera relación sexual entre Aoi y Kaoru (por favor, dos jóvenes en un hotel solos en medio de la ciudad, luego de llamar al tutor, no van a darse palmaditas toda la noche). Desde este punto de vista, esta segunda parte es un fallo que contradice la ya tierna primera temporada, donde comete el pecado más grande que las segundas partes cometen constantemente, más de lo mismo. La única diferencia es que la serie comienza a salirse del género romántico y entra de lleno al ecchi.


El único cambio agradable se presenta casi al final, con la evolución de Tina. A pesar de ser una americana, ella no es como Mayu. Ella ha tenido que luchar toda su vida con el hecho de que es una americana transplantada, ni japonesa ni americana. Durante la confesión de amor a Kaoru y la conversación casual con Aoi, uno descubre a una mujer sensible, que hubiese deseado ser una Yamato Nadesico tal como la administradora; en lugar de la impulsiva y determinada amiga sobre la cual todo descansa. Y a pesar de quedarse en Japón, ella se retira de la lucha por Kaoru de forma definitiva.


Lamentablemente después de esto, no hay más de esta serie salvo el especial de navidad, el episodio 12. En el manga la historia llega a una conclusión totalmente satisfactoria, algo que no queda plasmado en el anime. Para mi como espectador así como para la mayoría de los aficionados, esta es una constante que debemos aceptar de estas historias. Pocos animes basados en obras terminan de forma satisfactoria. Y muchas veces el final viene forzado o sacado de la manga. Por esta razón debemos armarnos de paciencia, porque mucho de lo que a ustedes les gusta puede quedar truncado. Por eso es que yo prefiero no casarme con una serie. Veo series hasta que concluyan, punto. Prefiero estar desactualizado a no estar al pendiente del dolor de corazón de la cancelación, como muchos de ustedes ya lo habrán vivido. Sobre todo no se pongan ansiosos, porque nada pueden hacer desde aquí para reiniciar sus series. Eso depende de Japón, depende de los productores y de quienes proveen el dinero. Así que como se dice en Japón, levanten los hombros y repitan "Shikata Ga Nai", porque no pueden hacer nada al respecto.

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[Top] Lo mejor de noviembre 2016

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¡Y la palabra del mes es...

¡Waifu! ¡Recíbeme!

Waifu. Termino adaptado del japones por los otakus para destacar la fidelidad que un hombre puede sentir por un personaje animado 2D. Este tipo de fidelidad incluye que sólo tendrás sueños mojados con ella, sólo tendrás ojos para ella y será tu espíritu afín de aquí hasta la hora de tu muerte, ¡amen! Un termino que se ha vuelto común gracias al cambio de los gustos en el anime moderno se ha trasformado en definitiva en un adjetivo que determina a una pobre criatura ficticia a la cual los lobos le pusieron los ojos. ¿Qué tiene que ver esto con la lista del mes? Bastante. Si quieren saberlo acompáñenme al conteo del mes de lo mejor de Neoverso. Comencemos.

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1) [Gamer] Top 10 Waifus de Fire Emblem Fates

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¿Y en primer lugar quien está? Nada menos que las Waifus. Enrique Mosqueda se coloca de nuevo en el tope de la lista con una lista de los personajes femeninos del juego Fire Emblem Fates y el por qué deberían ser nuestras parejas sentimentales a futuro. Violentas, locas, lindas, misteriosas y maids; existe una para cualquier gusto. ¿Cuál escogería usted?


Para terminar aprovecho el espacio para dar la recepción que se merecen a nuestros nuevos compañeros Saúl y Gastón, que ha comenzado con el pie derecho. Entre waifus, artistas destacados y reflexiones sobre series, agradecemos a todos su compañía y les deseamos lo mejor en las próximas fiestas. Porque es por ustedes Neoversianos que llevamos a cabo este trabajo. Así que adelante!

[Comic] From Hero to Zero, el olvido es la muerte del superhéroe

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A pesar de su popularidad en Japón, Psylocke estuvo condenada al olvido; pero Bryan Singer decidió salvarla con una decente actuación de Olivia Munn y esperemos que vuelva pronto a la línea principal. 

Los superhéroes mueren en el olvido

Mi vehemente negación de las dos casas editoriales más grandes de cómic de Norteamérica (que no son por mucho las mayores del mundo) me dejó un legado infame de superhéroes. El inicio caótico de la Image, los cambios que este evento introdujo en el mundo del cómic y el advenimiento de la era digital han hecho colapsar la venta de cómics en todo el mundo. Gracias a esto fui testigo de primera mano de una de las verdades más dolorosas del cómic, los superhéroes no envejecen, se olvidan. Conforme los gustos de los dibujantes, las tendencias de los coleccionistas y el mercadeo jugaban con la existencia de cientos de superhéroes (algunos de los cuales encontraron vida en otras editoriales o reencarnaron en otras formas), hace años me pregunte, ¿qué tanto ha afectado esto en la historia de los superhéroes en general? Más de lo que imaginaba.

Si a usted le gustaba el cómic de Fantastic Four, esto es el culpable de que haya salido de producción.

El más reciente episodio con los Cuatro Fantásticos es uno en que los cómics nos dan a entender de que ningún personaje se encuentra establecido ni es permanente. Por esta razón decidí armar una lista de los héroes que comenzaron con gran ambición su recorrido por los cómics pero que por los cambios del destino se vieron relegados de la historia a papeles secundarios o menores. Vestigios de eras pasadas, creaciones de acuerdo a la moda o simplemente una mala decisión de negocios; cada uno de estos ejemplos refleja que el cómic es una moda que depende del gusto de los lectores. Aunque los héroes no mueran realmente, pueden llegar a ser olvidados.


Los equipos que vivirán en la infamia

No puedo negarlo, yo también estoy triste.

Fantastic Four, ¿alguien los extraña? ¡El que sea!

Los Cuatro Fantásticos fueron los primeros superhéroes que Stan Lee hizo a su gusto personal (si podemos creer en sus declaraciones) y que fueron realmente exitosos. Desde que vieron la luz en Noviembre de 1961, ellos se transformaron en el pilar de Marvel Comics y la rescataron de una grave crisis económica. Con un personaje reciclado de la Segunda Guerra Mundial (Human Torch), uno fusilado (Mister Fantastic) y dos más o menos originales (Invisible Woman y The Thing); su gran éxito residió en mostrar a una familia disfuncional de metahumanos tratando de convivir juntos y enfrentar los peligros de turno. Por el siguiente medio siglo esta dinámica tuvo mucho éxito, pero la ambición del Stan Lee por convertirse en un mogul de Hollywood la convirtió en una ficha de cambio para varios estudios. Cuatro películas y dos desastres después, Marvel Comics decidió cancelar por completo la serie por bajas ventas, pérdida de derechos de imagen con la 20th Century Fox y falta de disposición general para llegar a un acuerdo. Aunque no dudo que pueda renacer en el futuro, con el fracaso de la película del 2015 y mientras la Fox conserve sus derechos no habrá más de esta familia en papel. ¡Está dicho!

Si, no es buena idea no matarlos. ¿Dónde he visto esta conversación antes?

Pryde and Wisdom, un plagio demasiado obvio

Warren Ellis es un gran guionista de cómics, pero una de los grandes fiascos vino al principio de su carrera cuando se encargó de la serie Excalibur, un spin-off de los X-Men en Gran Bretaña. Su granito de arena fue la creación del mutante Pete Wisdom, un espía con la habilidad de crear cuchillas de sus dedos para lanzarlas a sus víctimas. Para tratar de emular el éxito de X-Files de mediados de los noventa, a los editores se les ocurrió que haría una perfecta pareja con la ya establecida Kitty Pride (de fama por Days of the Future Past). Después de tres números de Pryde and Wisdom y una virginidad perdida, Warren Ellis fue transferido a X-Factor, Pete languideció como secundario y se trajo a Kitty con todo su peso al agujero negro de los “personajes menores”. Definitivamente, algo que no debió haberse hecho.

Los caídos de Caín

Cualquier parecido es mera coincidencia.

Captain Marvel, ¿o Superman disfrazado?

Mejor conocido como Shazam para los que vimos la serie de los setenta, Captain Marvel de Fawcett Publication es un relato que cautivó a millones de niños que escapaban de los horrores de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Basada en el gran atractivo de que el alter-ego de este enorme superhéroe fuese el niño Billy Batson, tuvo una competencia activa con Superman durante los primeros años de la Edad de Oro del Cómic. La tragedia de este personaje es que ni Bill Parker (su guionista) ni C.C. Beck (su dibujante) tomaron las precauciones pertinentes para diferenciar de forma tácita a su creación del Hombre de Ácero. National Comics (ahora DC Comics) demandó, la victoria en los tribunales obligó a Fawcett Publication ceder/vender sus derechos sobre este personajes a la parte ganadora. Ahora el Capitán Marvel de DC es la pieza de cambio para engatuzar productoras y recordarnos de vez en cuando que hay otro personaje similar a Superman en su legión de superhéroes.

La adaptación de Grant Morrison definitivamente se ve mejor, lástima que tuvo una vida muy corta.

Bulletman, DC es quien dicta el olvido

Bulletman and Bulletgirl es uno de esos muchos productos que vio la Edad de Oro que no poseían suficiente coherencia para sustentarse a si mismo. Jim Barr, el hijo de un oficial de policía caído en el deber, consigue un trabajo en balística. Es aquí donde desarrolla un casco que desafia la gravedad y un suero que incrementa sus poderes, como el casco posee una forma peculiar tomó el nombre de Bulletman. Por supuesto que cualquier parecido con la biografía de Flash de Barry Allen es mera coincidencia. Si nos basamos en la evidencia circunstancial, cuando Fawcett Publication cerró su división de cómics en 1953, la que se transformaría en DC Comics dejó convenientemente que el restante cuadro de superhéroes de su competidora se pudriera en la historia, con ello el segundo más popular de esta revista que se disipó en el olvido. Con apariciones ocasionales y una readaptación de Grant Morrison que tuvo corta vida, Bulletman nos demuestra que los negocios se imponen a cualquier gusto, por malo que sea.

¡Sin comentarios!

Machine Man, remedo de 2001: A Space Odyssey

Jack Kirby es sin duda una de los grandes referentes del cómic de todos los tiempos. Con un trabajo que se extendió por todas las eras, literalmente definió posturas y la forma en que debían verse los personajes e interactuar con la viñeta. Pero Machine Man es el mejor ejemplo de que un dibujante muchas veces no es el mejor guionista. Adaptado de la revista 2001: ASpace Odyseey que intentó aprovechar la popularidad de la película 2001 de Stanley Kubrick y la novela de Arthur C. Clarke; X-51 ejemplifica como un concepto interesante de androide inteligente mal diseñado por un dibujante que iba de salida se transforma en la puta de todo dibujante o guionista que recicla un personaje hasta el cansancio. Gracias Jack por esta aberración, porque es tu culpa.

¿Ir dónde? Al dojo, al sitio donde Jim Shooter dejó el cerebro o su pubertad. ¿Dime dónde? Kiiya!

Karate Kid

No creo que sea necesario un comentario sarcástico, el nombre es más que suficiente. Cuando la Legión de Super Héroes (que de por si tiene su cuota de superhéroes bien inútiles) llevaba más de diez años entreteniendo (y ofendiendo) a aficionados de la Edad de Plata, Jim Shooter (de catorce años), creyó que sería una maravillosa idea crear a un personaje cuya única habilidad es una notable conexión con las artes místicas del karate. Le doy el beneficio de la duda por la edad, pero Karate Kid se ha transformado en sus muchas permutaciones en una broma bien intencionada de DC sobre la discriminación en sentido inverso, ya que el personaje no posee poderes metahumanos la mayor parte de las veces no encuentra la forma de encajar ni en el futuro ni en las páginas de cómics salvo para recordarnos ese detalle. ¡Que pena!

¡Que feo miras muchacho! Podrías voltear la mirada, gracias.

X-Man, cuando un Cable no es suficiente

Uno de los períodos más oscuros del cómic se gestó durante la fundación de Image a mediados de los noventa. No sólo la partida de esos talentosos dibujantes debilitó a la Marvel, las condiciones quedaron dispuestas para una toma de poder de los dibujantes, los cuales impusieron su estilo para que los guionistas sólo “agregaran los globos”. Jeph Loeb, un reconocido guionista de televisión, tuvo la mala fortuna de tratar con dichas divas de la tinta durante el crossover Age of Apocalipsis, una de las “supremas” ideas fue Nate Grey, la versión alterna de Cable de dicho futuro. Infinitamente poderoso, infinitamente popular en el público, X-Man fue la respuesta de los noventas al antihéroe nihilista que no siente ninguna fidelidad por un bando ni otro. Emo hasta el final, el cambio de la moda a una más escatológica disminuyó las ventas y este superhéroe así como su galería desapareció en el polvo del cambio de milenio, con breves apariciones como segundón. Diría que me da pena, pero sería mentir.

