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[Reseña Anime] Erased, ¿el mejor anime de invierno 2016?

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En cada temporada de anime siempre hay uno que logra resaltar de entre todos. Las razones de esto pueden variar y ser imprecisas, desde sus personajes, su trama o por ser algo "diferente" a lo de siempre. Estas razones pueden ser tanto justificadas como simplemente ser infundadas por los fans quienes ven más de lo que en realidad se muestra. Entonces, con el anime que nos lleva a esta reseña, es decir, Boku Dake ga Inai Machi o Erased, veamos si sus alabanzas son exageraciones de la gente o si las merece.


Ficha técnica
Nombre: Boku Dake ga Inai Machi
Director: Tomohiko Ito
Estudio: A-1 Pictures
Capítulos: 12
Emisión: Enero 8 del 2016 a marzo 25 del 2016


¿De qué trata?


Satoru Fujiwa, es un adulto de 29 años cuyo sueño de ser mangaka no pudo realizarse. Esto lo llevó a trabajar de repartidor en una pizzería. A pesar de lo normal que puede parecer, cuenta con una habilidad para regresar en el tiempo, a la que llamó Revival. Esta se activa esporádicamente cuando algo malo va a suceder, dándole la oportunidad de impedir dicho acontecimiento. Cuando le sucede una desgracia su habilidad lo hace retroceder 18 años en el pasado; ahora tendrá que ponerse manos a la obra para impedir unos horribles crímenes que sucedieron en su infancia y arreglar su futuro.

¿Qué la hizo sobresalir?


Con solo leer la sinopsis nos damos la idea de que no será una serie del montón. Incluso el primer episodio tiene un ritmo que te hace interesar en la trama, te explican de forma rápida el Revival y la situación. Un punto fuerte que tiene la narrativa es la falta de dependencia hacia el Revival, es usado como la razón para que exista la historia, en lugar de ser quien la mueva. Esto no solo ayuda a la historia haciéndola fluida sin ningún tipo de interrupción con los viajes en el tiempo, sino que también evita que caiga en el caos temporal que las series de este tipo llegan a tener. Aquí no encontrarás paradojas o extremas consecuencias de causa y efecto, puede parecer que desaprovechan este elemento pero lo que en realidad hacen es darle la importancia requerida a lo demás

Los personajes también son un punto fuerte, pues no son arquetipos, incluso Satoru se siente un poco diferente al típico protagonista deseando ser un héroe. Todos tendrán su lugar necesario en la trama, no siempre serán relevantes o importantes. Los que sí llegan a serlo tendrán razones para sus acciones o, al menos, una excusa. Aunque llega un punto donde varios de estos llegan a presentarse con un desarrollo pobre, por no decir inexistente. En general funcionan bien, cada uno sale la cantidad de tiempo necesario, pueden ser pocos con los que te encariñes pero, al menos con ellos, te mostraran desarrollos plausibles para empatizar con ellos.


Por desgracia, la narrativa, uno de sus puntos fuertes, sufre algunos problemas. Al principio te deja en claro cual es su objetivo: detener los crímenes para que la desgracia en el futuro no suceda. El detalle esta en el tiempo que le dan a los acontecimientos, al principio corre con una fluidez bastante buena para desarrollar a los personajes y le da el tiempo suficiente a las situaciones pero conforme avanza parece que se dan cuenta que no tienen tiempo, apresurando los eventos cuando están cerca del final. Esto llega a arruinar la atmósfera pues los eventos suceden tan rápido que contrasta con todo lo anterior presentado. Al principio te puede enganchar fácilmente y si puedes dejar pasar el cambio de ritmo todavía puedes disfrutarla.

El guión pasa de ser interesante a sufrir altibajos muy notorios y significativos. Al principio sus frases tienen un grado de reflexión de acuerdo con los acontecimientos y las conversaciones son entretenidas, combinándolas con los eventos logra mejorar el progreso de la historia. Pero cuando se descuida la narrativa pasa lo mismo con el guión, pues las conversaciones llegan a ser flojas y ni hablar de las frases, a veces se sentirán pretenciosas, incoherentes o de plano tontas. En este punto también entran las historias de trasfondo, algunas son válidas mientras que otras serán verdaderamente estúpidas. Lo rescatable vale mucho la pena, de eso no hay duda, puede que varios momentos resulten retrasados para muchos, sin embargo, no llega a desacreditar todo lo bueno que te mostraron anteriormente.


¿Lo técnico le ayuda?


La animación es decente, no sobresale ni falla. A-1 pictures entrega trabajos bien pulidos y animados, en este caso no es la excepción, manteniendo un estándar sin problemas. Aunque el principal atractivo del estudio siempre serán los fondos hermosamente dibujados con un detalle asombroso, aquí hay algunos pero solo uno puede ser tomado como tal, los demás solo serían de ambientación. Este apartado pasa sin pena ni gloria, tiene el nivel necesario para mantener la inmersión del espectador y eso funciona sin lugar a dudas.

La música, por otro lado, es prominente haciéndose notar. Para empezar, el opening es excelente, esta interpretado por Asian Kung-Fu Generation, así que oírlo es una obligación para todos los que tengan un gusto por la banda o les gusten los openings. Pasando al ending, este queda bien con la ambientación manejada por la serie, no es de lo mejor pero cumple su objetivo. Por último, el soundtrack en general ambienta muy bien las situaciones, oírla por separado puede gustarte solo si has visto la serie, si no lo has hecho no es probable que te agrade del todo. El apartado musical no tiene inconveniente alguno, esta bien y nada más.

"Debería creer más en si mismo. Lo que tenemos delante ahora mismo está en progreso. El desenlace aún no ha llegado y nadie sabe como acabará."
-Airi Katagiri"

¿Excelente anime o sobrevalorado?


Es normal que cuando un anime crea mucho hype la gente no logra ver sus fallas y lo cataloga como perfecto. En este caso no era del todo verdad, Erased es de las mejores series que se estrenaron, de eso no hay duda, pero esta lejos de ser perfecto. Con las varias fallas que sufre no sería sorpresa que quedara en el olvido y a finales del año la gente lo olvide o lo recuerde solo por su opening, pero no por eso debes evitar darle una oportunidad. Lo negativo no afecta tan fuerte como para dejar de verla y el final tiene varias cosillas rescatables, si le das una oportunidad no te arrepentirás, aparte, al estar terminada no tendrás que pasar por el sufrimiento de muchos al esperar una semana para saber que pasará.


Fabulosos invitados para Concomics Guadalajara

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Hay una gran variedad de invitados para la Concomics Guadalajara que se realizara los próximos 16 y 17 de Abril, aquí les dejo un breve resumen de quienes son algunos de ellos de ellos. El evento esta enfocado en los el anime, el cosplay y los vioejuegos. Habrá conferencias, conciertos, contara con área especial para gammers en la que se realizarán  varios torneos de diversos juegos (Call of Duty, Super Smash y Street Fighter V), y los cosplayer podrán tomarse fotos gratuitamente en el estudio fotográfico del evento, las cuales se subirán a la página del evento

Ruben de Leon



Actor de doblaje venezolano conocido por ser la voz del Guason/Joker en las series animadas y películas de la Liga de la justicia y Batman, además de el padre Cornelo en Full Metal Alchemist, Doctor frió en Batman la serie animada, El demonio de tazmania, Bestia en x-men Evolutiony la voz de Darwin en Los Thornberrys.


Misa Chiang




Reconocida cosplay Twaindesa, su primer cosplay fue de el personaje de Misa de Death Note del cual tomo su nombre de cosplayer , su motivación son los personajes mismos hacer un personaje que le agrade y convertirse en él . Aquí les dejo alguna fotos de sus trabajos como cosplay. Donde la vemos como Jason Voorhees de Viernes 13, Tsumaki de One punch man, Yoko de Tengen Toppa Gurren Lagann y Dark Magician Girl de Yugioh







Oscar Flores




Actor, director, traductor y adaptador de doblaje mexicano conocido por darle voz al personaje de Numero 1 en Los Chicos del Barrio (KND), también le da voz al Rey Helado en Hora de Aventura y en el mundo del cómic, ha dado voz a Virgil Hawkins alias Static Shock.En la pantalla grande hemos oído su trabajo en "La Era de Hielo 3" como Bug, tambien es la voz de Cyclops en las películas de los X-MEN. Su trabajo se reconoce gracias a que le ha dado voces a muchos personajes dentro de las caricaturas de Cartoon Network, así que muchos lo asocian a sus infancias mientras veían la televisión.





Ilonka Ovinovlick


[Guionismo] Cómo construir un personaje sin morir en el intento.

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Escribir es -más allá de un arte o un talento- un oficio, y como tal, generaciones de escritores han tratado de entender los mecanismos de la narrativa para averiguar cómo funciona una historia. Aristóteles encabeza los ejemplos con la fragmentación en tres actos -planteamiento, nudo y desenlace- de la estructura dramática propuesta en la “Poética”; un modelo que Syd Field retomaría con su “Paradigma” para guión cinematográfico. Por otro lado, Georges Polti -y Carlo Gozzi, mucho tiempo antes- nos hablaba de las 36 situaciones dramáticas en las que toda historia puede clasificarse; los folcloristas Antti Aarne y -tiempo después- Stith Thompsonidearon un sistema de clasificación para los cuentos de hadas según sus características que, a la fecha, reúne dos mil trescientas cuarenta categorías. Vladimir Propp no se quedó atrás: en respuesta analizó la estructura de los más conocidos cuentos de hadas hasta encontrar  31 puntos recurrentes en todos los cuentos, conocidas al día de hoy como Las funciones de Propp” y publicadas en su “Morfología del cuento”. A finales del siglo XIX el psicoanális fue recibido calurosamente por los escritores: los arquetipos Jungianos son hasta el día de hoy una excelente base para crear personajes y pocos supieron diseccionarlos tan bien como el mitógrafo Joseph Campbell y “El héroe de las mil caras”, su estudio del viaje del héroe. 




Centrémonos por un momento en nuestras fantasías infantiles. Princesas en apuros, piratas temibles, monstruos sanguinarios. ¿De dónde salieron, cómo fueron a parar en nuestros juegos? Televisión, dirán unos, libros infantiles, dirán otros. La mayoría mencionará también los cuentos que les narraban antes de ir a la cama, las historias que contaba la abuela, incluso las leyendas urbanas con las que un hermano pretendía asustarnos. Si tomamos a cierto número de personas al azar y les preguntamos qué es un vampiro, es probable que la respuesta de la mayoría coincida. Si les preguntamos si han leído la “Carmilla” de Le Fanu o el “Drácula” de Bram Stoker, también es probable que la mayoría responda que no. ¿Cómo pueden saber, por ejemplo, quién es y cómo se ve el monstruo de Frankenstein si nunca han leído a Mary Shelly?  

La respuesta  está en el imaginario colectivo, un concepto sociológico (no totalmente definido) que nos habla de la construcción social que ha dado significado a sus mitos, símbolos y figuras reinterpretando la realidad a partir de ellos. Pensemos en Drácula o el monstruo de Frankenstein como símbolos apoyados en fuertes íconos visuales (ambos conservan en nuestra imaginación los rostros que Boris Karloff y Bela Lugosi les dieran en los años 30′s), proyección mediática y, por supuesto, la tradición oral, la ancestral madre de la literatura. 