Las herejes de Eva

Mutante, cantante, glamorosa. ¿Qué le puede hacer falta a Dazzler? Personalidad, tal vez.

Dazzler, la princesa (olvidada) del Disco

Nunca es bueno seguir ciegamente las tendencias de la moda. La música Disco, un género popular a mediados de los setenta, arrasaba en todos los aspectos del arte a lo largo del mundo. Después de una colaboración exitosa entre Casablanca Records y Marvel con el cómic de KISS, el paso lógico era crear una superheroina que fuera una cantante y tuviese un poder relacionado con la música. De la mente de John Romita y Tom DeFalco (y algo de Jim Shooter), Dazzler vio la pista de baile en 1980, justo cuando el trato con Casablanca Records y la moda disco llegaron a su fin. Con la capacidad de convertir el sonido en luz, Dazzler ha mutado sus géneros de música y sus poderes para mantenerse “fresca”, pero nunca ha calado en el corazón de los fans. ¿Por qué sería?

Esta es una revisión médica que quisiera olvidar.

Marrow, el deseo por el turismo morboso

Otro de los abortos del período de Jeph Loeb a cargo de X-Men, este fue un encargo de los dibujantes Scott Lobdell y Joe Madureira (Dios, como detesto a ese tipo). ¿Cómo podemos definir la importancia de esta mutante que fue crítica durante la fase de Zero Tolerancia? Asqueroso, es la palabra se me viene a la mente. Con un factor de curación elevado, el tejido oseo de Marrow se regenera de forma exponencial, lo que le permite formar extensiones de sus huesos como armadura y usarlos como armas. El problema básico es que esta habilidad ha deformado su organismo hasta el punto de que su osamenta se ha transformado en un exo-esqueleto. Con la partida de ambos dibujantes de Marvel ella quedó huérfana y ha servido como motor dramático menor desde entonces.

Vuela cariño, al infinito y más allá.

Firestar, la primera chica en llamas

Otro aborto que vio la luz durante la supervisión de John Romita, Firestar fue la respuesta de último minuto a la pérdida de derechos de Human Torch (en manos de Constantine Films para ese momento). Esta mutante capaz de emitir ondas de energía al estilo de microondas (lo cual le permite “manipular” el fuego) vio la luz en la serie animada El Hombre Araña y sus Sorprendentes Amigos, como balance de Iceman y Spiderman, la parte en disputa de un posible triangulo amoroso. Con el cambio de ambiente en la siguiente temporada y la finalización de la serie, Firestar brincó de cómic en cómic para ser un personaje menor del cual sólo se recuerdan sus cada vez más ancianos fans.

Jubilee, ¿alguien ha visto a Jubilation Lee?

Cuando la serie X-Men de Fox vio la luz a mediados de los noventas, una pregunta rotó por la mente de los aficionados, ¿por qué escogieron al equipo Azul? Con la base del X-Men Blue Team de Jim Lee, la feliz coincidencia trajo a la pequeña Jubilee a sustituir a Kitty Pride en el papel de la novata y adolescente del equipo. Creada por Cris Claremont y Marc Silvestry, Jubilee es el tipo de personaje que sirve de secuaz y aprendiz, la cual va madurando conforme avanza la serie, lo cual no fue muy feliz para ella cuando la serie X-Men comenzó a migrar hacia las historias clásicas de Cris Claremont (Mr. Sinester y la Saga Phoenix). Desde entonces, aunque aparece constantemente en cómics, series y películas, ella no pasa de una simple nota. Es una pena, pero es la verdad.

Mención especial

Aunque no le guste, IMHO Olivia Munn hizo una buena interpretación de Psylocke, constreñida por las fallas de la película. Y aunque la incomodó toda la película, el traje fue un buen homenaje.


Psylocke, una decisión de casting

Conforme Marvel avanzaba hacia los años noventa, Betsy Braddock/Kwannon, una de las psíquicas más poderosas de X-Men, se abría paso entre los gustos de dibujantes y guionistas de todas las tallas. Porque hay que admitirlo, a quién no le gusta una kunoichi psíquica con un spandex precioso y pegado al cuerpo, piernas largas envueltas en unas enormes botas y una actitud de “me vale verga todo en la vida” producto del conflicto de personalidades que padece. Cuando parecía que esta heroína se consolidaba en el gusto de los fanáticos, llego la serie X-Men de Fox, donde se tomó la fatídica decisión. Como el Equipo Azul de X-Men no contenía a Jean Grey y ella era el centro de la Saga de Phoenix, con la vista en el futuro los animadores cambiaron a Psylocke por Jean Grey para tener acceso a ese grupo de historias y material para futuras temporadas. Esto combinado con la partida de los dibujantes y animadores que la mimaron tanto destruyeron el futuro de este personaje, que literalmente murió/desapareció/perdió poder durante toda la primera década del milenio. Esperemos que su aparición en la película X-Men:Apocalypse (Olivia Munn es linda) y su popularidad en Japón la devuelvan a las páginas que la vieron nacer.

Si ustedes encuentran esta imagen conocida, debo decirles que ustedes son viejos.

Iron-Fist, el plagio de Kung Fu y Bruce Lee

Vamos a ser serios y sentarnos a reflexionar un momento. Ustedes por un momento creerían que un neoyorkino bueno para nada se encuentra casualmente con una fuerza mística ancestral que le imbuye los puños con una habilidad sobrenatural mística que le permite dominar las artes marciales. I don sink sou!Iron Fist fue la respuesta normal de la Marvel a la popularidad de la serie Kung Fu (literalmente se robó muchas de sus ideas incluyendo el caldero de fuego), la cual diseño un personaje con la capacidad de concentrar su chi en cualquier parte de su cuerpo (obvio que sus puños son su punto fuerte) para obtener beneficios adicionales. Cuando la popularidad de las artes marciales se desvaneció así lo hizo el personaje, pero se logró colar en Heroes for Hire junto con Luke Cage y gracias a esto su historia fue retomada por el universo televisivo de Marvel, tanto animado como en Netflix. Espero que esta vez si pueda permanecer más tiempo entre nosotros que su parpadeo en los setentas y ochentas.

Si, la lógica es inválida.

Bueno, con esto termino la lista de los perdedores. Como siempre, esta es volatil y puede estar sujeta a los cambios generacionales así como los deseos de los dibujantes. Por supuesto estoy abierto a otras opiniones ya que me pudieron hacer falta más personajes en el compendio de la caída de superhéroes. Pero antes de que digan algo, saquen a Aquaman de la lista. Por deseos (faperos) más allá de mi comprensión él no abandona ningún equipo de JLA, además quien puede olvidar la porquería que hizo Hanna Barbera con dicho personaje. Por lo demás, ¿quién cree que hizo falta en la lista?

[Manga] "Vagabond" de Takehiko Inoue. Una perla en el océano Seinen.

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Muchos consideran a Vagabond como la obra cumbre de Takehiko Inoue, quien gracias a este título se ha convertido en uno de los autores más respetados por sus colegas, aclamado de pié por la crítica y exaltado por el circuito fandom tanto en Japón, como en el resto del mundo.

Vagabond de Takehiko Inoue

"Una perla en el océano del género seinen"

por Gastón Elian Ocariz

Vagabond (バガボンド 'Vagabundo') es un manga (historieta japonesa) de gran calidad y trascendencia a nivel mundial, cuyo autor integral es el aclamado artista Takehiko Inoue.


Portada del ejemplar Nº 1, publicado en Japón en 1998

Sobre el Autor y Sus Comienzos


Nació en Kyushu, específicamente en la ciudad de Okuchi (actualmente parte de la ciudad de Isa) en la prefectura de Kagoshima, Japón, el 12 de enero de 1967. En la secundaria se destacó como un hábil practicante de Kendo, pero cuando cambió de escuela, el club de Kendo no tenía vacantes y decidió practicar baloncesto. Eventualmente llegó a ser el capitán del equipo, hecho que se transformaría en fuente de inspiración para sus obras como mangaka. Cursó sus estudios universitarios en la “Kumamoto University” ahí continuó jugando baloncesto, mientras trabajaba como asistente del prestigioso Tsukasa Hojo (北条司 Hōjō Tsukasa) mangaka japonés nacido el 5 de mayo de 1959 en Kokura, prefectura de Fukuoka, autor de City Hunter (1985-1991). Con este tremendo artista Takehiko Inoue, aprendió, desarrollo y perfeccionó sus talentos para la creación de mangas de calidad.



El camino hacia el éxito

La obra más reconocida y popular de Takehiko Inoueprevia a Vagabondes Slam Dunk, manga publicado entre el 1990 y 1996 por la editorialShūeisha en 31 volúmenes recopilatorios. En esta obra se desarrolla la temática del baloncesto a través de las peripecias de Hanamichi Sakuragi, con una gran dosis de comedia, deporte y lecciones de autosuperación. Inoue, llegó a ostentar por un tiempo, con Slam Dunk, el título de autor más vendido en la historia del manga.

El autor ha sabido llevar adelante varios proyectos. Podemos mencionar el manga de corte futurista Buzzer Beater (1997), 4 tomos que fueron lanzados en el magazine Monthly Shōnen Jump, y que también aborda la temática del baloncesto; y Real, publicado desde 1999 en Young Jump de Shueish, historia centrada en el mundo del baloncesto en silla de ruedas


Realizó varias obras cortas, entre las que destaca Piercing (1998) sin embargo, no consiguió otro gran éxito hasta que comenzó a publicar Vagabond ese mismo año.


Takehiko Inoue al momento de realizar Vagabond se ha inspirado en las novelas de Eiji Yoshikawa (吉川 英治 Yoshikawa Eiji, 11 de agosto de 1892 - 7 de septiembre de 1962), quien es probablemente uno de los mejores y más famosos novelistas de género histórico de Japón.

Eiji Yoshikawa y su obra Musashi
Dichas novelas relatan la historia del guerrero más famoso del Japón feudal, Musashi Miyamoto (宮本 武蔵 1584 - 19 de mayo de 1645), también conocido como Shimmen Takezō,Miyamoto Bennosuke, o por su nombre budista Niten Dōraku. Su nombre completo es Shimmen Musashi no Kami Fujiwara no Genshin ("No Kami" es un título nobiliario, mientras que "Fujiwara" es el nombre de una importante familia noble de aquella época). Su relevancia histórica queda plasmada en el reconocido tratado sobre artes marciales titulado "El libro de los cinco anillos" (Go-rin no sho).

Vagabond está englobado dentro del género seinen (年 lit. «hombre joven»), demografía de manga cuyo objetivo es atraer a una audiencia masculina a partir de los 16 años en adelante. Como tal, este subgénero tiende a ser mucho más sofisticado, visceral y realista con respecto al manga shōnen. Los temas más frecuentes en la trama de este género son la violencia, la política y los aspectos más profundos y oscuros en la personalidad de los personajes.



Al comienzo de la historia conoceremos al protagonista como un violento e iracundo joven llamado Takezo, el cual sobrevive (aun estando del lado perdedor) a una de las batallas más sangrientas de la historia de Japón: Sekigahara. Luego de que su vida da un giro gracias a la intervención de un monje llamado Takuan, el joven Takezo cambia su nombre a Musashi y se embarca en una búsqueda de autosuperación personal que lo llevará a enfrentarse con los más grandes expertos contemporáneos de las artes del combate dentro del territorio. Así poco a poco, con sangre y sudor, va construyendo su propia leyenda, la del verdadero "vagabundo" más poderoso de todo Japón. 

 

Datos de la Publicación

El manga Vagabond comenzó en 1998 siendo serializado en la revista semanal Shukan Moningu y es publicado por Kōdansha en Japón. En España y Argentina es publicado posteriormente por la editorial Ivrea. Lleva un total de 37 tomos a la fecha; y las estimaciones de venta han superado más de 22 millones de copias alrededor del mundo.

Título original: Vagabond (バガボンド)
ISBN OC: 8415922949
Autor: Takehiko Inoue
Géneros: Histórico
Formato:Tomo B6 (13 x 18 cm.) Rústica (Tapa Blanda) con Sobrecubierta Color
Estado: En publicación (37 volúmenes) Pausada en la actualidad.
Editorial Japonesa: Kodansha
Editorial Española: Ivrea

 

 

En la versión española, cada tomo incluye hasta 260 páginas por volumen y una extensa sección de aclaraciones para la traducción, e información extra sobre la obra. Además todos vienen con varias páginas a todo color, incluso algunas no incluidas en la propia edición japonesa original. Éstas ultimas fueron proporcionadas para la edición de Ivrea por el mismísimo Inoue en persona.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


La majestuosidad de los trazos del autor, que a diferencia de otros profesionales del género, tiende al realismo histórico, enaltece su obra. Un estilo gráfico impactante e innovador, pero a la ves con una fuerte influencia de las técnicas pictóricas aplicadas por los maestros tradicionales del arte feudal en el periodo Edo, sumado a una narrativa sublime hace de Vagabond un manga dinámico y lleno de acción. Atrapa al lector en un remolino de situaciones, devenidas de los cambios surgidos de los sentimientos, las emociones y cavilaciones del protagonista, siempre de tendencia introspectiva y muchas veces extrema, con desbordes de violencia que inundan las páginas en cada entrega.