Lo mismo pasa con los personajes que nos acompañaron en la infancia y que muchas veces seguimos frecuentando y nutriendo de adultos: conocemos sus características básicas, tenemos una cierta iconografía que les representa y van acompañados por una trama elemental que nos dice quienes son: La dulce princesa de vestido rosa esperando a ser rescatada por su principesco amor; el genio malvado que busca conquistar el mundo en venganza por el rechazo social; el noble hombre musculoso con superpoderes que viste mallas y capa volando raudo por el cielo camino a salvar la ciudad. Poderosísimas imágenes que han perdurado por generaciones y, nos guste o no, seguirán creciendo en la mente colectiva como personajes “tipo”.




Haré una pausa justo aquí, en donde asumo que habrá quien ya comience a apuntar las armas contra los “clichés”, los manuales de escritura que asemejan el sagrado arte de escribir con una receta de cocina, el público conformista y la malvada maquinaria de la industria que sólo admite basura precocinada para editar. Cuando comenzamos a escribir -y muchas veces también sucede cuando ya se tiene tiempo en el asunto- es común creer que la escritura es un asunto de inspiración divina, lo cual no podría ser más erróneo. Escribir implica la misma disciplina y estudio que cualquier otro oficio requiere. Vila-Matas contaba que, enamorado de la irresistible aura bohemia de Marcello, él mismo quiso ser escritor después de ver “La Dolce Vita”, y cuando por fin decidió que su camino estaba en la literatura tuvo que dejar de “ser” escritor para comenzar a escribir. ¿Para qué querría un escritor -o un lector- saber qué es un personaje tipo o un arquetipo? ¿No es mejor sentarse a escribir lo que nace y punto? La respuesta es difícil, ya que es fácil -¡tan fácil!- protegerse de la escritura misma con el escudo del estudio y la teoría; aun así optaré por la respuesta que considero más sensata y honesta: Un escritor debe conocer sus herramientas y saber usarlas.

Sigamos.

Ya acordamos que los personajes tipo son aquellos que nos resultan reconocibles de manera instantánea gracias a sus características fijas en el imaginario colectivo. Ahora, habrá que tener cuidado con la linea que divide al estereotipo del arquetipo. El primero todos lo conocemos de sobra, son aquellos personajes que, careciendo de complejidad, sólo funcionan mediante estereotipos y lugares comúnes que definen una raza, un estrato socio-económico, una profesión, etc. En el mismo “saco” cae la definición de “Prototipo”, que muchos teóricos utilizan, donde el cliché se convierte en el modelo perfecto de cierto tipo de personaje, exaltando y explotando al máximo su vicio o virtud. En el otro extremo de la linea encontramos al arquetipo, una de las herramientas de construcción de personajes por excelencia.

Hablar de arquetipos sería difícil sin mencionar a Jung. Apartemos la cuestionable teoría psicoanalítica que propone y el orígen  místico que da al arquetipo; lo cierto es que su teoría resulta utilísima para el escritor. Jung nos habla de “imágenes primordiales”, símbolos universales relacionados con las experiencias compartidas que han quedado dentro del inconsciente colectivo -como una suerte de patrones de comprensión de la realidad. Para llevar estos conceptos a la literatura, Christopher Vogler (en su Writer’s journey) nos dice que los arquetipos no son personajes fijos que no modifican roles a través de la narración, sino “conductas” que cumplen un papel en determinado momento de acuerdo a las necesidades del relato: el personaje irá mutando en diferentes arquetipos según sea necesario. Del mismo modo, los arquetipos cumplen dos funciones primordiales: La psicológica (¿Qué representa?) y la función dramática en la historia. Recordemos: drama es acción.

La palabra “arquetipo” viene de la antigua Grecia, sus raíces están en la palabra  “Arjé", antiguo, y “Typos”, modelo. Jung la retoma para su teoría y define doce tipos primarios de arquetipos  que simbolizan  las motivaciones humanas básicas; a su vez los doce arquetipos están divididos en tres segmentos, “Ego”“Alma” y “Si mismo” (Ego, Soul y Self)
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Un rápido repaso:

Ego:

El inocente: Utópico, romántico, tradicionalista, soñador, ingenuo.
El hombre común: El “húerfano”; realista, sólido, empático, carece de pretensiones.
El héroe: Guerrero, jugador en equipo, valeroso, siempre triunfante.
El cuidador: El “santo”, caritativo, desprendido, altruista, odia el egoísmo, pero teme a la ingratitud.

Alma:

El explorador: Individualista, fiel sólo a si mismo, ambicioso.
El rebelde: Revolucionario, sedicioso, salvaje, radical
El amante: Desea experiencia, pero teme a la soledad. Pasional, comprometido, agradecido.
El creador: Perfeccionista, creativo, hábil, teme a la ejecución mediocre.

Si Mismo

El mago: Su misión es hacer lo imposible, posible. Visionario, carismático, manipulador.
El gobernante: Responsable, líder, ansía el poder, autoritario.
El sabio: Inteligente, experimentado, analítico.
El bufón: Alegre, frívolo, vive en el instante, teme a la rutina.

¿Cómo influyen los arquetipos en la construcción de un personaje y de una historia? Para ser breve me ceñiré al ejemplo del “Viaje del héroe” (probablemente el mejor explorado). Al principio del artículo hablaba de un tal Campbell, mitógrafo autor de “El héroe de las mil caras”. En él, Campbell retoma los arquetipos jugianos y explora el viaje del héroe en diversos mitos y literaturas, obteniendo un patrón que divide en doce estadíos. Si tomamos cualquier épica (incluso las modernas, como Lord of the rings, Harry Potter, Matrix o Star Wars) nos encontraremos con el patrón que Campbell propone.

 En breve, son:

1-Mundo ordinario: La vida cotidiana del protagonista, implica un status quo que puede no ser satisfactorio, pero es estable.
2-La llamada de la aventura: Se presenta un problema, desafío o posible aventura que amenaza con romper el status.
3-El rechazo de la llamada: El héroe se resiste a romper el status, puede que se considere indigno o que fuerzas externas se lo impidan, es común que se muestre incrédulo ante el llamado o que el miedo pueda más que la aventura.
4-Encuentro con el mentor o ayuda sobrenatural:Encontramos a nuestra segunda figura arquetípica, el mentor o viejo sabio, que se encargará de hacer que el héroe acepte su destino. Por lo general es un hombre viejo, sabio y excéntrico.
5-Travesía del primer umbral: Al cruzar el umbral (físico o metafórico) el héroe ya no puede dar marcha atrás. El cruce del umbral tiene cierto sentido ritual, conlleva peligro y ofrece un pequeño atisbo del mundo extraordinario que le espera al héroe. Es usual que veamos aquí al primer antagonista.
6-Pruebas, aliados y enemigos: El entrenamiento del héroe y su iniciación; se pondrá a prueba su valía y pureza de espíritu, conocerá a sus aliados incondicionales y el enemigo y sus propósitos irán tomando forma a la vez que el héroe aprende las reglas del mundo extraordinario. Tanto aliados como contrincantes suelen partir de arquetipos: maestros, servidores, jugadores, antiheroes, etc.
7-Acercamiento a la cueva interior: durante su recorrido, el héroe conoce el éxito, la “apoteosis”. Ahora, deberá prepararse junto con sus aliados para la prueba final.
8-Ordalía: El héroe se enfrenta a la prueba más grande que hasta ahora ha enfrentado, probablemente a su más grande temor. Su “entrenamiento” puede haber concluido, pero esta vez el desafío es a éxito o muerte y ésta última metafórica o literal- suele traer consigo una nueva vida.
9-Recompensa: la celebración del triunfo, el héroe ha triunfado. El peligro aún acecha.
10-Camino a casa: El héroe debe volver con urgencia al mundo ordinario, ya con la recompensa ganada.
11-Resurrección: En el clímax, el héroe enfrenta una última prueba, y debe usar todo lo que ha aprendido. Retará a la muerte y saldrá victorioso, purificado y en paz.
12-Regreso con el elíxir: El héroe regresa al mundo ordinario con el “elíxir” que, en potencial, le permitirá ayudar a su “mundo” natal y transformar la realidad.

Creo no equivocarme si afirmo que el proceso de entender las raíces y motivaciones de un personaje  no son menos que fascinantes para cualquier lector asiduo o escritor. Todos los textos de ficción que atrapan a quien lo lee tienen un punto en común -más allá de filias y fobias personales: están contando algo. Puede sonar burdo al principio (¡Toda historia cuenta algo!), pero no hablo de argumentos sino de discurso. Un buen libro siempre tiene la pluma de un escritor que necesitaba desesperadamente contar su verdad, vomitar entrañas, amores, odios y miedos en el papel. Al final, los personajes serán encarnaciones no del autor mismo sino de la visión que tiene éste del mundo que le rodea; el escritor enviará a sus creaciones a existir sin más armas que su voz desnuda y a la espera de un lector que logre escucharlos y les dé un breve instante de su tiempo, de su historia, de su vida. Escribir un personaje es una gran responsabilidad.

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[Reseña Anime] Dagashi Kashi, dulces, waifus y ¿comedia?

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Hacer comedia puede ser un arma de doble filo. No todo lo que nos parece gracioso lo es para los demás. Esto es más significativo en el humor nipón donde a varios les puede resultar desagradable la forma como hacen chistes; desde poner personajes gritando incontrolablemente, hasta caídas imposibles y absurdas hacia una chica. Por suerte, hay algunos cuya gracia es bien utilizada, a pesar de usar la misma formula y pueden ser divertidos para la gente que no está acostumbrada a este medio. Por eso, hacer reír a la gente no es tan sencillo como parece y es en este camino espinoso donde se aventuró Dagashi Kashi.




Ficha técnica
Nombre: Dagashi Kashi
Director: Shigehito Takayanagi
Estudio: Feel
Capítulos: 12
Emisión: Enero 12 del 2016 a Marzo 31 del 2016


¿De qué trata?


Kokonotsu Shikada es un adolescente que desea ser un mangaka pero su padre quiere que se quede cuidando la tienda de dulces que ha estado en su familia por ocho generaciones. Un día llega una chica llamada Hotaru Shidare, quien es la heredera de una exitosa compañía de dulces, para hacer una alianza con la pequeña tienda. Entonces será su trabajo convencer a Kokonotsu para seguir el legado de su familia.

Un anime que no tiene donde caerse muerto


Para empezar podemos decir que la historia no tiene pies ni cabeza. Esto no es del todo malo, en una comedia no se necesita tener una trama compleja para hacerla funcionar. Sin embargo, esta no debe tirarse por la borda tan descaradamente, pues es un factor que le puede dar variedad a las situaciones. En este caso no sucede así, siempre seguirá la misma fórmula sin tratar de cambiarla; se presenta un dulce, hablan de su historia o características y ponen situaciones que giren en  torno a él. La serie se vuelve monótona rápidamente, todos los episodios se sienten iguales, no hay un punto donde sientas que cambie. Puede parecer que en una comedia esto no sea del todo relevante, porque lo importante son los chistes, no obstante, Yamada Kun to Nana-nin no Majo es el ejemplo perfecto de cómo la historia ayuda a la comedia y el por qué no debe ser dejada de lado, también podríamos mencionar a Konosubadonde la trama no avanza pero las situaciones varían lo suficiente para mantener las cosas interesantes. Dagashi Kashi no tiene ninguna de esas dos, la historia no tiene relevancia, se mantiene sin ningún avance y solo es una excusa (muy mala) para la existencia del anime.