Muchos consideran a Vagabond como la obra cumbre de Takehiko Inoue, quien gracias a este título se ha convertido en uno de los autores más respetados por sus colegas, aclamado de pié por la crítica y exaltado por el circuito fandom tanto en Japón, como en el resto del mundo; trascendiendo fronteras la obra fue publicada en Corea, Hong Kong, Singapur, Thailandia, Taiwan, Malasia, Indonesia, Brasil, Argentina, EE.UU. y Canada (Viz Media), Italia, Francia, Alemania, Polonia, Finlandia y España.

 


 

En cuanto a la publicación, debemos mencionar que ha sido afectada por varios retrasos debido a inconvenientes de salud y situaciones personales vividas por el creador. En la actualidad no hay noticias en cuanto a la continuidad de la historia por parte del autor o los editores. Es un humilde, pero ferviente deseo de mi parte que la publicación continué y eventualmente el autor pueda darle un cierre a la altura del desarrollo de la historia y sus protagonistas.




Premios y Reconocimientos para Takehiko Inoue


• 1988 - 35th Tezuka Award Nomination, (bajo el nombre Takehiko Nariai) para Kaede Purple

• 1995 - 40th Shogakukan Manga Award, Boy's Category para Slam Dunk

• 2000 - 4th Japan Media Arts Festival Award, Manga Category para Vagabond

• 2000 - 24th Kodansha Manga Award, General Category para Vagabond

• 2001 - 5th Japan Media Arts Festival Award, Manga Category para Real

• 2002 - 6th Tezuka Osamu Cultural Prize, Manga Category para Vagabond

• 2008 - 2nd Asiagraph Award

• 2009 - 13th Japan Media Arts Festival Award, Media Arts Category

• 2011 - Medalla de Honor con Listones Azul Oscuro del Gobierno Japonés


 



Vagabond ha ganado el Gran Premio del Festival de Artes de Medios en el año 2000, otorgado por la Agencia Japonesa para Asuntos Culturales. Lo siguiente es un extracto del discurso felicitando a Takehiko Inoue
"Desde Toyotomi a Tokugawa. Musashi Miyamoto creció en un periodo de cambio entre dos grandes eras. El señor Inoue ha tomado al poderoso Musashi quien fue llamado a veces una 'bestia' y lo dibujó como un vagabundo. El artista hace alarde sobre retar atrevidamente el trabajo de literatura nacional de Eiji Yoshikawa, incluso, la sensación de velocidad que él crea es impresionante. Yo le envío mis aplausos al artista por crear una nueva imagen de Musashi."
Ese mismo año 2000, Vagabond ganó la número 24 Condecoración Kodansha por Mejor Manga. En el 2002, Vagabond fue obsequiado con la altamente aclamada Condecoración Cultural Tezuka Osamu. El año siguiente, Inoue fue nominado para el Premio Eisner del 2003 en la categoría de Mejor Escritor / Artista.

En 2006, debido a la popularidad y el estilo artístico único de sus obras, Takehiko Inoue fue invitado a exponer su arte en el Museo Real de Ueno en Tokio. Para este gran evento denominado "The Last Manga Exhibition" el autor realizó alrrededor de 150 pinturas, algunas gigantescas, basadas en Vagabond. El trabajo que tomó la preparación de la muestra fue de aproximadamente 6 meses de ardua dedicación tanto para el artista como para todos los involucrados. Las pinturas no son, sin embargo, sólo para mostrar su obra; en conjunto todas la pinturas cuentan la historia de un ya anciano Musashi, sirviendo como epílogo para el mánga Vagabond. La historia se sitúa en la cueva de Reigando, lugar de la muerte de Musashi. Algunos de los cuadros expuestos son como enormes versiones de las páginas que podemos leer en el manga (con diálogos), pero la mayoría de las obras son pinturas que respetan el estilo Sumi-e, una técnica de dibujo monocromático en tinta de la escuela de pintura japonesa. La exposición se celebró en junio de 2008, y fue un gran éxito, agotando las localidades. Se repitió la exposición en 2009 y 2010.


En 2014 tuvo lugar el XX Salón del Manga de BarcelonaEspaña, ha demostrado gran interés y simpatía por sus seguidores, al final de la master class que ofreció a la concurrencia, sorteó entre el público sus plumas, pinceles y tintas como agradecimiento al cariño recibido. Sin duda, ha sido el protagonista de la jornada. Cabe destacar que el factor humano del artista se deja ver, emerge y florece tanto en el trato con sus lectores, como en el respeto, la disciplina y dedicación que aplica a su trabajo. Sin dudas es una persona digna de admiración, con un talento significativo y trascendente.

  

PORTAL EDICIONES (Editorial de cómics online) estuvo presente en el evento

Recomendaciones para seguir leyendo 



También es interesante la entrevista conjunta a Takehiko Inoue y Eiichiro Oda (Primera Parte Segunda Parte / Tercera Parte) publicadas por DIDI, co-fundadora de Ramen Para Dos

En el siguiente blog encontraránuna biografía muy interesante del autor, un recorrido por su obra, sus logros y detalles interesantes, realizado por el colega Mad Max.

© Copyright 2016 - Todos los derechos reservados. Todos los textos e ilustraciones que acompañan este artículo en forma de imágenes, fondos, logotipos, diseños, etc. son propiedad de sus respectivos autores y/o editoriales y solo se utilizan con fines informativos.

[Reseña] BATMAN y ROBIN ETERNAL #11

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Dick Grayson y Harper encontraron un rastro que los llevo a David Cain(Orphan) el padre de Cassandra, pero para su sorpresa al único que encontraron en su casa fue a una chica que se hace llamar "La Escultora".


La Escultora les da la noticia de que ella fue la que dejo ese rastro para que pudieran llegar y así poder conocerse; La Escultora demuestra al momento sus habilidades psíquicas al leer la mente de Harper y ponerla a dormir en un sillón.


Dick le pregunta el porque de sus intenciones y quien la mando, ella le responde que es una de las trabajadoras de Mother y que después de los hechos que ocurrieron en la función de Ballet en Praga, Mother esta movilizando sus bases de operación y esta destruyendo cualquier cosa que logre relacionarla con ella.


Esa movilización incluye eliminar a los niños que Mother creo y reprogramo, con lo cual La Escultora no esta de acuerdo por eso decidió ayudar a Dick en su búsqueda, pero para que Dick pueda ver la imagen completa es necesario que La escultora entre en su mente y así pueda enseñare de una forma casi presencial.


Dick se niega ya que al tener el Hypnos que instalo Spyral en su cerebro, seria una sentencia de muerte para ambos ya que Spyral debe proteger la información que sus agentes saben y así no puedan comprometer a la organización; eso significa que si alguien intenta entrar en el cerebro de sus agentes su cerebro se freiría.


Entonce la que se ofrece para la misión es Harper, la cual es llevada psquicamente a una cueva donde Orphan se encuentra peleando con Cass, en lo que parece ser un entrenamiento de batalla; Harper le menciona a La escultora sobre que es lo que pasaba y porque Orphan golpeaba a Cass sin dirigirle una sola palabra.


Escultora le explica que David Cain es uno de los primeros niños de Mother y en su mente enredada el veía a Cass como un tributo que Mother apreciaría.


El le prohibió cualquier interacción a Cass para así programarla y hacer que no dependiera de lo que las personas dijeran, podría saber el lenguaje corporal de las personas y así saber lo que las personas harían ates de siquiera ejecutarlas.













La Escultora sabe que la clave de Mother era el miedo, este causaría un trauma en los niños, lo cual seria la base para su moldeo como asesinos, este método lo mejoraron con el gas del miedo de El Espantapájaros, a lo cual David no le tenia muy buena espina.


El creía en la vieja escuela, hacer que el miedo que causara el trauma al niño tenia que ser real, por lo que Cass esta sometida a sesiones de asesinatos por parte de su padre, lo cual creo una asesina perfecta que logro derrotar a muchos guerreros.



Pero al presentársela a Mother esta se sintió ofendida al ver que David estaba haciendo su propio guerrero a sus espaldas.


Mother no tolero esa actitud por parte de Orphan y amenazo con sustituirlo si seguía con su forma de pensar, pero Harper y La Escultora son transportadas a Gotham donde observan como Cass asesina a una mujer sin misericordia para después ver que Cass llora, esto solo demuestra que ella no es una asesina y que el único culpable es su padre. 



La Escultora los regresa a la cueva de Mother llamada la Guardería donde le muestra como Batman y ella cierran un trato en torno a un nuevo Robin que este a la altura de Batman.


Con esto Harper se altera al creer que Batman nunca haría algo como eso, Dick ve que el cuerpo físico de Harper se altera con la conexión y decide electrocutar a la Escultora para romper la unión.


Harper le menciona lo que vio relacionado a Batman pero Dick tampoco lo cree por lo que obliga a La Escultora a que le muestre pero su conexión corre mucho riesgo de terminar mal para ambos.





DICK PIENSA ESTAR CERCA DE ATRAPAR A MOTHER PERO POR CADA PASO QUE SE ACERCA MOTHER SE ALEJA DOS, POR LO QUE LA ESCULTORA PODRÍA RESPONDER MUCHAS PREGUNTAS Y ASÍ ACELERAR EL PROCESO, PERO CORRE EL RIESGO DE MORIR EN EL INTENTO.

CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #12


"COMPRADO Y PAGADO"

Asombrosos invitados internacionales para Conocomics Diciembre

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Hay diversidad de invitados de diversos ámbitos para esta Concomics Guadalajara que se realizara los días 10 y 11 de diciembre además de concursos de cosplay Performance, Dance Group, Copslay Infantil y torneos de videojuegos 10 y 11 de diciembre como son, los dibujantes Jae Lee y Moonte Moore, el colorista Rod Reis los actores Jason David Frank y  Jason Faunt, los cosplayers Reika Holly Wolf, Junkers Cosplay Inc y elise Laurene, las suicidegirls Riae y Rebeca Crow además de los actores de doblaje Kaí Martinez y Juan Guzmán, abajo te dejo información más detallada sobre los invitados

Jason David Frank





Muchas personas  disfrutaron de niños de la serie Power Rangers de niños, donde el luchador de artes marciales mixtas y actor Jason David Frank interpretaba a Tommy Oliver "El ranger Legendario", el personaje favorito de muchos por ser el lobo solitario, pero la popularidad del personaje de David fue tal que continuo apareciendo en las distintas series secuela aunque con distintos colores, ya sea como protagonista o en cameos. 


Jae Lee


Es un  ilustrador de comics Koreano estadounidense conocido por su trabajo en  Marvel Comics, Imagen y Dc Comics, Salto a la fama después de su trabajo en Namor The Submariner, desde entonces ha ilustrado comics como Before Watchmen, Ozymandias, Batman/Superman, Youngblood Strikefile, The Dark Tower (Basada en los libros de Sthepen King), WildC.A.T.s Trilogy y Hellshock, Inhumans que obtuvo el Premio Eisner 1999 a la Mejor Serie nueva.






Reika 




Es una joven  y muy famosa cosplayer japonesa, conocida por sus excelentes Crossplayer (Cosplayer pero interprentando a personajes de un genero distinto a ella. Aquí les dejo Fotografías de algunos de sus trabajos.








Elise Laurenne




Es una Famosa cosplayer Canadiense, aquí les dejo algunas fotografías de sus trabajos.






Así que ya saben Neoversianos, esta edición va estar de lujo.

[Reseña Anime] Akame ga Kill! Morir es la próxima salida

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¡Hola a todos! Hoy veremos una serie llena de acción y muertes, muchas muertes. Se trata de Akame ga Kill!, con una historia atractiva y pequeños deleites para aquellos que gustan de la buena acción, cierta sangre y claro, algo de ecchi. Hace poco un compañero realizó una comparación entre al manga y el animé en un artículo titulado "Akame ga Kill! El manga supera por mucho al anime"; leyéndolo sentí curiosidad y decidí ver la serie, y así tener mi propia posición respecto a esta, confirmando muchos de los puntos tocados en ese artículo. Pero, para no alargar más esto, vayamos con la serie.

Información técnica

 

Título: Akame ga Kill! - アカメが斬る! - Akame ga kiru!

Producción:
Square Enix

Estudio:
White Fox & C-Station

Emisión: julio a diciembre de 2014

Episodios: 24


Sinopsis 


Akame ga Kill!! Wallpaper hd
La Capital, una ciudad que promete a los jóvenes de pueblos lejanos oportunidades de ayudar a su familia. En nuestra historia encontramos a Tatsumi, un joven habilidoso con la espada y lleno de sueños cargados de buena voluntad. En su búsqueda de un empleo en la Capital para enviar dinero a su pobre aldea se da cuenta que esta ciudad no es lo que prometía ser, se encuentra llena de sádicos y seres corruptos de poder, embriagados de su propia gloria y con ningún respeto por la vida; esto lo conoce de primera mano al encontrar a sus dos amigos, Sayo e Ieyasu, quienes salieron con él de su aldea con las mismas intenciones, brutalmente torturados hasta la muerte por una familia acaudalada que se consideraba a sí misma como superior a otras personas. En medio de ese terrible descubrimiento, Tatsumi conoce a Night Raid, una agrupación de asesinos a sueldo con la intención de limpiar la Capital de este tipo de sádicos, degenerados y cerdos egocéntricos. Con mucho por aprender y aún más que sufrir, el joven Tatsumi se une a Night Raid, dando inicio a una batalla llena de violencia y crueldad para vencer a un reinado corrupto y déspota que contamina a la Capital desde su corazón mismo.

Las Teigu 


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En muchas series encontramos un arma legendaria, creada hace mucho tiempo de forma mística y con habilidades insuperables por cualquier arma mortal, o creadas por algún personaje fundamental en la historia con las habilidades necesarias para crear armas de este nivel (Véase Kill la kill: guerreras nudistas en trajes hiper-estilizados). Aquí vemos a las Teigu, creadas por el primer emperador de la gran Capital para proteger su imperio. Las Teigu se han heredado únicamente a los guerreros más poderosos, aquellos compatibles con armas de este nivel. En este caso, las batallas se deciden bajo una ley que rigen a las Teigu: "Si dos usuarios de Teigu se enfrentan, al menos uno de ellos va a morir".

Personajes


Akame ga Kill! es una serie que cuenta con numerosos protagonistas, cada uno aportando una parte importante en la historia; sin embargo, con el fin de no alargar demasiado esta reseña y evitar un poco el spoiler (al menos en este apartado) les hablaré de cuatro personajes que a mi parecer forman el pilar principal sobre el que la historia se desarrolla. Estos son: Tatsumi, Akame, Leone y Esdeath.

Tatsumi

Teigu: Incursio 

 

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El protagonista principal de la serie, un joven habilidoso con la espada y que siempre busca superar sus propios límites. Luego de unirse a Night Raid se enfrenta a enemigos cada vez más poderosos y sádicos, lo que lo lleva a entrenar y adquirir mejores habilidades en el combate. Aunque es de corazón puro, no oculta su ira ante aquellos que han asesinado inocentes sin pensarlo. Su lucha contra el imperio corrupto lo lleva a una batalla final que no deja más que muerte y destrucción.

Akame

Teigu: Murasame

 

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Akame es una chica poco expresiva, pero muy habilidosa en combate, domina su arma, Murasame, con gran maestría y no duda un segundo para aniquilar a cualquier enemigo que se ponga a su paso. Akame fue un experimento de la Capital que tuvo como premisa el obtener los soldados perfectos al quitar de ellos todo rastro de humanidad: piedad, lástima, duda, etc. Como resultado de ese proceso, Akame se volvió una máquina de matar fría y altamente efectiva, sin embargo, en Night Raid encontró lo más cercano a una familia, esto hace que los quiera a todos como tal, y que sufra ese dolor natural que alguien siente con la muerte de un familiar.

Leone

Teigu: Lionelle

 

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Leone es quien inicia todo, es el vínculo entre Tatsumi y Night Raid, ella se encariña con el chico y hace que se una a ese grupo de asesinos. Leone es extrovertida y muy amistosa, aparte de ser bastante divertida; ella es la última protagonista en llevar a cabo las metas de esta organización, y aquella que dió a Tatsumi un norte que seguir. Aunque no parezca la más podersosa de las guerreras, el control de su Teigu le vuelve un enemigo insuperable en combate cuerpo a cuerpo.

Esdeath

Teigu: Demon´s Extract

 

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Esdeath es el enemigo último a vencer por Night Raid. Una guerrera fría que causa temor ante los más fuertes; es una guerrera invencible, con una Teigu capaz de congelar a cualquiera y cualquier cosa. Esdeath creció en una aldea de guerreros cuya filosofía era que aquel que moría, moría por ser débil; en medio de esa tribu de guerreros impíos, Esdeath creció como una asesina sádica sin ninguna consideración por la vida humana, lo que la vuelve la contrincante más poderosa de toda la serie. Aparte de ser el enemigo último, Esdeath se enamora de Tatsumi, lo que hace de su relación un problema sin resolución; esto hace que la misma Esdeath se vuelva un poco más humana, sin embargo, no le quita su sed de sangre y guerra.

Akame ga Kill!: la serie para no apegarse a los personajes

* Alerta de spoiler 

Debo confesar que en la mayoría de las series me apego a los protagonistas, y sus muertes me dejan ese sentimiento de nostalgia que no muchos entienden. Sin embargo, en Akame ga Kill! se puede ver cómo, uno tras otro, los protagonistas mueren en batallas que ponen los pelos de punta, en medio de una hilada más para componer la trama de la serie. Amigos de Tatsumi, compañeros de equipo, maestros y líderes llenan la sangrienta lista de muertes que Akame ga Kill! acumula. No hay tiempo para encariñarse con un protagonista, no pasan muchos capítulos para que muera envenedado o con su cabeza cercenada en un poste. Aún así, debo agradecer a esta serie por enseñarme a no apegarme tanto a los protagonistas, luego de tantas muertes de seres queridos en una misma serie no se puede esperar peor en otras.

Podríamos pensar que con tanto protagonista desapareciendo por aquí y por allá se piede el hilo conductor de la trama, sin embargo, cada muerte agrega un hito indispensable para el desenlace de la historia, para darle a Tatsumi una razón más por la cual luchar y para asegurar la maldad y la atrocidad con la que los defensores de la Capital actúan.

¿Qué decir de Akame ga Kill!?

*Alerta de spoiler

Pues bueno, entre tanta muerte de protagonistas y una historia que se puede considerar cliché (el joven habilidoso que se vuelve fuerte para defender a sus amigos), Akame ga Kill! ofrece mucho por qué gustar. Contiene un nivel apropiado de ecchi y sangre, esto es, una cantidad de erotismo suficiente para mantener "caliente" el ambiente pero no demasiado como para que todo gire en torno a este, y una buena cantidad de sangre y desmembraciones que le dan ese "piquete" a las matanzas que sólo la sangre puede lograr, sin llegar al nivel de una serie gore con tripas por aquí y huesos y nervios por allá. Esto en conjunto con una serie de luchar muy emocionantes hacen que la considere como una serie a recomendar.

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Ahora, el desenlace de la serie me parece bastante bueno, aunque comienza con la típica casualidad de algo terrible que ocurre al protagonista principal, no podría decir que hay una forma mejor de haber iniciado la historia. Las muertes constantes no quitan interés, ni tampoco vuelven a la serie un paño de lágrimas; por el contrario, agregan emoción y borran una barrera más que debía ser eliminada para que todo siguiera fluyendo. La variedad de los personajes me gusta, hay sujetos para todos los gustos, unos tan dulces que enamoran, y otros tan hijos de p*ta que sólo generan un odio intenso.

Akame ga Kill! ¿El manga supera por mucho al anime?

 
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Respecto al artículo que les mencioné al inicio, considero que hay razón en algunos puntos. Sí, llegando al final hay un incremento acelerado en la muerte de personajes, lo que puede darse por la prisa por terminar el arco en una misma temporada. Se pudo dejar una segunda temporada que diera más tiempo para desarrollar algunas cosas que en el manga sí se ven, sin embargo, es difícil pedir esto cuando una serie debe cumplir con fechas de entrega y cuenta con un proyecto tal que dicta que sólo esto y esto otro se va a desarrollar en la adaptación al anime. Claro, algunos personajes del manga ni siquiera aparecieron en el animé, sin embargo, esto es bastante común en la mayoría de adaptaciones, y no lo considero un factor decisivo para decir que el manga es mejor que el anime; para mí, pueden apreciarse simplemente como historias en común con desarrollos distintos, por lo que no podría afirmar que la falta de personajes en una adaptación la vuelva inferior al manga.

Finalmente, veo en Akame ga Kill! muchos puntos a favor, una animación cuidada, no muy detallada en algunas cosillas, pero cuidada al fin; un desarrollo de la trama bastante bueno, personajes interesantes y como ya he mencionado, un buen equilibrio en sus partes. Por esto les dejo mi recomendación a ver esta serie, y claro, si gustan de leer el manga también. Espero y les haya gustado y como siempre, cualquier duda, comentario o correción es completamente válidad y espero que la agreguen sin dudarlo, saludos.

[Reseña] JUSTICE LEAGUE OF AMERICA #7

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PODER Y GLORIA pt. 6

Escritor: Brian Hitch
Artista: Brian Hitch
Tintas: Daniel Henriques 



Después de que Superman tuviera un altercado con Rao en la antártica, Sups fue capturado por Rao en su catedral que sobrevuela Nueva York.


Batman se encuentra con Cyborg y su padre, los cuales están descifrando la tecnología de los bastones que los profeta de Rao usan para convertir a la gente y al parecer tambien sirven como armas.


Cyborg se logra conectar al bastón, el cual sirve como canalizador de energía que es llevada a un punto en la red, este punto es la catedral de Rao donde esa energía se transfiere al cuerpo físico de Rao, esto le otorga la energía de la gente del planeta sumada al baño de luz de sol amarillo, vuelven a Rao mas poderoso incluso que Superman.


Pero algo que es mas escalofriante es que Cyborg descubre que Rao no solo tiene una catedral, tiene miles alrededor del espacio, las cuales le otorgan mucha mas energía miles de millones de seres vivientes.


Esto lo deduce de una forma mas fácil la doctora que Batman llevo con el al laboratorio de el padre de Cyborg; vida es igual a energía entonces Rao tiene energía ilimitada.


Mientras Diana y Aquaman aparecen en lo que parece un nuevo Olimpo que ha sido creado por Diana al ser la ultima diosa que se mantuvo en el antiguo Olimpo antes de la explosión que causaron los Profetas de Rao.

Arthur parece confundido pero Wonder Woman tiene bien claro el siguiente paso en su agenda y ese es pelear y terminar con Rao, así que decide preparase para la batalla.


Mientras eso pasa, en la Catedral de Rao se ve a un Rao que esta buscando algo en el planeta Tierra que lo ayudara a difundir su palabra a través de las dimensiones y de la realidad pero es interrumpido por un Profeta que le avisa que Superman a despertado.


De vuelta con Batman, este le pide a Cyborg que localice a Superman para así planear una distracción contra Rao.

Rao visita a Superman en una prisión la cual según el, ni siquiera Superman podría escapar, pero Superman no desea escapar por el momento así que solo conversa con Rao acerca de su falsa deidad.
















Superman descifra porque es que Rao parece ser un Dios que todo lo oye y es que con la energía extra que drena de sus seguidores mas el sol amarillo lo convierten en un Kriptoniano que puede oír cualquier voz o rezo del mundo y con la supervelocidad parecer omnipresente.


Pero eso parece tener un costo para sus seguidores y es que al estar conectados con Rao, sus seguidores pierden días de vida, los cuales según Rao no importan tanto si tienen una vida pacifica sin guerras y llena de amor.


Superman simplemente le dice que si los humanos están de acuerdo en ello que se los pregunte y que no los obligue a hacerlo.

250,000 años antes en la ciudadela de Argo en Kripton vemos a Green Lantern entrar al edificio de Infinity Corps., donde para sus sorpresa se topan con otro Rao quien los espera en medio de las piedras de la eternidad.


Este nuevo Rao desea conquistar Kandor para asi tener mas poder y terminar una misión que dejo inconclusa en el futuro, Green Lantern lo intenta detener pero Rao solo toca su anillo y lo desactiva dejando a Hal indefenso.


Diana y Aquaman se presentan en la sala de guerra de Ares donde tienen todo un arsenal de todo tipo de armas que se han creado, pero Diana no quiere algo simple y va por las armas de los dioses.


Ella toma el rayo de Zeus y el casco de Ares el cual la hará invisible, y ya que Aquaman no sabe que tomar, Diana le lanza el tridente de Poseidon, lo que parece lo mas adecuado.


Flash quien esta con Vincent en el edificio de Infitity son zarandeados por un ligero terremoto que hace que aparezcan en un lugar desconocido y donde las piedras de la eternidad se alteran y le susurran a Vincent: "Estan Aqui".


De vuelta a Nueva York, en la Catedral de Rao, este le menciona  Superman su verdadera intención de llegar a la tierra y es que desea usar el gen Kriptoniano puro de Sups para cambian geneticamente a sus seguidores de todo el universo a Kriptonianos y volverlos mas poderos, lo cual por ende lo volvería mas poderos de lo que es.