Los personajes tampoco ayudan mucho, todos son completamente unidireccionales. Lamentablemente, no presentan ninguna otra característica más allá de lo que se ve en el primer capítulo. No esperes ver algún tipo de evolución o desarrollo, todos tendrán siempre las mismas facetas desde un inicio. Sus personalidades son tan escuetas que todas se pueden describir en una oración sencilla. Kokonotsu quiere ser mangaka pero no lo dejan. Hotaru esta loca por los dulces. Saya es amiga y ama a Kokonotsu. To Endo es el amigo de Kokonotsu, hermano de Saya y quiere ser popular. Yo Shikada es el papá de Kokonotsu y quiere que él cuide la tienda. Todos son una bola de intentos de personas; llamarlos arquetipos o estereotipos sería sobrevalorarlos. No hay nadie que valga la pena recordar o apreciar, se supone que el atractivo es Hotaru, pero su único punto positivo es su cuerpo, su protagonismo combinado con su unidirección solo la vuelven alguien insoportable pues nunca hará o expresará algo que no tenga que ver con dulces, en otras palabras, es aburrido verla por más de 2 episodios. En una comedia los personajes son importantes, no solo por los chistes, también son útiles para que el espectador se simpatice con ellos. Un ejemplo sería Ansatsu Kyoushitsu, pueden ser clichés, pero cada uno es diferente y se desenvuelven con gracia en las situaciones que los presentan. Básicamente, no esperes que los personajes  te lleguen a interesar, son basura y no aportan nada que valga la pena.

Si la historia y los personajes parecen escritos por un niño de 5 años, entonces, ¿cómo está la comedia? Aunque se pueda caer en subjetividad, podemos decir con toda seguridad que es patética. De la misma manera que con la trama, los chistes siguen un patrón repetitivo: nos presentan algún dulce, dicen sus características o historia y hacen algo extravagante con él, ni más ni menos, absolutamente todos los episodios sufren esta falta de ideas, puede que el dulce sea diferente pero no quita el sentimiento. Maneja un humor repetitivo, gastado, infantil, estúpido y que solo gustará al que se ríe diciendo obscenidades al aire. Más que una serie de anime, parece un anuncio para promocionar dulces, lo cual es bastante triste.


Cuando ni lo técnico te ayuda


La animación es pobre y sin atractivo. Los movimientos son acartonados e incluso los más simples no presentan ningún tipo de naturalidad. El otro apartado que merece ser despreciado son los diseños. Parecen torsos a los que le pegaron palos intentando disimular, sin mucho éxito, que son extremidades. Ambas cosas por separado podrían dejarse pasar, este no es el caso, mostrarte una lastimosa animación combinada con diseños flojos y sin vida es la forma perfecta de quitar lo único rescatable que pudo tener.

Con respecto a la música, ni siquiera podemos decir que tiene. El soundtrack es tan olvidable que parecerá que no hay, ni siquiera creerás que alguna vez lo escuchaste. En cuanto al opening, pues es regular, si te puede llegar a gustar al escucharlo. Aunque el verdadero premio se lo lleva el ending, no solo es pegajoso, su tema de Alicia en el País de las Maravillas le da un encanto para no dejar de verlo -ponme algo con esa temática y me lo vendiste-. Se podría decir que los últimos dos son las mejores cosas que tiene y vale la pena escucharlos.

Dos polos opuestos: 
una tiene pelo corto, la otra lo tiene largo
una es extrovertida, la otra es calmada
una tiene buen cuerpo, la otra se saltó la pubertad.

 

Es mejor ver cualquier otra cosa


Si tuviéramos que definir a Dagashi Kashi en una oración, sería: comercial de dulces. Esto pudo ser una excelente serie de comedia con datos curiosos, pero decir que se quedó corta es hacerle un favor. No solo es un desperdicio de tiempo, también es un asesinato de neuronas. No tiene nada para que valga la pena verla. Si quieren ver una buena comedia, pueden acudir a las que mencioné en párrafos anteriorres, hasta Monster Musumees mejor en ese apartado. Eviten verla, buscarla y saber de ella, es una porquería que no merece ni que le escupan encima.

[Recomendación Anime] Trinity blood: vampiros a un nuevo nivel

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¡Hola a todos! Hace ya rato que no traigo recomendaciones de anime así que me decidí a recomendar algo que definitivamente van a amar: Trinity Blood. Esta serie está llena de acción, sangre, criaturas sobrenaturales, una muy bien trabajada trama y de vez en cuando, una pizca de comedia. ¡Que la disfruten!

Abel Nightroad gif

 

Información Técnica


Título:トリニティ・ブラッド Trinity Blood

Estudio: Gonzo.

Temporada: Primavera 2005 (junio - setiembre)

Director: Tomohiro Hirata.

Episodios: 24


Argumento

 

Trinity Blood wallpaper hd


Destruído el planeta madre, la humanidad se ve forzada a buscar un nuevo planeta para preservar su existencia. En medio de experimentos con nanomáquinas, se experimentó con una serie de niños a quienes llamaron Caín y Abel. En medio de una serie de eventos algo perdidos de la memoria (que luego se clarifican conforme se desarrolla la historia), Caín y Abel Nightroad se separan, el uno pretende destruir a la humanidad y el otro se une con los humanos para cazar seres que un simple humano no podría siquiera alcanzar, los vampiros. Abel es un Crusnik, un vampiro que se alimenta de la sangre de otros vampiros, que lo vuelve el arma definitiva ante los conocidos nosferatu.

Esther Blanchett wallpaper hd
La hermosa y carismática Esther Blanchett


Abel tiene una personalidad demasiado cálida y amable, además de ser bastante pasivo y delicado; nadie sospecharía que al combatir se puede convertir en un monstruo imbatible que no conoce de piedad. En su trabajo como sacerdote de la iglesia católica (bastante bélica por cierto) se encuentra en medio de un ataque enemigo y por circunstancias de la vida encuentra por compañera de viaje a Esther Blanchett, una chica bastante dulce que le conoce por mendigar para comer.

Esther y Abel se dedican desde entonces a investigar y defender a la madre iglesia, bajo el mando de Caterina Sforza, una mujer de carácter fuerte y aún mayor inteligencia que les guía mientras ambos llegan a descubrir la verdad sobre el pasado de Abel y el origen de las misteriosas creaturas que combaten.

¿Por qué ver Trinity Blood?


Abel Nightroad crusnik gif
Abel liberando su forma Kruznik


1. Debo admitir que este mes me he puesto algo clásico (tomando en cuenta series de hace casi una década como Venus Versus Virus), pero les aseguro que esta recomendación no los va a decepcionar; muchas de las series de hoy día que contengan acción, sangre y una buena historia no llegan a los talones de Trinity Blood.

2. Mucha acción, criaturas con un detalle inmaculado superado únicamente por algunas pocas series de los últimos tiempos (que ya utilizan técnicas avanzadas de animación) y peleas de nivel épico (no estoy exagerando con nada) son parte de lo que van a encontrar en Trinity Blood.

3.Una mezcla de animación computarizada en 3d con animación clásica tan buena, como en Black Rock Shooter, le da un aire místico que se acomoda perfectamente a la adaptación.

4. Los personajes están muy bien construídos, complejos a su modo pero capaces de unificarse en una sola historia que te dejará con los pelos de punta.

5. Es otra historia de vampiros.... Podrían decirme. Sí, es una historia de vampiros en principio, pero hasta ahí, lo demás es un relato que supera con facilidad cualquier animé de nosferatu de la actualidad, al estilo Trigun, Trinity Blood trata de la búsqueda por la identidad y cómo esa búsqueda lleva al fin del mundo conocido.

6. Sin duda la colocaría entre las mejores animaciones de vampiros que existen en la historia del animé, junto al legendario Vampire Hunter D, Hellsing y -en algunas de sus adaptaciones- a Blood.

7. Una historia con unos pequeños matices de comedia e historias trágicas le dan un color nuevo a la vieja historia de hombres fuertes buscando el poder. Les aseguro que luego del primer episodio no van a querer parar hasta terminar la serie por completo (yo ya la he visto varias veces)

Abel Nightroad gif


Sin más que decir, espero haberlos convencido de ver esta grandiosa serie y como siempre agradezco el haber leído, ¡hasta la próxima!

¿Qué te ha parecido? ¿Ya has visto Trinity Blood? ¿Te gustaría que trabajara algún tema de la serie?

¡No dudes en comentar!

[Reseña Anime] God Eater, ¿valió la pena esperar?

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A veces durante la emisión de algún anime se pueden encontrar inconvenientes. Desde que la historia este incompleta al terminar, que la cancelen súbitamente o que el final sea apresurado. En este caso el inconveniente fue que lo suspendieron en el capítulo 9 por falta de tiempo, para sacarlo 6 meses después. Algunos esperamos esos seis meses para seguir la historia pero, ¿valió la pena? Aquí esta la reseña que buscará responder a esa pregunta, les presento a God Eater.


Ficha técnica
Nombre: God Eater
Director: Takayuki Hirao
Estudio: Ufotable
Capítulos: 13
Emisión: 12 de julio del 2015 a 26 de marzo del 2016.


¿De qué trata?


La historia nos ubica en un mundo post-apocalíptico, donde la humanidad vive encerrada en ciudades rodeadas por muros. Su amenaza son los Aragamis, monstruos de distintos tamaños y formas que comen todo a su paso. Para defenderse de ellos están los God Eaters, soldados entrenados en el uso de los God Acrs, las únicas armas que pueden matar a las criaturas (cualquier semejanza con otras series es mera coincidencia).

Narrativa dispar


Podría decirse que la historia es desechable por no mostrar nada más que a la humanidad sobreviviendo. Sin embargo, no lo es completamente, en algunos puntos se sentirá que la trama avanza lentamente. Esto juega a su favor porque, a diferencia de otras series, no están perdiendo el tiempo con subtramas que desvían la narrativa de tal forma que se pierda el hilo de la historia. Aunque es en los últimos capítulos cuando empieza a avanzar y solo se muestra para dejarte con ganas de más, peor es nada. Otro punto positivo son los pequeños flashbacks que usan para explicarte el origen de los Aragamis. Pueden llegar a ser cansados, por más cortos que sean y debido a los tecnicismos que usan si no pones atención desde el principio será fácil perderte; fuera de eso, son bienvenidos al exponer las razones de por qué la humanidad se encuentra al borde de la extinción. Como podemos ver este apartado tiene salvación, la explicación de los Aragamis, junto con lo que nos dejaron al terminar, parece darnos un indicativo de que las cosas se podrían poner mejor, si dejas pasar algunas cosas puede llegar a interesarte por más parsimoniosa que sea.


El apartado que menos resalta son los personajes. Es cierto que al ser un mundo post-apocalíptico con monstruos amenazando constantemente a la gente, no vas a ir con una actitud alegre; pero el problema radica en que estos se dividen en dos categorías. Los principales, inexpresivos y bad-ass, que solo pueden llegar a ser atractivos para las personas impresionables. No tienen ninguna cualidad más allá de verse geniales al pelear, su desarrollo consiste únicamente en ponerles tragedia tras tragedia, lo cual es entendible al mismo tiempo que exagerado por el sobre uso. Por otro lado, están los que pasan sin desarrollo; con una actitud regular para equilibrar la balanza; sin hacer algo importante; con la única función de ser el soporte de los protagonistas. En resumidas cuentas, no todos pueden mostrar otra emoción más allá de tristes, enojados y determinados y quien lo hace no tiene relevancia alguna. Ninguno tiene chiste, a lo mucho son pasables, funcionan a medias en el mundo que están pero por nada se podrían considerar como algo positivo.

Al tener un concepto semejante con otros animes se debe buscar algo que la haga sobresaltar, en este caso serían los Aragamis. Al ser monstruos que solo pueden ser combatidos por los God Arcs, significa que todas las demás personas que no son God Eaters están completamente indefensos, aún con armas de alto calibre. Esto lleva momentos de tensión, impotencia y desesperación tanto a los protagonistas como al espectador. Los Aragamis vienen en diferentes presentaciones para dar variedad a los enfrentamientos y situaciones, más porque hay algunos Aragamis a los que solo los más experimentados pueden hacer frente. Todo esto puede sonar como algo positivo si no fuera por el antes mencionado exceso de shock factor. Sin embargo, fuera de ellos no hay nada que le dé identidad al anime, sin mencionar que estos tampoco son del todo un punto completamente fuerte, pues solo son bestias que matan porque así lo necesita la trama.