Super empieza a agitarse y desea golpear a Rao pero no logra liberarse por lo que vuela y con ese poder remolca la catedral de Rao hacia la luna donde la estrella a la vista de de todos sus seguidores.

[Reseña anime] Maria Holic Alive

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Un castrante ejercicio del hedonismo

Aunque no está confirmado por medios científicos, la evidencia circunstancial muestra una horrible verdad en torno al público otaku, gamer y frikie, no tienen hijos. Ya sea la incapacidad de llevar a cabo sencillas funciones sociales (el cortejo, la interacción social y la amistad fuera del área de confort); la autocomplaciente indulgencia en complacer las más oscuras emociones en un ambiente virtual y el efecto físico que produce la inactividad física condena a una parte de una generación a una vida lejos del afán normal de una especie. ¿Pero a nadie le importa lo que sucede con nuestra vida y nuestro cuerpo? La respuesta como siempre es compleja. Las libertades fundamentales dictan que cada quien está en su derecho de hacer lo que sea con su vida, pero el impacto a futuro se siente sobre la población de los países. Este caso es realmente urgente en Japón, donde durante los últimos cinco años la población ha decrecido en un millón y la tercera parte de los adultos pasan los 65 años.


Luego del milagro económico, la crisis económica de los noventa estancó a la Isla del Sol Naciente en un severo estado de impotencia que se ha agravado con la tecnología. La cultura popular no está lejos de esta tendencia; donde en muchas series hablan del descenso de la natalidad, consolidación de áreas educativas debido a la baja matrícula, la crisis del japones promedio post-universitario, el ejercicio de una cultura basado en la autocomplacencia y la realidad del joven que trabaja sin futuro. Combinado con la explosión del anime y la resistencia de las productoras de invertir en tecnología de punta ha estancado la animación japonesa, la cual ha decaído progresivamente gracias al outsourcing y la ausencia de ideas. Maria Holic Alive sigue la tradición de las series que fueron un gran éxito en su primera corrida. Lo que resultó una atrevida y deliciosa comedia de situación, que dio un giro diferente al transexualismo y los deseos homoeróticos yuri en una población casi exclusivamente femenina, se transformó en una repetición hedonística de la misma fórmula. Esto lamentablemente nunca tiene un final feliz, no para el público.


Ficha Técnica

Manga: Minari Endo
Director: Akiyuki Shinbo
Escritores: Masahiro Yokotani y Miku Oshima
Música: Tatsuya Nishikawa
Estudio: Shaft
Emisión Abril-Junio 2011.

Inicio! Spoilers!




Si quieres adentrarte en la trama de este animé, puedes entrar a mi artículo: [Spoilers] Maria Holic Alive. ¡Allí te cuento todo lo que acontece en este animé, léase con precaución! 



Fin! Spoilers!

Los hermanos Shido y sus mayordomos, de izquierda a derecha Matsurika Shinōji, su hermano Rindo Shinōji, Shizu Shido. Abajo, Mariya Shido.  

Más de lo mismo con una sonrisa sincera

Aunque con menos carcajadas y más torpe que en su primera presentación, la segunda temporada de Maria Holic cumple con la premisa básica presente en toda la serie y nos deja una lección de vida que podemos aplicar para nosotros mismos.  En el transcurso de los tres meses de verano (de junio a agosto); el deseo desenfrenado de Kanako por ser castigada, sometida, besada, acariciada y violada por sus compañeras se vio constantemente frustrado; ya sea por la intervención de Mariya o por las buenas intenciones del padre Kanae. Al final, es su ambición y su mezquindad lo que casi arruina lo que pudo haber sido un hermoso cumpleaños; pero en el proceso de aceptar sus amistades y lo que estas pueden ofrecer ella descubre la verdadera felicidad, que ha hecho amigos de verdad y que es realmente feliz. Con un mensaje muy positivo, la serie cierra las locuras de los protagonistas con una nota alegre sobre el verdadero significado de la amistad y las relaciones interpersonales.


Entre las tonterías de las protagonistas y el caótico estilo de humor, Maria Holic Alive deja una didáctica enseñanza sobre las relaciones interpersonales entre personalidades con diferentes obsesiones. Esta lección (que pasa desapercibida ante la indiferencia del que busca tetas, culos y eunucos) de una autora especializada en josei como Minari Endo nos hace ver que por más extraña que seamos como personas, todos estamos sujetos a los mismos principios sociales de interacción. A la larga (aunque de la forma menos probable posible), todos dejamos impresiones en las personas que nos rodean; sean amigos, colegas de trabajo, compañeros de colegio o el tipo al cual trabamos en un partido. Esas impresiones importan, si son buenas nos permitirán llevar una vida social más saludable, sino nos permitirán disfrutar de nuestros gustos hedonistas y marchitarnos hasta que como Abraham Simpson tengamos que hacer fila en seguridad social y decir descaradamente "Soy viejo, deme!".


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[Animé] "Maria Holic": La adicción por María

[VIDEO] Rogue One: Expectativas y Datos Curiosos.

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[VIDEO] Rogue One Expectativas y Datos Curiosos.

Rogue One ya esta entre nosotros y como sabemos que muchos esperan con ansias cada entrega de Star Wars les traemos este vídeo en el que comentamos resumidamente nuestras expectativas y algunos datos curiosos sobre el primer spin off de la saga, que la fuerza los acompañe.


[Reseña] BATMAN y ROBIN ETERNAL #12

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Dick Grayson y La Escultora están en un viaje mental que Dick obligo a realizar con su Hypnos, lo cual podría ser un error, ya que esa tecnología podría hacer que sus cerebros terminen fritos.


En este viaje aparecen los dos peleando mientras Dick le exige respuestas en relación a Mother y Batman, pero La Escultora domina ese territorio y obliga a que Dick presencie la historia completa de como es que Mother realiza el lavado de cerebro de los niños.


En un cuarto se observa a una niña pequeña, esta niña es La Escultora quien llora por la perdida de su familia mientras Mother y un David Cain infante se posan frente a ella prometiendole una nueva familia,


Mother buscaba es esta niña su Eva para su Adan (David Cain) por lo que la pequeña Escultora no tenia otra opción mas que aceptar; Davin Cain creció para ser el encargado de infundir el miedo que traumatizara a los niños para así poder moldearlos, el único problema era que este disfrutaba mucho de ese trabajo.

Mientras que la parte de La Escultora era borrar todo recuerdo de sus vidas anteriores pero se preocupaba por los niños al grado de que durante su lavado de cerebro les dejaba algo del amor que alguna ves tuvieron por sus familias.

La Escultora le muestra a Dick la forma en que entrenaban a los niños de Mother, físicamente como mentalmente los niños eran preparados para salir al mundo y ser activados cuando Mother los deseara.















El punto alLa Escultora quiere llegar es que Dick tiene que salvar a los niños que aun están en la Guardería, ya que el encuentro que tuvo con Mother en Praga hizo que esta acelerara el proceso de creación y cambiara su forma de crear trauma por uno que simplemente lo simula, haciendo que Orphan y La Escultora sean obsoletos para Mother por lo que los niños necesitan ser salvados de ese abuso y La escultora cree que Dick es el único que puede salvarlos de la GuarderíaDick le pide a La Escultora que los acompañe pero esta se niega y con un toque en su frente coloca toda la información necesaria para encontrar el lugar.












Ahora viene la hora de mostrarle la relación de Batman y Mother por lo que Dick es llevado a Praga, donde Batman charla con Mother sobre la ineptitud de Dick como Robin y como esta le ofrece un nuevo heredero que mejor Robin.


Dick queda atónito al ver que Batman acepta tener un niño de Mother y se exalta mas al ver que Batman es quien desea ser el que mate a sus padres.

Dick llora por sentirse traicionado por su mentor así que decide cuestionarlo pero Batman se transforma en un monstruo que lo absorbe en las sombras, justo después de eso Dick despierta alterado por lo visto.

Harper intenta calmarlo pero este toma a La Escultora por el brazo obligandola a ir con ellos a la Guardería, solo que La Escultora cree que ya hizo su parte y que no necesitan mas de ella así que en un abrir y cerrar de ojos la casa junto con ella desaparece dejándolos solos.


Dick no tiene otra opción mas que seguir adelante y salvar a los niños; aunque Harper no sabe muy bien lo que están a punto de pasar ella sigue a Dick con la esperanza de encontrar a Cassandra en el camino.


Un giro no de 180º nos lleva a la Guarderia donde una masacre se llevo a cabo y muchos niños parecen haber perecido ante las manos de un asesino profesional y un camino de huellas de sangre nos llevan al que podría ser el culpable y esta persona parece ser Cassandra quien se encuentra escondida en un rincón de la cueva.





CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #13


"NATURALEZA VS. CRIANZA"

[Reseña Cine] Rogue One una historia de Star Wars

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Cuando salió la noticia de que Star Wars fue comprado por la compañía Disney hubieron muchos que estaban en contra, hasta que se anunció el Episodio VII. El detalle es que el ratón no se iba a detener sacando una continuación, este ser busca el dinero hasta en el fondo del barril y por eso ahora nos llega un spin-off que nadie pidió. Esta es una reseña a Rogue One: una historia de Star Wars, veamos que nos ofrece.

[Reseña Cine] Rogue One una historia de Star Wars.


rogue one movie spoilers

Ficha técnica
Nombre: Rogue One: Una historia de Star Wars 

Director: Gareth Edwards 
Guionista: Chris Weitz y Tony Gilroy
Productor: Kathleen Kennedy, Allison Shearmur y Simon Emanuel
Música: Michael Giacchino
Productora: Lucasfilm
Fecha de estreno: 15 de diciembre del 2016

¿De qué trata Rogue One?


Posterior a los eventos de la película Star Wars: La Venganza del Sith, acontece que la Alianza Rebelde entró en conflicto al descubrir que el Imperio Galáctico está construyendo una arma con un inmenso poder destructivo. Como último recurso un grupo de valientes soldados buscará hacerse con los planos de La Estrella de la Muerte para tener una oportunidad de ganar. Esta es la historia del escuadrón Rogue One.

¿Es o no es Star Wars?


Al saber cual sería el contexto de la película llega la duda, si quitando varias cosas (como el uso de la fuerza, los Jedi y sables láser) ¿todavía se siente como Star Wars? La respuesta sería: si. Lo interesante es que, al mismo tiempo, tiene sus diferencias para obtener su propia identidad con respecto a las demás demostrándolo en el manejo de la trama. Es cierto que en varias ocasiones puede parecer muy tediosa y/o aburrida por las pláticas que pudieron ahorrarse o simplificar, pero esto no quita la gran emoción y tensión que crea una X-wing combatiendo en el espacio a los caza del imperio. Ahora tendremos la historia vista desde un enfoque un poco más bélico y estratégico al no haber Jedi. No cambia completamente la formula que se ha visto desde los comienzos, sin embargo, da la sensación de un estilo distinto que al mismo tiempo mantiene la esencia.


Robando el protagonismo


Viendo a los personajes principales podemos decir que hay dos lados de la moneda. Siendo sinceros, la protagonista, Jyn Erso (Felicity Jones), deja mucho que desear. Su actitud al comienzo es un cliché de este tipo de temáticas bélicas, volviéndola aburrida desde un principio. Lo peor es su cambio, el cual sucede tan pronto que, a pesar de tener buenas bases, se siente repentino, chocando con lo que mostraron al inicio. Para empeorar las cosas, su evolución fue para ser la santurrona de los Rebeldes dando un discurso cursi y un modo simplista de ver la situación.

En cambio, quien se roba la película es Cassian Andor (Diego Luna), no solo tiene más tiempo en pantalla del que uno se imaginaría sino que se siente como el verdadero protagonista. Nos muestra el lado oscuro de un soldado rebelde quien a pesar de luchar por una buena causa todavía tiene que hacer cosas deplorables, no muy diferente de lo que hace el Imperio. La carga que tiene junto con su visión de la situación lo hacen el personaje más interesante y mejor trabajado de toda la película, incluso su evolución es comprensible al querer buscar una redención.

Los demás involucrados llegan aportando lo necesario, más para la continuidad que para ser memorables. Quienes denotan esto son Baze Malbus (Wen Jiang) y Chirrut Imwe (Donnie Yen). El primero solo es un tipo grande con un arma grande, mientras que el segundo es un monje con una fuerte conexión con la fuerza. Ambos son los dos lados de una creencia, el creyente y el escéptico, siendo esa su máxima aportación. También tendremos al piloto Bodhi Rook (Riz Ahmed), un hombre buscando tener una segunda oportunidad y que si se hubiera trabajado un poco más hubiera sido mejor, pero tampoco es despreciable; y al androide K-2SO (Alan Tudyk), quien es la parte sarcástica del equipo, puede que algunos de sus chistes den gracia, aunque no es un personaje que se gane un gran lugar entre los fans. Pasando al villano, Orson Krennic (Ben Mendelsohn), logra hacer un buen trabajo imponiendo respeto con sus apariciones, pero es de lo más olvidable que tiene la película, no esperen querer saber más de él, tampoco es como si nos contaran mucho. Cada personaje tiene su aportación, ya sea en mayor o menor medida, lo relevante es que ninguno se siente molesto en la ejecución.