En esta imagen podemos ver un resumen de toda la trama y narrativa de God Eater


Maravilloso trabajo técnico


La animación es espectacular, como se espera del estudio Ufotable. Puede que los diseños desagraden a varios por parecer plastificados -en lo personal me gustó-, pero se pueden dejar por no sentirse repetidos y al ver las increíbles escenas de acción. La fluidez de las peleas y el dinamismo dejarán a muchos pegados frente a la pantalla, esto se nota más en los últimos capítulos al mostrar constantes combates sin bajar la calidad. Parece ser que el tiempo que se tomaron les sirvió para mejorar, porque, antes de eso, los episodios comenzaron a tener un ligero descenso de animación. Es el segundo punto con mayor fuerza que tiene God Eater y merece ser aplaudido.

Si la animación es lo segundo mejor, ¿qué es lo primero? la música. Es de los mejores soundtracks que podrías darte el gusto por escuchar. Esto se hace más evidente en varias escenas con la música sobresaliendo, enfatizando mucho lo que ocurre. Los momentos van desde los tristes, los de acción, hasta cuando el protagonista se decide a hacer algo. Escucharlo por separado esta más que recomendado, de la misma forma que lo es buscar las partes mencionadas. El opening y ending son genéricos y no tienen nada de especial. Si tienes que quedarte con algo de este anime que sea con la música.

"Quiero matar a todos los Aragamis"
-Lenka Utsugi-
(¿Dónde escuche eso antes?)

Lo que nos dieron después de casi 6 meses esperando


No se debe negar el gran peso que tenía este anime por la larga espera, sobretodo por quienes la siguieron cada semana hasta la pausa. Esperar fue una decepción aceptable... si lo único que esperabas eran peleas. Fuera de la animación y música, God Eater tiene poco que ofrecer, más si lo comparamos con otros animes de temática semejante. Si solo quieres ver peleas contra monstruos con mucha sangre de por medio (sin llegar al gore), esta es una buena opción, si buscas una buena historia o buenos personajes, estas ladrándole al árbol equivocado. Dominguero, es la palabra perfecta para describir este anime.

RECOMENDACIÓN DC: "BATMAN EUROPA"

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Con el fervor que ha causado la película de "Batman v Superman", tuve la idea de recomendar una historia del Mejor Detective del Mundo y una de el Hombre de Acero.

Pero iniciaremos con Batman.
                                                       


Titulo: Batman Europa (4 tomos)
Escritor: Matteo Casali y Brian Azzarello
Artistas: Tomo 1: Jim Lee, Tomo 2: Giuseppe Camuncoli, Tomo 3: Diego Latorre, Tomo 4: Giuseppe Camuncoli

Este arco conformado por 4 números es una aventura que nos presenta a Batman y a uno de sus villanos mas icónicos como lo es El Joker en una búsqueda por todo el viejo continente con el fin de encontrar una cura para una enfermedad a la cual fueron expuestos.

Cuatro ciudades de Europa son las paradas de Batman y en las cuales se tendrá que enfrentar a un acertijo que lo conducirá a su siguiente pista, todo con el único fin de encontrar al responsable de su enfermedad y así terminar su tregua con el Joker.






El arte es algo único que hará que nuestros ojos entren en un éxtasis pagina por pagina, este mismo arte hace que contraste cada ciudad que se visita, haciendo que el arte de fondo llegue a ser mas importante y que nuestro héroe llegue a pasar a un segundo plano, esto se hace mas llamativo cada especialmente en numero 3.


El escritor Brian Azzarello quien ha escrito varias historias conocido del murciélago sabe explotar al máximo el personaje del Joker y siempre nos presenta un villano complejo que es impredecible y que tiene muchas facetas que son desconocidas por los lectores e incluso por Batman.



Este arco me recordó mucho un capitulo de la serie de "Batman The Brave And The Bold", donde el murciélago se ve obligado a hacer pareja con el Joker para detener al Buho su contra parte del Sindicato del Crimen de América.


Este pequeño arco es una excelente oportunidad para aquellos que quieran iniciar a leer las aventuras de Batman ya que es una historia corta que nos muestra al mejor detective en una investigación de vida o muerte y para la cual no hay necesidad de leer eventos anteriores para entenderla.
Y para los fanáticos de los cómics, en especial los fanáticos de DC, creo que se les hará una historia interesante que les dejara un buen sabor de boca al ver que El Mejor Detective del Mundo logra salir triunfante sobre un plan maligno de un villano inesperado.

[Reseña anime] Ajin, despegó pero no se alzó

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Una buena primicia siempre puede ser arruinada por una mala ejecución. Esto es algo que puede ser más notable en el anime donde el humor sin sentido, el sexualizar personajes, personajes molestos, entre otros, pueden ser la causa de echar a perder toda la historia. En cambio, hay otros casos cuando desean ser serios y, aún así, todo se va al desagüe. Esto no siempre pasa, por eso muchas veces debemos terminar un anime para saber si todo está perdido, con esto en mente pasemos a la reseña de Ajin.

Ajin gif

Ficha técnica
Nombre: Ajin
Director: Hiroyuki Seshita
Estudio: Polygon Pictures
Capítulos: 13
Emisión: 16 de enero del 2016 al 9 de abril del 2016


¿De qué trata?


Los Ajin son seres humanos con la increíble capacidad de no poder morir. Debido a la amenaza que esto representa los gobiernos de todo el mundo los buscan; por suerte, solo son una minoría. Esto nos lleva con Kei Nagai, quien descubre ser uno, huyendo por los rumores de experimentos y torturas hacia los Ajin capturados. Esto lo hará pasar por diversas situaciones mientras descubre que ser inmortal conlleva a más problemas de los que podría imaginar.

Lo que pudo haber sido


La trama tendrá un avance continuo desde el principio presentando diferentes tipos de situaciones. A pesar de mandarte de un lado a otro, son contados los momentos forzados. Todo se desarrollará con suficiente fluidez para darle paso a los diversos momentos que te presentarán. Esto no la salva de problemas, el principal de ellos es la libertad que se toman al montar situaciones convenientemente dispuestas. El primero sería el grito de los Ajin -descuiden, no es spoiler, esto solo se menciona una vez en todo el anime-, aunque tenía un uso que fácilmente podía sacar de muchos problemas, aparece en el momento necesario (como todo buen deus ex machina) para que luego a todos se les olvide que existe cuando más lo necesitan. Otro detalle son las convenientes relaciones que consigue el enemigo, de la nada logra tener un genio informático hacker de su lado y a dos sujetos que sin ningún tipo de entrenamiento logran dispara un rifle desde una gran distancia con puntería precisa... (hablando de cosas forzadas). Estos puntos le quitan mucha veracidad a varias partes y lo peor es que es también a las mejores, que terminan siendo ridículas; sin mencionar que una bala de pistola regular pueda penetrar un chaleco antibalas del equipo SWAT... WTF? Puede tener una buena y constante sucesión de eventos, pero los elementos usados para ella no son los mejores ni los más verosímiles, quitándole seriedad a todo lo contado.

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Los personajes son otro apartado que hubiera mejorado si hubiera sido más trabajado. El protagonista puede no seguir el estereotipo de princeso o querer ser el héroe que el mundo necesita, pero esto no lo vuelve automáticamente un buen personaje. Es alguien frío y desinteresado que solo busca vivir tranquilamente, el inconveniente es que parece despreocupado para ser interesante, pudo tener un guión más cautivador si lo hubieran trabajado más y no solo mostrarlo como alguien sin ambiciones o personalidad. Para empeorar este elemento los demás personajes no sobresalen para nada, tenemos al amigo que ayudará al protagonista sobre todas las cosas o eventos, el enemigo loco que cree poder dominar el mundo a base de actos terroristas, el agente del gobierno quien busca a los Ajin, el científico excéntrico que sabe más de lo que dice y los demás, que son relleno sin algo para ofrecer más allá de su aportación mínima a los acontecimientos de la trama. Pudieron ser un excelente recurso para hacerte reflexionar, aunque al parecer en eso se quedarán, en un "pudieron".

El problema con los personajes va tan lejos que desperdician lo único que pudo hacer sobresalir al anime. En un momento llegan a cuestionar si son humanos; si hubieran desarrollado esa idea el resultado pudo ser completamente diferente. En lugar de eso se fueron por hacer escenas de tensión y momentos bad-ass que al final no te dicen nada. No se niega que estas están bien hechas, hasta cierto punto, pero es un recurso frecuente no solo en el anime, sino en cualquier medio. No tiene nada que lo haga sentirse diferente a todo lo demás que hay afuera, su concepto es interesante, no obstante, al igual que con el protagonista, tenerlo no lo vuelve instantáneamente en algo rescatable.

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Los problemas y puntos buenos no se detienen


Normalmente la gente juzga el CGI usado en el anime, acusándolo de verse horrible, esta no es la excepción. Los diseños son genéricos, se ven planos y muchos se parecen. Es posible que tengan una cara ligeramente más expresiva, lo cual le favorecería si expresaran más emociones aparte del enojo, seriedad, indiferencia y dolor. También tenemos los movimientos, los cuales son toscos y exagerados, no se sienten para nada naturales. Al menos los IBM (criaturas creadas por los Ajin) se ven bien por ser monstruos con aspecto siniestro, junto con las escenas de acción, que son rápidas y dinámicas, le dan un pequeño punto a favor. Este es el ejemplo de por qué solo se debe usar el CGI en el anime cuando es realmente necesario, porque queda horrible.

La música tampoco tiene algo que la haga especial. El soundtrack ambienta bien las situaciones y logra ponerte en el momento de tensión presentado. Por separado se vuelve una grata forma de disfrutarlo, las melodías tienen un tono lúgubre que gustarán a los adeptos al cine de terror o suspenso. El opening se podría considerar regular, no esta en duda que a muchos pueda gustarles. El ending si es genérico, va acorde con la atmósfera y no se siente discordancia con las últimas partes de los episodios. Se podría considerar al apartado musical como un punto positivo, es bueno, pero no es la gran cosa.

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No es necesario arriesgarse


Más allá de la primera impresión que Ajin nos puede dar, es probable que todavía tenga algo que ofrecer. Este es uno de esos casos donde en todo el anime solo pusieron las bases de la historia, para que en la segunda temporada puedan soltar toda la carne en el asador. Esto es un movimiento cuestionable, por un lado funciona y en el otro solo te hace sentir enojo por lo que mostraron. Si están interesados por verla, una buena recomendación sería esperar a que salga la segunda temporada y ver si es buena para darle la oportunidad. Esta primera temporada no es del todo mala, tiene un par de cosas que dan esperanza a la siguiente, sin embargo, sería bueno no lanzarse a verla, lo mejor es esperar a lo que está por venir para estar seguros.

[Anime que no recomiendo] Sumomomo Momomo, una mierda con M de mumumucho

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¡Hola a todos! Esta vez traigo algo distinto a lo acostumbrado, generalmente me gusta reseñar y recomendar series, películas y mangas que creo valen la pena. Sin embargo, hoy aporto la serie que ocupa el primer lugar en mi lista de "basuras que nunca debí haber visto"; se trata de Sumomomo Momomo, una serie que pretende ser comedia escolar... Un intento bastante deplorable.

Sumomomo Momomo wallpaper hd

Ficha técnica


Director: Nobuaki Nakanishi
Estudio: Studio Hibari
Cadena televisiva: TV Asahi
Emisión: octubre 2006 a marzo 2007
Episodios: 12


Un argumememento repetitivo


Sumomomo momomo gif
Así de fuerte, y aún así no puede defender a su familia...
¿Alguien habló de misoginia?
Momoko Kuzuryū es una chica perteneciente a una familia de artistas marciales identificados por un signo zodiacal chino. Cada familia lucha por mantener su lugar como familia privilegiada y reconocida dentro de las dinastías zodiacales. Resulta que nuestra protagonista es la siguiente en la línea familiar bajo el signo del dragón, de hecho, es increíblemente fuerte, aunque su verdadera fuerza sale sólo en situaciones críticas -¿alguien dijo cliché?-. Hasta aquí todo suena bien; sin embargo, Momoko debe engendrar un hijo poderoso que defienda el honor familiar, puesto que una mujer no puede hacerlo; para esto, quiere y decide convertirse en la esposa de Kōshi Inuzuka, un chico en edad colegial común y corriente, muy inteligente pero bastante débil -¿cliché de nuevo?-. Desde el momento en que Momoko interviene en la vida de Kōshi, la historia se desarrolla básicamente en la chica tratando de seducir al chico y el chico negándose rotundamente, en otras palabras, un pendejo que trata de preservar su virginidad a toda costa... Todo esto por medio de una especie de comedia colegial que no tiene nada de graciosa, de hecho es tan repetitiva como su nombre -¿cliché, dónde?-.

¿Por qué no deberías ver Momomomo Sumomo?


Sumomomo momomo gif
Es gracioso, ¿cierto?
No tanto cuando se repite una y otra y otra vez...

1. La historia tiene un argumento estúpido y por demás misógino: una heredera muy poderosa de una reconocida familia de artes marciales que debe casarse y tener un hijo para proteger su familia... ¿Cómo es posible que una luchadora tan fuerte y con un poder oculto tan dramático sea incapaz de defender su su familia sólo por ser mujer? Basura misógina diría yo...

2.¿Fanservice? Demasiado, sin embargo, un intento poco satisfactorio diría yo, nada más que decir.

3. Aunque se trata de artes marciales y comedia romántica, en artes marciales se queda corta: las peleas no tienen gracia alguna, y la comedia romántica es más predecible que lanzar una moneda con dos caras iguales. Uno podría (ojo, podría) reírse la primera vez, pero cuando eso sigue y sigue y sigue se torna aburrido y hasta molesto.

4. La animación es triste y el diseño de personajes es aburrido y poco agradable, de hecho, en momentos Momoko .

5. Aunque no suelo utilizar esto como parámetro, intenté verificar si de algún modo el opening o el ending valía la pena... No son nada del otro mundo.

Últimas palabras


Sumomomo momomo gif


Ver esta serie fue uno de los mayores desperdicios de tiempo de mi vida; esperando que algo bueno sucediera le daba una oportunidad al finalizar cada capítulo, pensaba "al rato y algo interesante ocurre en el siguiente", grave error... Pensé en darle oportunidad a la comedia, la primera vez me reí, la segunda me hizo gracia, la tercera, cuarta, quinta, etc... ¿qué puedo decir?

Esta vez, como no tengo mucho que decir -aparte de todo lo anterior- "robaré" las palabras de dos colegas que me van a servir en gran medida para cerrar lo que pienso de esta serie. Cuando descubrimos que efectivamente hay gente que le gusta esta serie, mi compañero Enrique Mozqueda mencionó "tengo la suposición de que a la gente le atraen las series escolares porque su vida escolar es aburrida y desean que sea como en el anime, sin importar cuál sea". Palabras muy ciertas si nos referimos a quienes gustaron de Sumomomo Momomo.

Otro compañero, JackDarkTemplar me dió una opinión bastante fuerte que me doy el gusto de compartirles: "ver Sumomomo Momomo es una de las peores experiencia que he tenido el desagrado de enfrentar en mi vida. Preferiría ser obligado a jugar RE5 o leer el manga Pastel antes de  volver a leer este asco de manga [mi opinión de RE5 difiere un poco, pero ese no es el punto, además, esto me da una idea de que el manga es tan malo como el anime]. Si me pidieran resumir mi opinión de SM diría que tiene una "m" por cada nivel de mierda que ha alcanzado y una "o" por cada obcisa neurona que me quedó después de leer solo 3 capítulos". Algo fuerte... ¿no?

En fin, por su bien, o si tienen buen gusto, les recomiendo NO ver esta serie nunca, sería la acción más tonta, repetitiva y sin gracia que pueden llegar a hacer. Sin más que decir, espero haberte convencido de no ver esta serie y te agradezco el haber leído, ¡hasta la próxima!

Sumomomo momomo gif
¿Más comedia sin sentido?


¿Qué te ha parecido? ¿Ya has visto Sumomomo Momomo? ¿Cuál es tu opinión de ella?
No dudes en comentar

[Reseña]Hellboy "Buster Oakley obtiene su deseo"

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Una historia muy divertida sobre el Demonio de Mignola que se introduce al mundo de los OVNI´S.


Empecemos con la reseña; En Nebraska para ser mas exactos en el condado de Rooks unos chicos dentro del bosque observan a un joven llamado Buster hacer un ritual con el cual el planea llamar a los demonios del averno con el fin de hablan con ellos, esto se ve inesperadamente interrumpido por una luz cegadora sobre Buster.


Al siguiente día, un granjero guía a Hellboy a una escena donde observa a una vaca partida a la mitad, el viejo granjero le achaca la desaparición y muerte de su ganado a los chicos que se juntan en el bosque para hacer lo que el cree son locuras de la nueva juventud.


Al adentrarse en el bosque con el fin de encontrar algo que les ayude con las desapariciones solo encuentran un viejo libro de hechizos tirado en el suelo.


Hellboy decide esperar hasta la noche que es cuando los chicos siempre se juntan para seguir con la búsqueda, decide ir al mismo lugar donde entro el libro pero cual es su sorpresa al ser aducido por una nave extraterrestre.



Al estar dentro de la nave se topa con alienigenas de color gris que intentan someterlo para meterle una sonda, lo cual es un chiste al clásico trato que le hacen los extraterrestres a lo abducidos.


Hellboy no ve con buenos ojos que le introduzcan una sonda, así que decide pelear contra los extraterrestres que con una serie de armas intentan someterlo, Rojo hace lo posible por no ser derrotado y al ver que los aliens son mayoría, decide liberar a un humano con el cual han experimentado y ahora tiene cabeza de vaca, así es nada mas y menos que Buster.


Hellboy y Buster logran mantener a raya a los extraterrestres al grado que el vuelo de la nave haya sido captado por los habitantes del pueblo y esto hace que los aliens decidan liberarlos y así poder marcharse.


Al ser liberados una horda de gente cree que son alienigenas y van tras ellos con el fin de atraparlos pero se terminan desilusionando al ver que se trata de Hellboy, Rojo se distrae por esta situación y pierde de vista a Buster el cual se escapa y se escabulle en el bosque atemorizado por su nueva apariencia.


Meses después solo vemos a Buster quien ahora es usado como centro para los rituales de otros chicos que buscan comunicarse con los demonios del inframundo.


MORALEJA:
No desees cosas que podrían no gustarte al suceder.

Primeras impresiones - Temporada Anime Primavera 2016

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¡Hola a todos! Esta vez les traemos las primeras impresiones de esta temporada, algo que no es común en lo que generalmente hago, sin embargo, con la ayuda de Enrique Mozqueda hemos preparado nuestra opinión de algunas de las series de esta temporada primavera 2016; que publicamos hasta ahora por esperar al menos tres capítulos y así tener una mejor idea (o al menos más realista) de cada serie. Para que tengamos claro esto, es un trabajo conjunto, entonces yo he trabajado cuatro series: Terraformars Revenge, Uchuu Patrol Luluco, Endride y Mayoiga; Enrique, por su parte, nos trae Gyakuten Saiban: Sono "Shinjitsu", Igi Ari!, Joker Game, Kiznaiver, Sousei no Onmyouji y Flying Witch. Veamos que ofrece la temporada, esperamos y la disfruten.


Terraformars Revenge



TerraFormars revenge


No sé qué decir, un cambio drástico en la animación, pero con el cambio tan grande en la producción era de esperarse. No hay censura, ¿para qué censura, si no hay nada que censurar? No soy tan fanático del gore, pero esperaba mucha más sangre y desmembramientos, como en la primer temporada (el problema de cambiar estudios de animación). La animación sí muestra buena fluidez, sin embargo, el diseño de los personajes no me gustó (parecen sacados de alguna serie juvenil o algo) y, lo que más me decepcionó, el cambio en la actitud de Michelle Davis; ella era mi personaje favorito en la primer temporada y ahora se ve como una protagonista de un anime de colegiales: pasó de ser una altiva badass a ser una sonriente y sentimental tsundere. En fin, no me deja la mayor impresión, aunque quiero seguir la historia porque simplemente me gusta.

Uchuu Patrol Luluco


Uchuu Patrol Luluco wallpaper


Una serie extraña pero bastante divertida, de esas que uno ve para salir del aburrimiento un rato, y digo un rato tomando en cuenta la duración del capítulo. Un estilo que resalta la extravagante comedia de la serie y una historia común pero adaptada de una forma diferente: una estudiante normal que por coincidencia debe convertirse en un tipo de heroína policíaca. Creo que vale la pena seguirle el ritmo. Les recomiendo verla como una buena opción para salir un rato de lo convencional.

Endride

 Endride wallpaper

Una serie de fantasía que podría dársele una oportunidad. La historia inicia con un tipo que vive interesado en la piedras preciosas, el cual buscando en la oficina de su padre, se transporta mágicamente a otro mundo por culpa de un extraño diamante, un mundo subterráneo donde algunos individuos sacan armas de sus pechos para combatir. Aunque el inicio es algo forzado, me gustaría averiguar cómo continúa la trama y cómo se va a desarrollar la historia de este nuevo mundo y sus habitantes. Algo que me pareció muy curioso fue ver un tipo muy similar a Leomon (de Digimon), pero eso es sólo una curiosidad. En fin, creo que se le puede dar una oportunidad a Endride, aunque con poca expectativa.

Mayoiga




Un grupo de desconocidos deciden empezar una nueva vida en un pueblo aún más desconocido llamado Nanakimura, del que se sabe poco realmente: unos cuentan algunas cosas que han escuchado y otros creen que es solo una leyenda urbana; en fin, es un lugar al que nadie que no haya estado antes pueda llegar fácilmente. Una serie llena de misterios y enigmas, creo que es difícil esperar una semana para saber qué sigue. Me gusta como se ve esta, creo que es una serie prometedora en varios aspectos, solo espero que cuando comience el desenlace no salgan con alguna tontería que le quite la gracia.

Gyakuten Saiban: Sono "Shinjitsu", Igi Ari!


Gyakuten Saiban: Sono "Shinjitsu", Igi Ari!


Aunque el mayor contacto que he tenido con Phoenix Wright es en Ultimate Marvel vs Capcom 3, sentía que esto era algo que tenía que ver. Si es una buena adaptación o no, se lo dejaré a los conocedores de la franquicia, porque nunca he tenido la oportunidad de jugar sus títulos. Sin embargo, no se puede negar lo entretenido que es, el cómo no se toma en serio junto con tomarse en serio en determinadas ocasiones, suena a contradicción, pero al verlo se darán una idea del porque de esto. Si quieren pasar un rato agradable denle un par de episodios, seas o no fan de los juegos.