El ambiente se siente parte de la saga.


Al oír la música podemos sentir un inconveniente con esta. No es que sea mala, sino que la mayoría son las mismas melodías que hemos oído desde la primer película con algunas variaciones, es decir, empiezan como las conocemos, pero continúan diferente. Esto evita que Rogue One tenga una verdadera identidad como un spin-off. Se entiende que lo hicieron para mantener la esencia de Star Wars, sin embargo, a los que conocen la música puede sacarlos de la experiencia porque no siguen la tonada ya conocida. Aquí se hizo mal al jugarla a medias, si iban a usar la música no debieron hacerle cambios o si no querían que fuera similar entonces hacer un nuevas canciones le hubiera caído bien. Para los que desconocen la orquesta de la franquicia todo ira normal, pero si te sabes todo el soundtrack de la saga es probable que te haga ruido este apartado.

El universo de Star Wars es vasto y diverso, aquí se demuestra. Veremos muchas locaciones diferentes durante toda la película, aunque varias serán por momentos tan breves que no te da el tiempo para disfrutarlos. En los que pasarán más tiempo, ninguno se siente igual entre ellos. Los efectos especiales se mantienen como un punto positivo, el estándar es y sigue alto con estas películas, aquí no decepcionan para nada. Lo que si les quedó bastante triste son los personajes hechos en CGI, aunque solo son dos y aparecen poco tiempo si se resienten. En general los efectos especiales son lo que uno esperaría, una inmersión constante a este tan amado universo.

Clase de como imponer respeto saliendo menos de 5 minutos, impartida por Darth Vader
(Toma nota Jared Leto y toda la gente a cargo de Suicide Squad)

Mejor de lo que se esperaba


Muchos pueden tener opiniones encontradas al ver esta película. Lo que no se puede negar es que hicieron un buen trabajo en esta ocasión. Aun con sus inconvenientes es una excelente adición a la saga, mantiene ese sentimiento que nos han entregado con el paso del tiempo, aunque un poco diferente por la perspectiva que presenta. Puede que su razón de existir sea puramente comercial, pero se siente el esfuerzo para no quedarse en eso. Tanto los fans como los nuevos quedaran satisfechos.


¿Resultado final?


[Anime] Metaserie Gundam, Un Resplandor Cósmico

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Esta imagen de principios de los 80's es la base de la popularidad de la metaserie Gundam, una escena que se ha repetido una decena de veces en los últimos 35 años.  Un Resplandor Cósmico.

Es una mala costumbre nombrar la recopilación de la serie más antigua y exitosa de Japón con el nombre de un episodio. En el caso de Gundam es necesario, porque a diferencia de otras series lo que recuerdan sus aficionados no son sus finales, sino peleas que rompieron el esquema de una u otra forma. Hikaru Uchou (episodio 41 de Mobile Suit Gundam) nos muestra la muerte más impactante de la historia del anime, una muerte sorpresiva y no planeada (iba a morir de otra forma), que fue el momento WTF! de toda la serie, lo que volcó al público y provocó una década de especulaciones que se extendió aún después de "su final definitivo" ocho años después. Con la base de un mensaje anti-guerra y una constante afirmación de que "las cosas malas le suceden a la gente buena", los aficionados de Gundam hemos caído ante sus hechizos una y otra vez. ¿Pero cómo es que ha llegado hasta fresca hasta nuestros días?

Las “eras” de la metaserie Gundam

Una escena de uno de los posters de las películas de Gundam, la base del éxito de la serie.


Cuando vio por primera vez la luz en 1979, la que se transformaría en la metaserie Gundam era sólo la siguiente serie de robots gigantes de una compañía de animación precaria que se dedicaba al género mecha para poder vender los derechos de los juguetes. La Sunrise de esos tiempos era una empresa relativamente pequeña, donde una serie de dibujantes y directores (incluyendo el creador de la serie Yoshiyuki Tomino) se conocían, habían trabajado por años en Mushi Production, los cuales valoraban mucho y fomentaban la independencia creativa en sus producciones. Pero Mobile Suit Gundam cambió las reglas del juego, en una década transformó a su casa de animación en un gigante reconocido de la industria y a la metaserie en una de las más duraderas de la historia del anime moderno. ¿Cómo logró esto?

Cuando disciplinar a tus hijos/tripulantes se volvió políticamente incorrecto, la Bofetada Bright se volvió una broma en si misma que se repite en muchos memes de la actualidad.

Tal como todo en la vida, tras la historia del éxito de Gundam existe una historia oscura; llena de traiciones, reencuentros, oportunidades perdidas y por supuesto mucha suerte. Considerada la primera y la más representativa de las series del género Real Robot (junto con Macross son de las pocas que continúan con vida); comprender esta serie enfrenta a los aficionados en una disputa constante de “¿qué debió haber visto primero usted para ser merecedor de esta serie?”. La verdad es que la serie ha recontado la misma historia antiguerra una y otra vez, así que considero que lo mejor para quien desee darse un paso por ella es dividirla de acuerdo a sus eras. Ubicadas aproximadamente en el lapso de una década, cada una de estas eras afectó tanto a la Sunrise, a la Bandai y a la serie de Gundam por igual. Acompáñenme en este recorrido mientras tratamos de decodificar las series de Gundam.

Si Amuro, ¿ahora como desenredamos esto?

1° Era. Yoshiyuki lo sabe todo y los mata a todos. (1979-1994)

Datos relevantes

  • Todas las series tuvieron participación directa o indirecta de su creador, Yoshiyuki Tomino.
  • Aparece el primer Gundam (el RX-78 Gundam)
  • Se muestra al primer equipo Gundam en ZZ Gundam (el RX-178 Gundam Mk. II, el Z Gundam, el ZZ Gundam y el Hyaku Shiki.
  • Bandai crea los primeros modelos Gunpla.
  • Todas las series ocurren en el Universal Century.
  • Se transmite la Guerra de un Año y los conflictos de Zeon (Neo Zeon Wars).
  • Aparecen las primeras series Super Deformes (SD Gundam)
  • La series poseen un fuerte mensaje anti-guerra y la mayoría de sus protagonistas son menores de edad y mueren al final de la obra. 
Un poster original de la serie

Durante estos 15 años, el autor Yoshiyuki Tomino tuvo el control casi completo de la serie Gundam. Aunque no fue un director despótico; el paso del autor por su serie fue agridulce debido a las decisiones administrativas que produjo el éxito inesperado de su creación. En su primera emisión, Mobile Suit Gundam fue un resonante fracaso, es común la anécdota que Tomino tuvo que suplicar por cuatro episodios más para terminar de forma decente su serie (algo que no le concedieron en su siguiente anime Space Runaway Ideon, que fue terminada en películas). Lo que salvó a la serie del olvido fue el contrato con Bandai que vio nacer los Modelos Gundams (Gunpla) y la victoria en el Anime Grand Prix de 1980. Durante la retransmisión la serie adquirió seguidores y las películas terminaron de consolidar su fama a principios de los 80.


Aunque el paso natural de la serie era crear una secuela, los compromisos anteriores del director atrasaron la entrega por seis años. Cuando sale Mobile Suit Z Gundam, el relato de las desventuras de Kamille Bidan se convirtió en la serie Gundam con mayor raiting de la historia y la consolidó como favorita para todas las edades y gustos (incluyendo una inmensa línea de juguetes). Con el advenimiento de la menos famosa ZZ Gundam (que introdujo por primera vez el equipo Gundam) y de Char Contraataca, la serie llega a la mayoría de edad, con una popularidad que no menguó durante la década y una línea de juguetes exitosa que preveía un futuro prometedor.

Esta imagen de fans resume en una imagen la primera década de Gundam.

Lamentablemente la base del éxito se transformó en la manzana de la discordia durante la década de los noventa. Para asegurar los derechos sobre la serie, la juguetera Bandai adquirió la Sunrise en una maniobra hostil. Como uno de los directivos que se opuso, Yoshiyuki Tomino fue marginalizado y retirado de su amada obra cuando perdió los derechos y Victory Gundam no obtuvo los niveles de éxito deseados. Como existía una fórmula establecida, los que tomaron el relevo hicieron todo lo posible por continuar en la siguiente era, una que transformaría al género mecha y al anime para siempre.

Es irónico que una escena de niños deseando un nuevo año sea una de las más representativas de una guerra, en la tradición de los filmes antiguerra debe haber una esperanza a futuro, a manos de la siguiente generación.

Durante era también da inicio la costumbre de adaptar series en base al material original de la serie. Ambientadas en el Universal Century y en la Guerra de un Año, Gundam 0080 y Gundam 0083son las primeras en las que Yoshiyuki no posee control completo de su desarrollo. Ambientadas durante la Guerra de un Año y siete años después, ambas marcan el camino que la Sunrise seguiría para seguir explotando la popularidad de este universo.

Para quien no lo conoce, les presento a Anavel Gato, el antagonista de Gundam 0083 y uno de los "villanos trágicos" más impactantes de toda la metaserie.

Filmografía

Películas compilatorias (1981–1982)
Mobile Suit Zeta Gundam (1985–1986)
Mobile Suit Gundam ZZ (1986–1987)
Mobile Suit SD Gundam (Peliculas, 1988, 1989, 1991, 1993


2° Era. Hajime Yatate toma las riendas. (1994-2000)

Datos relevantes

  • Todas las series tuvieron participación directa o indirecta del tanque de ideas de SunriseHajime Yatate.
  • Por cuestiones de derechos, cada serie posee su propio calendario. Future Century (G Gundam), After Colony (Gundam Wing), After War (Gundam X).
  • Turn A Gundam intenta recapitular todos los calendarios con el Correct Century, pero con su fracaso la idea no quedó en nada.
  • El Universal Century es representado por primera vez sin la participación de Tomino con Gundam 08th Team.
  • Se produce la primera live-action de Gundam, G-Saviour. Tomino la bendijo pero no se considera canónica.
  • Aparece por primera vez el concepto del piloto inmortal en el Mobile Suit Invencible
  • Gundam por primera vez alcanza exposición y éxito internacional con New Mobile Report Gundam Wing.



¿Quién no se enamora de Ennil Ei?
Hajime Yatate era el pseudónimo del tanque de ideas de la Sunrise, que reunía a mucho del talento de animación, guión y mecánica de la empresa en un bloque que actuaba con independencia de acuerdo al producto. Este tipo de arreglo tenía como objeto colaborar con los directores, evitar un infinito número de colaboradores y mantener el “control” de derechos en manos de la casa de animación. Luego de la primera partida de Yoshiyuki, este tanque de ideas fue quien se encargó de crear las siguientes iteraciones de la serie; dos pasaron al olvido y una de ellas alcanzó niveles míticos.

Aunque esta versión no tiene alas, El Gundam que Ellos Llamaron Zero es genial.

New Mobile Report Gundam Wing no es una entrega original, su narrativa concentra y recuenta lo sucedido en Mobile Suit Gundam, Z Gundam y Char Contraataca en torno a nuevos personajes y el marco de una “La Guerra de un Año que pone Fin a Todas las Guerras”. Con un elenco internacional (es la primera serie en que los personajes no parecen haber salido exclusivamente de Japón), un diseño de personajes orientado al sexo femenino y una historia envolvente; la serie fue exitosa en Japón y una sensación en Occidente debido a la popularidad de Evangelion y a su transmisión por Cartoon Network. Aunque los conocedores repiten que no es la mejor serie para comenzar Gundam, la mayoría comenzó con Gundam Wing y como es un resumen es válida.

¿Desde cuando un Gundam tiene bigotes y alas de mariposa?

Cuando su predecesora Gundam X fue cancelada por raitings (culpa de Evangelion), la Sunrise “invitó” a Yoshiyuki a crear una serie para celebrar el 20 aniversario de su creación. Lo que comenzó como un esfuerzo para reunir todos los universos, Turn A Gundam terminó como una broma de si misma, criticada en Japón por desviarse del modelo original, odiada por la Bandai por no vender miniaturas e ignorada en Occidente gracias a sus películas mal compiladas. Lamentablemente esta no sería la última vez que Yoshiyuki vuelve sobre su obra para arruinarla.


Este período sólo vio una adaptación más del Universal Century en la forma del 08th Team, una serie que sigue la vivencia de un pelotón en tierra que tuvo el "privilegio" de usar Gundams armados de partes dejadas por la investigación. También vio la emisión de la película live-action G-Saviour, la cual se encuentra entre los puntos bajos de la metaserie, pero toda serie tiene sus ovejas negras, que le vamos a hacer. 

Chicas hagan fila para su cita de autógrafos y besos. Aunque no debería decirlo, ellos son la base del éxito de Gundam Wing en todos los mercados, especialmente en el occidental.