Joker Game


Joker Game


Un anime que parece salirse de lo establecido. Con eso me refiero a que no hay chicas moe, ecchi, comedia o elementos exagerados. Trata de una agencia que entrena espías para que Japón no tenga la ventaja en las guerras por venir, para ser más exacto la segunda guerra mundial. Se mantiene serio con lo que plantea y contiene un guión que debes prestarle atención para no perderte de nada. Aquí si te distraes puedes perder el hilo de la historia fácilmente, aunque las conversaciones para nada son desechables, son interesantes, tal vez no se sientan tan atractivas, pero funcionan por como conectan los acontecimientos. Si quieres ver algo serio y, hasta cierto punto, realista este anime puede ser la opción indicada si no se lanzan algún elemento de fantasía por ahí perdido, solo esperemos no volver a pasar por otro Gangsta.

Kiznaiver


Kiznaiver


Personalmente lo estoy viendo solamente porque me gusta el estilo de animación de Trigger. Fuera de eso, la primicia es interesante al hacer que un grupo de personas compartan el dolor entre ellos y alguien que no siente dolor. A pesar de lo atractivo que suena, sufre un problema que se podría agrandar con el paso de los episodios: el protagonista. Es un personaje que se siente seco y sin ningún tipo de atractivo. Hasta ahora no ha causado mayor problema, pero esta la duda si seguirá siendo molesto hasta el final de la serie o si tendrá un cambio gradual mientras avanzan los capítulos (siendo un anime lo más seguro es que pase lo primero). Aun con este detalle, los personajes secundarios se ven simpáticos y el diseño sigue con su estilo, esperemos que con esto valga la pena.

Sousei no Onmyouji


Sousei no Onmyouji

Una serie promedio de un par de adolescentes de 14 años que son los mejores exorcistas. La serie usa el factor de victimizar al protagonista con un pasado trágico (que no es del todo claro y muy probablemente lo aclaren hasta los capítulos finales) para que este tenga dudas al pelear y así tener la posibilidad de crear momentos de tensión, es decir, de la forma barata. La chica es una rara combinación entre una Tsundere y una Kuudere, no se le puede llamar molesta porque no han mostrado nada de ella más allá de querer ser la más fuerte, es cierto que apenas van 3 capítulos, pero es la protagonista, deberían mostrar más. El apartado visual es extravagante y combinado con el musical crean una excelente atmósfera loca de peleas, semejante a Noragami. Es una serie del montón, sus peleas están bien, pero por lo que se vio en el capítulo 3 parece que serán reducidas a cuadros congelados con lineas de movimiento. No hay nada que valga la pena, lo único bueno que presentó se va al desagüe rápido y los personajes no parecen que vayan a ser interesantes, así que no recomiendo verla.

Flying Witch


Flying Witch


¿Por qué estoy viendo esto?, ¿Por qué me gustaron los primeros dos capítulos?, ¿Por qué espero verme el tercero?, ¿Por qué no me aburre el slice of life de una bruja?, ¿Por qué la música es tan buena si solo es ambiental?, ¿Por qué no dejo de escuchar el opening?, ¿Por qué encuentro interesante una serie donde, seguramente, no pasará nada? Ahora no tengo las respuestas, lo único que tengo es el deseo de seguir la serie hasta poder responderlas. Pensándolo bien, luego de una semana viendo casos criminales, juegos de espías, empatía a base de dolor físico, exorcistas con peleas locas y un largo etcétera, ver esto un fin de semana relaja mucho.

Finalmente, esperamos les haya gustado y claro, nos gustaría saber su opinión de estas y otras series de esta temporada primavera 2016, no duden en comentar :-) 

 

Uchuu patrol luluco gif

Galeria de Cosplay en Concomics Abril 2016

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La  Concomics Guadalajara  se realizó los pasados 16 y 17 de Abril. El evento está enfocado en anime, cosplay y videojuegos. Entre otras cosas, hubo conferencias, conciertos, y torneos de videojuegos así como muchos cosplayers. Aquí les dejo algunas fotos de variados cosplays (más de 50 diferentes).



































Las siguientes 3 fotos son de los invitados cosplayers de otros países, Buterfly cosplay, Sara Tousabao y Misa Chiang





















































Si aún quieren ver más fotos los invito a visitar el facebook de "Cultura Cosplay" 


[Reseña]TDKR III "THE MASTER RACE" Libro 2 (Parte 2 de 2).

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WONDER WOMAN




Lara regresa Themyscira donde su madre la espera para su entrenamiento, Wonder Woman le menciona su inpuntualidad y en su mente piensa que su hija esta en la etapa de rebeldía donde todos los jóvenes creen saberlo todo.


Lara en cambio se muestra sin emociones y cualquier palabra que menciona su madre ella responde automáticamente como un juego de tenis.


Diana quien siempre lleva a la espalada a su hijo le hace ver a Lara que ella es Amazona y que el entrenamiento en parte importante de la vida de las guerreras y que para ser como ella tiene que entrenar.

Lara siempre a la defensiva piensa que su madre se ve reflejada en ella, lo cual le molesta mucho ya que ella siempre ha sentido mas afecto al lado Kriptoniano de su padre.


Diana le lanza una espada para que se defienda, y así comienza una pelea donde solo ataca Wonder Woman y Lara usa su velocidad para escapar de la espada, Diana se observa cansada y algo molesta por la actitud de su hija ante la vida de Amazona que intenta inculcarle.



Esta molestia hace que un ataque vaya directo al pecho de Lara pero ella ni se inmuta y lo recibe, rompiendo la espada en pedazos.



Para simplemente mencionarle a su madre: "SOY KRIPTONIANA"


¡CONTINUARA!

[Reseña Cine] Capitán America: Civil War (Sin spoilers)

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Se podría decir mucho de las películas de Marvel, pero una frase que se ha vuelto frecuente es que se han estancado. Esta afirmación no es del todo descabellada, nos han entregado bodrios como Iron Man 3 y Age of Ultron, las cuales no se discute su pésima calidad. Sin embargo, todavía podemos salvar varias tales como: Guardianes de la Galaxia, Ant-Man y Captain America: The Winter Soldier. Ahora pasaremos a ver en que lugar se ubica la que dará por terminada otra trilogía del MCU, hablamos de Capitán America: Civil War.


Ficha técnica
Nombre: Capitán America: Civil War
Director: Joe y Anthony Russo
Productor: Kevin Feige
Guionista: Christopher Markus y Stephen McFeely
Música: Henry Jackman
Productora: Marvel Studios
Fecha de estreno: 29 de abril del 2016


¿De qué trata?


Después de que los Vengadores regresaron de una misión que tuvo bajas inocentes se dan cuenta que no todos los tratan como héroes. Al mostrarles que esto ha ocurrido en todos sus grandes enfrentamientos es cuando les revelan el Acuerdo de Sokovia, lo que volvería a los Vengadores un organismo internacional bajo las ordenes de los gobiernos, esto crea opiniones divididas entre Steve Rogers y Tony Stark. Las cosas solo empeoran cuando descubren que Bucky es un criminal buscado, haciendo que las cosas se pongan más tensas en el equipo al grado de llevar al conflicto físico y a consecuencias graves.


Marvel no solo sabe hacer comedia


Al ver la historia podemos darnos cuenta de un diferente tono en la narrativa. En Age of Ultron desde el inicio nos mostraron un tono de comedia que desentonaba con la temática oscura que nos vendieron. En este caso si habrán chistes, pero son dejados de lado para que cada personaje de su punto de vista de forma seria, mostrando una atmósfera de tensión constante por el choque de opiniones de cada situación presentada, se siente un buen equilibrio entre estos elementos pues ninguno contrasta con el otro. Esto es un verdadero logro, no solo en el MCU, en el medio cinematográfico es algo complicado manejar este tipo de transiciones, sin duda es un excelente avance para esta compañía.

En cuanto a personajes podemos observar un interesante punto a favor. Al tener tantos y ser solo una película era comprensible que no todos sean desarrollados o estarían a medias, sin embargo, se hace un excelente esfuerzo. La gran mayoría mostrará su postura ante el Acuerdo de Sokovia, lo que definirá su papel en el conflicto, otros pocos tendrán sus propias cuestiones que tendrá relación con lo estipulado para decidir su bando. Estos últimos son los que llaman la atención, porque aunque sus apariciones son escasas, al mismo tiempo no son desechables, te dan una probada de lo que podremos ver a futuro; terminan siendo relegados rápido y no tienen mucha importancia en el contexto general, pero sus incursiones son bienvenidas por la diferente perspectiva que dan al conflicto. El enemigo solo sobresale en lo que respecta al MCU, es más manipulador y no busca enfrentarse contra los héroes de forma física sino mentalmente, logra estar arriba del estándar, no es como si este fuera alto en primer lugar (Nota: no se habla de Crossbones, su relevancia y aparición es la misma que Batroc en Winter Soldier). Se puede notar un mejor trabajo en los personajes, los cuales no son pocos, su trato está bien manejado y todos tienen, por lo menos, su mínima aportación.

"Si no aceptamos ciertas limitaciones, no somos mejores que los malos."
-Iron Man-


Cuando los buenos se enfrentan ¿quienes son los malos?


El principal conflicto que se desarrolla es quien le rinde cuentas a los Vengadores. Nos muestran el lado que las películas anteriores ignoraron (con una ligera excepción en Vengadores) al mostrarnos los daños colaterales de las bajas civiles, generando un conflicto entre todos al grado de preguntarse si, en algún momento, ellos tuvieron la culpa de alguna forma. Esto es algo que se remarca mucho en Iron Man, el como busca hacer las cosas bien trabajando para el gobierno, sobretodo para no perder la confianza de la gente. En cambio, el Capitán América no estará del todo acuerdo, él cree que el equipo no debería estar atado a procesos políticos pues las emergencias deben ser respondidas inmediatamente. Todo esto será puesto en escena a través de diferentes diálogos entre ellos dando razones de peso sobre el porque de su elección, creando el ambiente tenso para las siguientes escenas.

Este conflicto empeora cuando Bucky es considerado un enemigo público y ambos bandos van tras él. Es aquí donde los demás deberán escoger un lado tomando en cuenta su postura ante el acuerdo y sus dilemas personales. En esos momentos las consecuencias del acuerdo son más notorias, aunque descubren al enemigo, la desconfianza es tal que ninguno escucha razones, es obvio quienes son los antagonistas, no obstante, eso no quita que se cuestionen las decisiones de ambos lados. Al terminar la película te deja un sabor extraño (no es que esto sea malo), pues no se podría considerar como un final feliz, la división se pudo resolver en cierto grado más no quita lo fracturado que quedaron todos.


Los argumentos de cada lado son validos, dejando al espectador la elección de cual era mejor. A pesar de que ningún personaje llega a cambiar de perspectiva, no dejan de tener un gran peso en todo lo ocurrido. Obviamente las palmas van hacia Iron Man y Capitán America, quienes dejan sus ideas claras y elocuentes, a pesar de mostrar claramente que el primero es el antagonista (como se mencionó antes) sin embargo, esto no lo desacredita para nada. También se debe admirar como muestran una diferente faceta de Tony Stark, la cual solo potencia sus reacciones a las diversas situaciones, para alguien que habían mostrado como un bromista sarcástico y que su desarrollo en Iron Man 3 haya quedado a deber, esta es una excelente forma de seguir su evolución. Los dilemas de cada uno serán puestos a prueba en al pantalla a tal grado que las palabras no serán suficientes, las repercusiones y cicatrices que quedarán en ellos esperamos verlas en próximas entregas, todo esto representa un excelente paso para el MCU.