Filmografía

Mobile Fighter G Gundam (1994–1995)
Mobile Suit Gundam: The 08th MS Team (OVA, 1996)
After War Gundam X (1996)
Gundam Wing: Endless Waltz (OVA, 1997)
Turn A Gundam (1999–2000)
G-Saviour (2000)

Los puristas la odian, pero Gundam SEED fue la serie que resucitó TODA la franquicia. Tenemos Gundam gracias a ellos. 

3° Era. Los refritos y el renacimiento del Universal Century. (2002-2012)

Datos relevantes

  • Es la primera vez que la Bandai ordena al equipo de animación de mechas que los modelos puedan transformarse en juguetes Gunpla prácticos. Esto termina con la libertad creativa de los productores de Sunrise.
  • Aparecen las primeras series de modelos basados en Gunpla. 
  • Aparecen las primeras series Gundam totalmente animadas por computadora. (Gundam Evolve y MS Igloo)
  • La serie Gundam SEED establece un nuevo estándar de éxito, con elevados raitings y sólidas ventas de figuras.
  • Las películas de Z Gundam (para la celebración de su 25 aniversario) consiguen un récord en taquilla que sólo fue superado hasta el 2016 (your name de Makoto Shinkai).
  • La serie Gundam AGE consigue la infame distinción de ser la menos popular de las series emitidas hasta ahora.
  • La serie Gundam Unicorn consigue records en ventas de DVD durante su comercialización.
  • Por cuestiones de derechos, cada serie posee su propio calendario. Cosmic Era (Gundam SEED), Anno Domini (Gundam 00) y Advanced Generation (Gundam AGE).
Aunque Gundam 00 no tuvo problemas ni en ventas de figuras ni en raitings, Gundam SEED la opacó en popularidad en Japón y no tuvo tanto impacto en Occidente como Gundam Wing. Una pena.  

Con el fracaso de Turn A Gundam, la Bandai recurrió a directores reconocidos por el éxito de sus “juguetes accesorios” para desarrollar las siguientes versiones de Gundam. Para su primer intento, la pareja de Mitsuo Fukuda y Chiaki Morosawa vino con Gundam SEED, sinónimo y estándar de éxito de la franquicia para el nuevo milenio. Con una historia más humanista de la Guerra de Un Año, una mecánica de robots mucho más sencilla (que se transformó en juguetes más realistas) y personajes atractivos; la serie fue un exitazo en Japón (en raitings y en ventas de juguetes) como no se había visto desde Z Gundam. Como la única metaserie con una secuela (la infame Gundam SEED Destiny), la historia del demonio blanco Kira Yamato y los Mobile Suit derivados abrieron los ojos ambiciosos de los directivos, lo que a la larga produjo uno de los fracasos más reconocidos de la franquicia.

Las tres generaciones de Gundam AGE, la serie que llenó los estantes de figuras que nadie compra.

Gundam 00, que vino de la mano de Seiji Mizushima (el director del primer Full Metal Alchemist), fue un recuento de Gundam Wing (que a la vez fue un recuento de la Guerra de un Año). Comparada con su antecesora falló en conectar con los espectadores (agravado con el fracaso de su película), pero la venta de juguetes de la serie se mantuvo fuerte. Esto fue una epifanía para la Bandai, quien creyó conveniente cambiar el estilo de la animación para atraer al público infantil. El resultado fue Gundam Age, la entrega de esta serie más rechazada por los aficionados. Con un dibujo infantil (que recuerda Digimon), una historia confusa y repetitiva, con Mobile Suits que no se vendían (el Gundam AGE 1 tenía cinco transformaciones diferentes en menos de 12 episodios); AGE tenía el oscuro privilegio de ser “el mayor fracaso comercial de Gundam” hasta la siguiente era.

Aquí está el Gundam Unicorn con todas sus optimizaciones. ¿Me creerían que así aún no muestra todo su poder?

Es durante esta misma era que se inicia el esfuerzo para “volver a las raíces”. De la mano de nuevos directores y animadores; Sunrise a través de OVA, ONA y películas originales recontaron los sucesos del Universal Century, casi siempre ajenos al trabajo de Yoshiyuki Tomino. Con la celebración del 20 aniversario de Z Gundam (la cual fue remasterizada en tres exitosas películas), el punto cumbre vino con Mobile Suit Gundam Unicorn, que llevó la metaserie a un nivel totalmente diferente. Éxito en ventas de DVD y Blue Ray, éxito en venta de modelos; la adaptación de este manga le mostró a la mayoría de los directivos que el futuro ya no estaba en las nuevas adaptaciones, sino en recopilar el material original basado en el pasado. Esto se tradujo un enorme conflicto para la siguiente era.

Yo no desearía ser ese soldado.

Filmografía

Gundam Neo Experience 0087: Green Diver (Película, 2001)
Gundam Evolve (2001–2005)
Superior Defender Gundam Force (2003–2004)
Mobile Suit Gundam SEED Destiny (2004–2005)
Z Gundam (Películas, 2005–2006)
Mobile Suit Gundam SEED C.E. 73: Stargazer (OVA, 2006)
Mobile Suit Gundam 00 (2007–2009)
SD Gundam Sangokuden Brave Battle Warriors (Película, 2010)
Mobile Suit Gundam 00 the Movie: A Wakening of the Trailblazer (Película, 2010)
Model Suit Gunpla Builders Beginning G (OVA, 2010)
Mobile Suit Gundam AGE (2011–2012)

Si Kirara. Dejamos de lado las colonias por las idols. Ya lo sabemos.

4° Era. ¿Ahora por dónde seguimos?

Datos relevantes

  • Las empresas Sunrise y Bandai deciden adoptar una estrategia de divide y vencerás en tres frentes; Gunpla, Universal Century y series originales.
  • La series originales Gundam se divorcian del espacio (y del futuro alterno).
  • Gundam Builder Fighters establece una identidad propia para los aficionados de las figuras Gunpla. 
  • Se da la que podría ser la última intervención de Tomino, Gundam Recongista in G. Esto por la edad del autor y la polémica que se generó en torno a dicha serie.

¿Cómo iba? A, sí. Es hora del dueeeelloo!

En el inicio de la que IMHO es la cuarta era de la metaserie, existe un problema para saber cuál es el siguiente paso que tomará la Sunrise y la Bandai con su caballo de batalla. Porque para que una serie Gundam sea considerada “exitosa” debe ser un éxito en crítica, debe ser aceptada por el público y que sus modelos se vendan bien. Como ejemplo, Gundam AGE es considerada una de las series Gundam con la historia más envolvente de los últimos tiempos, pero el público meta no la aceptó y sus modelos todavía ocupan espacio en las tiendas especializadas, FRACASO.  En cambio, Gundam Seed Destiny fue un fracaso para la crítica y los fans mas duros, un éxito en raitings y en ventas de modelo, ÉXITO. En base a este escenario y luego de una exhaustiva investigación de mercadeo, la Sunrise/Bandai decidió que la mejor estrategia a seguir es “divide y vencerás”. Con el potencial de hacer numerosas series al mismo tiempo debido a que ahora es un gigante de la animación apoyado con una multinacional de juguetes, la actualidad de Gundam es la siguiente:

Gundam se reúne con Pokemon/Digimon/Yu-gi-oh! en Gundam Builder Fighters.

Series orientadas a los Gunpla

Gundam Build Fighter y su secuela son la respuesta lógica al desconocimiento de las nuevas generaciones de la Era Espacial y su fracaso posterior a la Guerra Fría. En lugar de una crítica antiguerra, los Gundam se han visto reducidos a un campo de batalla virtual donde niños compiten para determinar cuál de ellos es el campeón. A pesar de copiar el modelo de competencia de otras series, el éxito de esta adaptación reside en un material misterioso (patículas Plavsky) y la readaptación de modelos Gunpla olvidados en el tiempo. Como homenaje, los personajes principales de esta serie usan los modelos más vendidos de todos los tiempos (GAT-X105 Gundam Strike de Gundam SEED, RX-178 Gundam Mk II de Z Gundam y el BG-011 Burning Gundam de Gundam G).

Series basadas en el Universal Century

Destinadas al consumo de “pago por ver” (se venden por paquetes o se liberan en el canal de la Bandai), estas son adaptaciones de manga e historias originales del Universal Century que hayan su lugar en estos días. La adaptación del manga Gundam: The Origin toma el relevo dejado por Gundam Unicorn y nos cuenta la historia de la Guerra de Un Año desde el punto de vista de sus protagonistas, Char Aznable y Amuro Rai. Por otra parte, Mobile Suit Thunderbolt relata los eventos durante la batalla final de la Guerra de Un Año desde un sector diferente al que se conoció en la historia original. Todas estas series están en progreso y son exitosas en las tres características que definen a la serie.

No se dejen engañar. Lo único bueno Gundam Recongista in G es este genial poster (en serio)

Series originales

Después del fracaso de Gundam AGE, la Sunrise dio luz verde para que Yoshiyuki Tomino desarrollara una nueva serie. Gundam Recongista in G alcanzó nuevos niveles de infamia como no se había visto en su vida; fracaso con la crítica, fracaso en ratings (pero éxito moderado en ventas de DVD) y fracaso en venta de modelos; la serie redefinió el concepto de “llegar a lo más bajo” con su cancelación tras solo 26 episodios y un desastre en relaciones públicas que tambaleó las bases de la metaserie. El relevo lo toma  Iron-Blodded Orphans, una adaptación de Gundam que se aleja del espacio y pone la acción más a nivel planetario. De la mano de Tatsuyuki Nagai y Mari Okada, esta serie sigue en emisión y aunque es controversial por el tratamiento de niños soldados es un éxito en críticas y ventas, lo que le augura un futuro como serie.

Aunque dejó el espacio de lado, Iron Blooded Orphans es en la actualidad uno de los caballos de batalla y la mayor esperanza de la serie.

Filmografía

Gundam Build Fighters (2013–2014)
Mobile Suit Gundam-san (2014)
Gundam Reconguista in G (2014–2015)
Gundam Build Fighters Try (2014–2015)
Mobile Suit Gundam: The Origin (2015–2016)
Mobile Suit Gundam: Iron-Blooded Orphans (2015–en transmisión)
Mobile Suit Gundam Thunderbolt (OVA, 2015–en transmisión)


No se dejen engañar por el rosado. El Gerbera Tetra es uno de los mobile suit más rápidos de todas las series de Mecha.

Tal como suele suceder en muchos casos, en esta nueva era la historia todavía no está escrita porque está en desarrollo. Pero, dado que los modelos Gunpla representan un porcentaje significativo de las ventas de juguetes de Bandai, seguiremos viendo series de Gundam hasta que esto deje de ser una realidad. Para los que no gustan de la serie lo siento mucho, pero para los aficionados como yo “que viva por siempre y para siempre Gundam”.

[Reseña Comic] Alex + Ada

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Sobre la inteligencia artificial se han dicho mil y un cosas. Muchas son las posturas que se tienen conforme a ella, lo más importante es como ha influido en muchas historias que podemos encontrar hoy en día. Van desde los clásicos mundos post-apocalipticos donde la IA quiere destruir a los humanos, hasta ver como esta vive entre nosotros en un mundo futurista. En mi opinión, estas últimas son las más interesantes por las implicaciones que puede tener en el entorno social de las personas y como se deben considerar estás. Este cómic trabaja este tema desde una perspectiva que -al menos yo- no se ha visto o, por lo menos, lo suficiente. Pasen a leer la reseña de Alex + Ada.


Ficha técnica
Nombre: Alex + Ada
Escritor: Jonathan Luna
Dibujantes: Jonathan Luna y Sara Vaughn
Editorial: Image
Números: 15
Publicación: Noviembre del 2013 a Junio del 2015


¿De qué trata Alex + Ada?


Alex acaba de terminar una relación y esto lo afectó profundamente. Ahora se encuentra en una depresión de la cual su abuela quiere sacarlo. Por eso para su cumpleaños le dio un regalo peculiar, un androide con forma humana muy realista. Al principio se mantiene escéptico con el gesto de su abuela, pero muestra un interés que lo llevará a descubrir varios secretos alrededor de su androide al que llamó Ada, entre los más relevantes es que ella puede tener personalidad. Al liberarla se verá involucrado en todo un mundo diferente.

Predecible, tal vez; interesante, por supuesto.


La trama se mueve con fluidez a través de los números. Siempre habrá algo nuevo que mostrar ya sea un secreto, personajes aportando algo, el desarrollo de la idea o algún tipo de drama. Rara vez se sentirá que no avanza o que se queda estancada. Todo lo mostrado tiene cierta cantidad de relevancia por más pequeño que sea, pues se toma el conflicto desde diferentes perspectivas. Tiene un buen equilibrio entre las conveniencias y la forma orgánica como ocurren las cosas, incluso transcurre con tal naturalidad que aunque no te causen sorpresa los acontecimientos te dejarán deseando saber que pasará después. No es un cómic con grandes giros que te hagan replantearte las cosas, por más predecible que pueda ser te mantendrá interesado por su buena escritura y manejo de la historia.