Elementos que complementan bien la película


Hay tres cosas que hacen a la película más amena, Spiderman, Black Panther y las escenas de acción. Con el primero es entendible el porque no aparece mucho tiempo y su relevancia sea nula, ya que solo fue su presentación. Era obvio que su aparición en los trailers era para vendernos la película y si esperabas que tuviera importancia en la trama entonces estabas pidiéndole peras al olmo (no es como si en el cómic la tuviera). Decir que es el mejor Spiderman de los tres no suena tan descabellado cuando lo ves en acción, su punto más fuerte es el nunca callarse, dándole un aire que nunca vimos completamente en las 5 películas anteriores, el adolescente que oculta su miedo con palabrería. Puede que su aparición sea forzada, pero no le quita los méritos que ganó y deja bien el terreno para su próxima película en solitario.


El rey de Wakanda, Black Panther, llegó para robarse parte de la pantalla. A diferencia del anterior mencionado este no solo tiene desarrollo también muestran su evolución. Puede que esta última sea apresurada, no obstante, nos dan una buena muestra de lo que nos deparará en el futuro. Tiene razones fuertes para unirse a la lucha y su papel tiene importancia con varios acontecimientos. Es una lastima que tengamos que esperar bastante para ver su película en solitario, pues lo que mostraron promete mucho y no hay duda de que habrá gente que se quedó con ganas de más.

La acción es un deleite para los ojos. Son escenas fluidas, donde los golpes vienen y van con una consistencia increíble. Esta vez se logró hacer un buen equilibrio para estas, el gran guión es seguido por alguna mostrando motivos plausibles para empezar el combate. Al mismo tiempo, los efectos especiales ayudan a mantenerte inmerso en los enfrentamientos, aunque si la ves en 3D será común que se vean de baja calidad o se note un mal CGI. Ambos son un excelente acompañante para la película y uno de sus mejores elementos.

"Este trabajo. Intentamos salvar a toda la gente que podemos, eso no siempre significa que serán todos, pero no te rindes"
-Capitán América-

Lo mejor de Marvel hasta le fecha


Capitán America: Civil War, es la prueba definitiva de lo que Marvel puede hacer. Con una trama bien narrada, un guión que sabe moverse por la seriedad y comedia, muchos personajes con su debida importancia en los momentos precisos y escenas de acción increíbles, esta fácilmente puede coronarse como la mejor del MCU. Para los que declaraban que estas películas solo sabían hacer comedia, pueden ver como les cierran la boca de forma épica. Es un verdadero logro y la muestra de que los hermanos Russo van por buen camino para Infinity War por más ambiciosa que sea. Si no la han visto, no sigan perdiendo el tiempo y vayan a verla.

¿Ya la vieron?, ¿Qué les pareció?, ¿De qué lado están?

[Reseña anime] Tokyo Ghoul, o cómo convertir un pendejo en héroe.

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¡Hola a todos! El día de les dedico esta reseña anime de Tokyo Ghoul, su trama, personajes iniciales y valoración; y no sólo eso, analizaremos de manera profunda a su protagonista, Kaneki Ken. ¿Es Kaneki Ken un verdadero Badass, o sólo un pendejo disfrazado? ¿Realmente es un protagonista valioso o simplemente un engrane más para enlazar la historia de los otros personajes? Estas preguntas y más tendrán su respuesta al final de este artículo -espero-; pero primero vamos a darnos una idea de la serie. De antemano menciono que este trabajo está basado únicamente en la adaptación al anime, por lo que cualquier argumentación referente al manga estará fuera de contexto. Además, como es costumbre, me gusta trabajar las reseñas evitando al máximo el spoiler, por lo que algunos detalles serán omitidos a propósito para lograr ese fin; a excepción de un apartado que contextualice el encuentro con Kaneki Ken y cómo éste da pie a la historia, es necesario algo de spoiler para poder dar una imagen clara del asunto. Sin más que hablar, los dejo con Tokyo Ghoul.

Tokyo Ghoul wallpaper hd

Ficha técnica


Título: 東京喰種トーキョーグール - Tokyo Ghoul.
Estudio: Pierrot (ambas temporadas).
Año: 2014 y 2015 (temporadas 1 y 2 correspondientemente).
Director: Shuhei Morita.
Capítulos: 12 por temporada.


Argumento

 

Tokyo Ghoul gif


En la ciudad de Tokyo se registran ataques de Ghoul de forma irregular, donde el atacante parece ser sólo una bestia voraz sin algún plan en realidad, algo que cofunde al equipo de investigación encargado del área. Los Ghoul son seres con poderes sobrenaturales cuya fuente de vida es la carne humana, éstas criaturas poseen una apariencia humana y -según parece- todos los sentimientos que cualquier humano posee (ira, miedo, odio, angustia, etc.), pero además de eso, poseen un arma natural que les convierte en individuos altamente peligrosos: los kagune, una extensión de su cuerpo que les da habilidades sobrehumanas de muy diversas características. Un equipo especializado en combatir a los Ghoul despliega un trabajo de inteligencia que da inicio a una guerra armada por la supervivencia de la especie más fuerte.

De humano a Ghoul, conociendo a Kaneki Ken.

 *Alerta de spoiler

Inicialmente encontramos a Kaneki Ken, un chico estudioso como cualquier otro, que se interesa mucho por leer y que "no mataría ni a una mosca". En medio de una serie de sucesos casi aleatorios, logra concretar una cita con una chica que le despierta mucho interés, Rize Kamishiro, que concuerda en gustos con Kaneki de forma maravillosa. Al finalizar su cita, Rize lo convence de acompañarla a su casa, viaje que resultará fatal para el pobre chico. Rize devela su verdadero yo (un Ghoul) y se dispone a devorar a Kaneki como usualmente lo hace con sus presas: brutal y sanguinariamente. Por un momento logra su objetivo, hasta que un accidente lleva al depredador a morir bajo una montaña de escombros, al lado de su presa ya convaleciante. Kaneki despierta en un hospital casi intacto, a excepción de algunos órganos que le transplantan de -adivinen quién- Rize. Hecho esto Kaneki se convierte en un medio Ghoul, que desde este momento debe alimentarse y adecuarse a la vida de uno. Aquí comienza la historia y desde este momento vemos la trama girar en torno al Ghoul de un solo ojo.

Personajes


Tokyo Ghoul characters wallpaper hd

Aunque la serie cuenta con una buena cantidad de personajes, en este caso describiré a cuatro de ellos, los que dan inicio al arco argumental de la serie misma, éstos son Kaneki Ken, Rize Kamishiro, Touka Kirishima y Hideyoshi Nagashika.

Kaneki Ken

 
Kaneki Ken gif
Kaneki Ken, en una de sus mariconadas

El protagonista principal de la serie, el chico dulce y estudiososo que se convierte sin querer en un Ghoul, o al menos en parte... Durante su travesía como Ghoul, debe redescubrir quién es y qué va a hacer para sobrevivir, tomando en cuenta que ahora su dieta está basada principalmente en carne humana, debe debatir internamente sobre cómo alimentarse y qué hará con su vida desde este momento.

Rize Kamishiro


Tokyo Ghoul Rize gif
La hermosa y sádica Rize


Debo admitir que es un personaje fascinante, una chica -en apariencia- dulce y estudiosa, amante de los libros y que tiene la imagen de ser débil e impotente (argumento que utiliza para llevar a Kaneki hasta su trampa). Rize tiene especial importancia en la serie puesto que al momento de utiilizar algunos de sus órganos en Kaneki, parte de su consciencia queda dentro de él; ésto genera fuertes discusiones en la mente del muchacho donde el uno trata de seguir manteniendo su humanidad y la otra trata de arrebatársela y convertirlo en un Ghoul "hecho y derecho".

Hideyoshi Nagashika


Tokyo Ghoul Hideyoshi gif
El amigo siempre leal

El mejor amigo de Kaneki -casi el único amigo que tiene-, un chico común y corriente, bastante alegre que no tiene problemas en hablar de forma extrovertida y relacionarse con las personas. Aunque no es un Ghoul y tampoco conoce lo sucedido a su amigo, su rol es fundamental para el desarrollo de la historia en Kaneki Ken; Hideyoshi es la última conexión de Kaneki con el mundo humano, y su relación es lo poco que lo mantiene cuerdo (al principio), dándole la pequeña idea de que aún puede convivir con los humanos y continuar su vida como si nada hubiera pasado. Si bien no parece gran cosa, es importante en un momento que su presencia ante el medio Ghoul hace una enorme diferencia en el comportamiento de éste.

Touka Kirishima


Tokyo Ghoul Touka gif
Touka, la gran luchadora

Es la primer Ghoul real que acoge (de mala manera al inicio) al recién llegado. Touka se muestra como una chica inteligente y esforzada, fuerte y con una voluntad inquebrantable. Touka logra lo que Kaneki tanto anhela: convivir con los humanos como uno de ellos; esto lo logra con muchísimas dificultades, para iniciar el hecho de que los Ghoul tienen una aversión visceral por cualquier tipo de comida que no sea carne humana y café (algo cuestionable pero no importa, le da un punto de discusión a la serie). Aunque agrada mucho del nuevo Ghoul, Touka es la puerta por la que Kaneki ve la posibilidad de socializar con otros de su raza y así hacer la vida más llevadera.

Kaneki Ken bajo la lupa


Kaneki Ken gif
Aunque muy rudo, se queda en pura imagen


Llega el momento difícil de la reseña: la destrucción argumental de Kaneki como protagonista.

Debo decir de antemano que la serie me gustó bastante, no vi en ella la posibilidad de ser una de esas series trascendentales que los amantes del anime de antaño conocemos, y sin embargo, aún así el argumento, los personajes y el desarrollo de la historia crean una combinación bastante agradable a mi parecer. La pequeña gran excepción, a mi criterio, es su protagonista mismo, quien pudo tener una complejidad de un nivel superior al psicológico (del que luego hablaré) y convertirse en un personaje fascinante y de ese modo obtener un lugar como protagonista trascendental; sin embargo no lo logró, a continuación les diré el por qué Kaneki Ken me parece un personaje patético y un protagonista pendejo como ningún otro:

La lucha interna de Kaneki por seguir siendo humano o convertirse en Ghoul me recordó a otro personaje pendejo de una de las series más relevantes de la historia: Shiji Ikari de Evangelion. Está bien, el hecho de pasar de ser un humano simple y bastante introvertido a un depredador voraz que se alimenta de carne humana puede generar un dilema existencial bastante pesado para la consciencia; pero, ¿lo suficiente como para durar toda una temporada -de 12 capítulos pero al fin una temporada-? No me parece, está bien uno o dos capítulos máximo para aclarar el tema, pero Kaneki desperdicia todo su potencial en eso y se convierte en carne de cañón para que hagan con él lo que quieran... Demasiado pendejo a mi gusto, un Shinji Ikari de la nueva generación***.

Kaneki Hideyoshi gif
Aún cuando es un Badass, Kaneki es un inútil emo pendejo

El dilema de Humano vs. Ghoul es una pesada carga si uno estuviera solo, pero, ¿con toda la gente que apoyó a Kaneki? Los Ghoul que le dieron un espacio para ser parte de su sociedad le apoyaron en todo momento, además de su amigo incondicional, y aún así el muy pendejo hace caso omiso de sus consejos y se vuelve el juguete de una manada de sádicos que le convierten en un primer momento en gladiador y en un segundo momento en maniquí de vivisección. Y como si eso fuera poco, abandonó sin mucha demora a todos aquellos que le apoyaron en un inicio por convertirse en un emo traumado (provocado en principio por no seguir consejos). Esto no es sólo ser un pendejo, sino un desinteresado egocéntrico.