En cuanto a caracteres es algo dispar. Obviamente la atención principal recaerá entre Alex y Ada, quienes tienen un buena química entre ellos y su relación va ganando fuerza con cada número. Lo interesante es como ellos enfrentan sus diferencias para estar juntos, desde la relación anterior de Alex hasta los problemas que conllevan que Ada sea un androide consiente. Entre los principales las cosas funcionan porque la trama gira alrededor de ellos, pero los secundarios se quedan atrás en el desarrollo. No es que sean malos, pero tampoco se pueden decir que son interesantes, tienen la función de aportar lo indicado en la trama, algunos otros serán de ayuda para el par protagónico tanto en acciones como en moral. Por suerte, no llegan a molestar, están para contribuir lo indicado en el momento indicado, algunos tendrán mayor dimensión cuando se muestren las razones de sus acciones a la trama. La mayoría se queda estático en gran parte del tiempo, pero no es algo malo, el cómic logra usarlos bien y es la razón de porque los caracteres son un punto positivo.

Bastante acertado

Una idea y dibujo sin terminar de encajar.


Aunque está parezca la típica historia de la inteligencia artificial consiguiendo personalidad, da un pequeño giro que cambia la perspectiva. Aquí no es que vayan agarrando personalidad por el avance de la inteligencia, sino que la tienen desde que son activados, pero es reprimida por su programación. Esto genera nuevas ideas en el debate, ahora la duda quedará en si el robot debe ser libre cuando este trae la personalidad desde un principio. La idea es interesante, más en los primeros momentos de la liberación de Ada y empieza a cuestionarse varias cosas al mismo tiempo que disfruta de las pequeñas cosas. Esto gana relevancia al ver que los reprimen por un accidente donde varias personas fueron asesinadas debido a un androide consiente. Pareciera que el cómic da un aire fresco a todo lo relacionado con la IA, pero se queda a medias con el paso de los números, dando la sensación de que le faltó profundizar más. Esta bien el hecho de que los androides activados sean perseguidos y destruidos por cuestiones de seguridad y miedo que existe en la población, sin embargo, todo el debate que esto conllevaría se lo saltan, enfocándose en la relación de Alex y Ada, lo cual está bien, pero es una lástima que lo dejarán así.

Los dibujos tienen una simpleza que puede molestar a más de uno. Se nota a simple vista con los diseños de los personajes, quienes tendrán muchas similitudes entre ellos, con una que otra excepción muy especial por tener diferente edad. Esto evita que cada uno pueda tener su propia identidad en cuanto a diseño, por no decir que podrían ser los mismos. Incluso algunas expresiones llegan a sentirse un poco deformes, a veces si transmiten el momento, mientras que en otras ocasiones son cuestionables. Aun con lo anterior dicho, el mayor problema con el dibujo es en la sucesión de viñetas. Muchas veces usan la misma, con un ligero cambio para denotar movimiento, volviendo repetitiva la escena y hasta cansada porque, por más pequeños detalles que tenga en la posición de los personajes, no deja de sentirse una igual a otra. No es un problema de uno o dos números, sino de los 15, algunas veces estará bien utilizada por el contexto de la misma, pero la mayoría de las ocasiones aparecen durante las conversaciones con varias personas, denotando la flojera del dibujante. Los problemas con el dibujo no son completamente imperdonables, es posible que después de estar leyéndolo por un rato puedas dejarlo pasar, pero no se niega el enorme fallo que son.

Imaginen esta sucesión varias veces... no es agradable.

Recomendable para algunos


Al hablar sobre inteligencia artificial siempre se abrirán diferentes temas relacionados con el pasar del tiempo, este es uno de ellos. El planteamiento de la idea es interesante, el problema viene con el desarrollo de la misma, el cual no pareció mantenerse lo suficiente antes de empezar con la conclusión. Aun así, este cómic es recomendable por las diferentes posturas que nos muestra, las ideas planteadas y el desarrollo de la trama. Puede que el dibujo no sea del agrado de muchos, sin embargo, no es un impedimento para el disfrute de todo lo demás. Sus tropiezos no son razón para condenarla porque todo lo demás que nos presenta es una historia que nos trae a la mesa algo nuevo para hablar a la hora de un posible futuro.

Calificación:



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Time of Eve

[Reseña Comic] Klaus, cuando Santa Claus se volvió un superheroe

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Muchas son las historias que se han escrito alrededor de la navidad. Ya sea para enseñar su verdadero significado, mostrar como vive Santa Claus, contar sus orígenes, etcétera. El cómic que nos trae a esta reseña se ubica en la última categoría donde veremos al panzón rojo como posiblemente no lo hayamos imaginado, les presento: Klaus.


Ficha técnica:

Nombre: Klaus
Escritor: Grant Morrinson
Dibujante: Dan Mora
Editorial: BOOM Studios
Números: 7
Año de publicación: 2015


¿De qué trata Klaus?


Klaus regresa a su tierra después de estar exiliado durante mucho tiempo. Al llegar descubre que la celebración más grande y alegre ahora se ha reducido en un toque de queda donde los niños no tienen nada que celebrar, peor aún, sus juguetes fueron confiscados, dejándolos tristes y sin nada que festejar. Sin hacerse esperar, Klaus se pone manos a la obra para regresar el espíritu que antes rodeaba esta fiesta, aunque en el proceso deba enfrentarse al gobernante del lugar.

El origen del gordo rojo en trineo


La historia nos transporta a los eventos que volvieron al ahora llamado Klaus en Santa Claus. Desde una perspectiva muy distinta a lo que tenemos en mente sobre esta figura navideña. Naturalmente siempre nos lo pintan como un bonachón que ama los niños dándole un aire infantil rozando lo soso. En esta ocasión se nos dará una visión distinta, seguirá siendo alguien con buen corazón, pero no dudará en recurrir a la violencia y matar a unos cuantos para alcanzar la justicia. Puede parecer disparatado considerando de quien estamos hablando, no obstante, es presentado de tal forma que nos será fácil aceptar que estamos hablando de la misma persona. Este es un cómic donde la trama nos mantendrá expectativo a que pasará después, aún sabiendo el final uno querrá saber como llega a ese punto.

En cuanto a los caracteres que maneja podemos ver un manejo interesante. Principalmente por Klaus quien, como se mencionó antes, mantiene un espíritu "navideño" combinado con una justicia a base de su espada. Tampoco es como si esto fuera lo más característico de él, se nos mostrarán sus diferentes facetas al relacionarse con los demás, otorgándonos un caracter que se ve diferente, pero mantiene la esencia. Los demás aportaran su parte mientras son presentados y desarrollados acorde a lo acontecido con el pasar de los números, algunos tienen más relevancia que otros, sin embargo, no todos son realmente interesantes. Incluso el villano, quien es el arquetipo de alguien que solo busca poder, pero es soportable por tener distintos grados de dimensión. Todos los caracteres funcionan bien al moverse por la historia, no todos son profundos o complejos, sin embargo logran su cometido con creces.

Creo que así fue como Rodolfo obtuvo su nariz roja.

La magia de la navidad en un cómic


Para el desarrollo de la historia es muy notorio que Grant Morrison se tomó muchas libertades, no es que fuera algo malo. Aun con todos los elementos mostrados dando vueltas, ninguno se siente fuera de lugar o puesto a la fuerza. Quizá pueda parecer descabellado ponerle una historia tan seria a Papá Noel, pero solo suena así en palabras, pues su ejecución es mil veces mejor de lo que uno esperaría. Incluso combinando elementos conocidos, como el trineo y los regalos, con otros algo desconocidos, como el Krampus, mantiene una fluidez que uno no se esperaría de un cómic así, nada parece forzado, o por lo menos no tanto.

El dibujo corre a cargo de Dan Mora y se entiende porque ganó un Eisner. No solo es detallado y colorido, dandole un estilo vivo, sino que logra darle una sensación de verdadero frío en las partes donde hay paisajes. El diseño de los personajes tiene buen detalle, ninguno se parecerá a otro, hasta Klaus sin tener algún parecido con la versión que todos conocemos sigue teniendo un sello característico que agrada sin importar ese ligero inconveniente. Incluso la sucesión de viñetas tiene una buena secuencia y varias contienen ciertos detalles que hasta te puedes saltar, no son completamente importantes para entender la historia, pero sin dudas le dan un toque al cómic. El ilustrador costarricense nos demuestra su gran habilidad a la hora de dibujar una historia, este es uno de esos casos donde no sería para nada lo mismo si cambiaran al dibujante y eso es de reconocer.


Una grandiosa visión de la Navidad


Son muchas las historias que se podrían escribir de Santa Claus, pero pocas como esta y, más difícil aún, que sean tomadas en serio. Cualquiera alzaría una ceja al enterarse de la existencia de este cómic, más eso no es excusa para no leerlo. Con una historia de origen que usa elementos que parecen sacados de algún superhéroe, llega Klaus para impresionarnos a todos. Tiene una narrativa fluida junto a dibujos entre sorprendentes y que te dejarán impresionado. Puede que su único tropiezo sea con el vilano, pero si algo en la reseña te dio curiosidad no dudes en darle una oportunidad. Historia de origen como esta no encontrarás en otro lugar.


[Reseña] BATMAN y ROBIN ETERNAL #13

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Un dispositivo de vigilancia táctica de ARGUS(Advanced Research Group Uniting Superhumans) sobrevuela una mina de diamantes a 480 km. de la frontera de Ucrania; la mina de OMNI es uno de los agujeros mas grandes creados por el ser humano, los mineros se toparon con un sistema de cuevas subterráneo lleno de gases tóxicos que mataron a todos los trabajadores y que dejaron inhabitable la mina por lo menos unos 200 años.
El piloto se pregunta el porque ARGUS pondría en el plan de vuelo el sobrevolar la mina, a  lo que la copilo contesta sorprendida que ella es la que hizo el plan de vuelo y nunca puso la mina como un lugar que sobrevolar.









Ese momento se interrumpe por una alarma que indica que la escotilla de vuelo fue abierta, entonces el piloto comprueba que falta un planeador, ahora la gran incógnita es ¿quien es su sano juicio se lanzaría a una mina toxica?.

Ese alguien es Cass quien vemos caer en picada para después planear y terminar su caída dentro de la mina donde una edificación construida se revela, esta dentro de La Guardería.


Con un cuchillo evita que una metralleta automática le dispare y entonces los recuerdos de su estancia ahí nos revelan como eran tratados lo niños, estos eran llevados por grupos grandes para conocer a Mother, la cual mostraba un lado cariñoso y convenciendo a los niños de que no había nada mas que temer.


Una pequeña que llora es abrazada por Mother, este momento lo observa Cass para después ser sorprendida por su padre Orphan quien la castiga debido a que ella no tiene permitido estar cerca de los demás niños.


En el presente vemos a Cassandra esquivando a unos robots protectores que se encargan de cuidar a los niños y de vuelta a los recuerdos vemos a Cass escabulléndose para sorprende a La Escultora quien le sus pensamientos y sabe que tiene dudas sobre que es y lo que significa un abrazo.


La Escultora le explica que es una forma de demostrar cariño y para su sorpresa Cass la abraza pero La Escultora la aleja sabiendo que Orphan le tiene prohibido ese tipo de muestras de afecto.

De vuelta al presente Cass es sorprendida por un robot al cual ataca rápidamente para cambiar sus directivas y hacer que la lleve con los niños en La Guardería.


El robot la conduce a un lugar llamado el criadero para ser sorprendida por su padre Orphan el cual parte al robot por la mitad con su espada, este la sujeta en una silla y después la deja caer en un pozo el cual esta lleno de cadáveres de los niños que estaban en La Guardería.


Sabia que las intenciones de Cassandra eran de liberar a los niños pero llego tarde ya que Mother le pidió que acabara con todos los niños y con cada generación de nuevos niños de Mother, todo por un escape que hizo Cass para contactar a Batman y avisarle sobre Mother.

Cass sale del pozo para esconderse de su padre y pensar en ese escape.


En un flashback vemos a Cass con Batman en la cima de un edificio de GothamBatman comenta lo peligroso que es meterse con Mother y que Dick es el único que puede ayudarla a detenerla si es que no regresara con vida de su encuentro con el Joker.


Batman toma en cuenta lo valiente que es Cass y le dice que ella es una heroína y no un monstruo como lo quería se padre, esto hace que Cass le de un abrazo, el cual es correspondido por Batman.


En el presente Cass toma valor y con las manos manchadas de sangre de pinta un murciélago en la cara y decide enfrentar a su padre, el cual cae para después ser electrocutado por Harper y Dick, lo cuales aparecen para después saber por medio de un holograma que Mother planto una bomba termonuclear para acabar con todos, incluso con Orphan y así amarrar los cabos sueltos.







CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #14


"TODO EXPLOTA"
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