Ahora, está bien, digamos que la primer temporada fue necesaria para que descubriera quién era en este momento y en la segunda temporada se convierte en un badass al estilo Alucard. No, a pesar de tener un poder inimaginable, Kaneki siguie siendo un títere sin voluntad propia y sigue órdenes de aquellos que en un comienzo le querían matar. Sí, se vuelve considerablemente más sádico y hasta en un momento uno piensa que ya es un badass bien formadito, pero todo eso se cae como un castillo de naipes cuando le tocan un nervio sensible hablándole de su humanidad ya pasada... Puede que eso le haga dudar un momento, está bien, pero que con eso logren partirle el cu***o y hacerle huír como un animal asustado... Demasiado pendejo para mi gusto.

Shinji Ikari gif

*** En defensa de Shinji Ikari

Cuando hago una comparación entre Kaneki y Shinji, creo que estoy siendo algo cruel con el pequeño Ikari. El punto de comparación es simplemente este: Kaneki, al igual que Shinji, posee un poder incomparable, sin embargo, ninguno lo explota al máximo antes de que algo crítico suceda. A pesar de eso, sería irrespetuoso comparar Tokyo Ghoul con Evangelion, el primero es sólo una serie más que ha sido foco de atención de una generación de otakus (en el sentido peyorativo de la palabra), el segundo fue y es una serie que ha marcado un punto de referencia en la historia del animé en general. Por esto, me disculpo con Shinji Ikari por utilizarlo para esta equiparación.

Mi valoración general.


Tokyo Ghoul wallpaper hd

Un amigo -que no ha visto la serie- me preguntó hace poco: "¿es una serie oscura y gore? ¿O sólo oscura? ¿O sólo gore?" Lo que me llevó a preguntarme lo mismo... Como normalmente ocurre con todo, realicé una comparación rápida con series de carácter trascendental que tuvieran las características de ser oscuras y góticas, la primera que se me vino a la mente fue el animé Elfen Lied, naturalmente, una obra maestra; introdujo una combinación perfectamente orquestada de una trama tan oscura y un gore tan explícito que me recordaba a algunos trabajos magistrales de ero-guro, y aún así puede tener un público bastante amplio. Luego de eso respondí: "yo no la catalogaría en uno u otro... no tiene una trama tan oscura como para ser considerada tal (la depresión crónica de Kaneki no la vuelve una trama oscura, lo siento por ustedes) y el gore no es tan impactante como en muchas otras series, incluyendo contemporáneas como Terra Formars". Por lo tanto, no, no es una serie oscura o gore, sino una insinuación de tal (le duela a quien le duela).

Pero no todo está mal, el argumento me pareció bastante bueno, no es algo tan original como se podría pensar, pero debo admitir que el desarrollo de los personajes y cómo todos ellos iban entrelazando sus vidas en la historia me pareció una argumentación bastante sólida.

Los personajes de forma individual me parecieron fascinantes, Rize en un principio me pareció una protagonista formidable que sin duda me atrajo a seguir la serie; Hideyoshi demostró una constancia increíble para con su amigo y su papel en un momento avanzado de la serie le hace merecer mención; los Ghoul que reciben a Kaneki como uno de los suyos traen consigo una serie de historias que sinceramente me dejaron ese sentimiento de "quiero saber de dónde vienen, quiénes son, cómo van a continuar en la historia"; entonces puedo decir que los personajes me encantaron (a excepción de Kaneki obvio).

Para concluir haré un pequeño recuento: la serie es rescatable, no puedo negar que al principio me gustó mucho el asunto de los Ghoul y las fuerzas policíacas armadas hasta los dientes para combatirlos; pero todo eso vale poco cuando Kaneki desperdicia capítulos haciendo absolutamente nada. Luego, los personajes son todos muy interesantes, desde los primeros y más conocidos hasta aquellos con pasados desconocidos e historias inesperadas. Creo que en general es una buena serie, si no fuera porque se ha hecho de su protagonista un héroe que en realidad no es más que un pendejo.

Tokyo Ghoul Rize Kamishiro gif

¿Qué te ha parecido? ¿Qué opinas de Tokyo Ghoul y de Kaneki Ken? ¿Cuál es tu opinión de esta reseña?
No dudes en comentar


RECOMENDACIÓN DC: "SUPERMAN DOOMED"

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Ahora toca darle el turno al Boy-Scout mas grande de América y la recomendación del Hombre de Acero es:

"SUPERMAN DOOMED"



Titulo: Superman Doomed (20 numeros)
Escritor: Greg Park, Charles Soule y Aaron Kuder

Este arco de 2014 así como el nombre lo dice, nos muestra al periodista favorito de todos los tiempos enfrentándose una vez mas a su enemigo mortal por excelencia, el cual regresa a la tierra solo con el fin de causar destrucción a su paso y eliminar todo lo que entra en contacto con el.


La historia nos presenta la gran problemática en la que entra Superman al tomar la decisión de si matar a Doomsday es correcto.
Superman no desea ser un asesino al cual la gente lo vea como el próximo Doomsday.


Pero algo con lo que no cuenta el lector es que el villano principal cambia para dar un giro inesperado y así saber que Brainiac es el villano que orquesto todo esa obra del mal y que tambien estuvo detrás de la liberación de Doomsday.


La historia es muy agradable y no es para nada aburrida; creo que es de las mejores historias de Superman dentro de los New52.


El acierto que tienen es creo yo el presentarnos a dos de los mas grandes villanos a los que Superman a enfrentado en su vida, Brainiac encierra la ciudad capital de Kripton: "Kandor" en una botella y por otro lado tenemos a Doomsday, responsable de nada mas y menos que la muerte de Superman.


Los escritores nos presentan el lado oscuro de Superman y de como la bondad que le fueron inculcados en la tierra prevalecen con el fin de salvar a la humanidad de la muerte a manos a de Brainiac.


Muy recomendable incluso para los que no han leído mucho sobre Superman.

Esta aventura se compone de los siguientes títulos:

Action Comics (#30 al #35 incluyendo el Anual #2)
Superman (#30 al #31)
Superman: Doomed (#1 y #2)
Superman/Wonder Woman (#7 al #12 incluyendo el Anual #1)
Superman/Batman (#11)
Supergirl (#35 y #36)

[Descarga] [Reseña]BATMAN y ROBIN ETERNAL #1

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Tras la perder la  memoria en el arco END GAMEBatman dejo un hueco enorme en Gotham el cual ha intentado ser cubierto con un Batman policíaco que no es otro mas que Jim Gordon.


Aunque la ciudad esta contenta con este Batman afiliado a las fuerzas de policía, hay un grupo de personas que aun creen que se necesita del verdadero Batman y ese pequeño grupo son la Bat-familia.


Esta nueva aventura involucra a Batman de una manera presencial ya que el nuevo líder es ahora Dick Grayson quien regresa a Gotham mas periódicamente ahora que tiene en su poder al grupo llamado Spyral y ya no es necesario ocultarse.


Dick ahora se toma mas tiempo para poder hacer lo que mas le gusta y eso es saltar de edificios para detener maleantes y ahí es donde nuestra historia comienza; Dick ayuda a Red Robin y a Red Hood en la captura de un traficante de tecnoarmas.


En ese momento en los Narrows de Gotham se encuentra el nuevo Bat-Gordon quien ahora tiene entre sus directivas principales detener a los niños que quieran ser vigilantes, esto incluye a BlueBird quien es una adición al grupo de héroes en Gotham y que se presento en Batman Eternal.


Bat-Gordon la intenta detener pero no cuenta con el gran intelecto de Harper (BlueBird), la cual hackea su armadura  y lo deja inmovilizado para poder escapar y seguir con su patrullaje nocturno.


De regreso con Dick alias Agente 37 para Spyral, este se encuentra en la apertura de la torre de la cultura en la universidad de Gotham, lo cual sirve para entrar inapercibido para su misión la cual era el colocar una bomba y derrumbar esa torre, pero algo en la mente de Dick lo distrae y recuerda que ahí es donde tuvo su primera misión que involucraba a un super-villano (Scarecrow).




















Al pensar en esto nota que los niños le hablan como si conocieran la historia y su identidad, esto pone en alerta a Dick quien observa a los niños con asombro al notar que sacaron arman y le apuntan diciéndole que un personaje llamado "Madre" es quien lo quiere muerto.



Dick hace practica de sus habilidades y logra escapar de la torre sin ningún rasguño pero al llegar a su punto de extracción abre las puertas de la camioneta y ve que también su compañera le apunta para después dispararle y rozarle el hombro; logra escapar en una motocicleta que toma del punto de extraccion y esto lo informa su compañera a otro llamado "Huérfano".


Después de un par de kilómetros, Dick va en camino a la Batcave para intentar aclarar todo lo sucedido pero es atacado por un chiquilla que le da una batalla que el no esperaría de una niña pero pero al tenerlo sometido solo le dice: "Madre" y justo después de eso le entrega una memoria con el símbolo del murciélago que deja a Dick con mas preguntas.


La historia sigue ahora en los Narrows donde BlueBird llega a su hogar solo para ser sermoneada por su hermano Cullen que siempre la intenta persuadir de abandonar la vida de vigilante; Harper evita la charla para descansar en su cuarto pero en este encuentra a un tipo de Blanco llamado Huérfano.


En ese momento en la Bat-cave se encuentra Dick analizando la memoria que le dio la niña que lo golpeo, solo para descubrir un Mensaje muy a lo Star Wars donde Batman se confiesa de haber hecho algo terrible mientras intentaban detener a el Espantapajaros en la primera misión de Robin, a esto se le suma también el advertirle sobre lo peligrosa que es Madre ya que tiene en su control a muchas personas y eso podría incluir a los seres por los que Dick se preocupa. 


Esto nos hace regresar muchos años atrás donde se ve a un Batman que mata a los padre de un niño en Egipto dejando una escena parecida a la de la muerte de los Wayne, todo esto mientras Bats le dice a Madre por radio que la misión ha sido perfecta.



¿CUAL SERA EL SECRETO QUE BATMAN OCULTO DE TODOS? Y ¿QUE PAPEL JUEGA MADRE?.

ESTAS PREGUNTAS SERÁN LA BASE PARA ESTA NUEVA AVENTURA DE BATMAN Y SUS ALIADOS, QUIENES PODRÍAN PERDER LA FE EN SU TUTOR Y SEGUIR ROMPIENDO LA POCA CONFIANZA DE LA BAT-FAMILIA



clic en este link para descargar el COMIC




CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #2

"ATAQUE EN LOS NARROWS"

[Reseña Manga] Saint Seiya y su cosmogonía

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Saint Seiya fue un manga muy popular, cuya franquicia aún sigue viva y vigente hasta nuestros días gracias a que diversos escritores y animadores han creado spin offs como Saint Seiya The Lost Canvas, Saint Seiya el Episodio G o la película La leyenda del Santuario. Pero en este artículo nos enfocaremos en el manga: hablaremos de la trama general del manga original, de las diferencias entre el manga y anime, la cosmogonia de su universo y la personalidad de sus personajes principales.

Saint Seiya manga wallpaper

Sipnosis General

Masami Kuramada creó hace ya 30 años su obra más exitosa: "Saint Seiya", que trata sobre 5 jóvenes guerreros conocidos como "Saints" quienes, protegidos por constelaciones, usando armaduras de bronce y manipulando una energía llamada cosmos, deben pelear en nombre de la diosa Athena contra los dioses griegos Poseidon y Hades, para proteger a la humanidad y a su ya mencionada diosa; pero primero deben a vencer a los mismos Saints de Athena, ya que los Saints de plata y oro han sido engañados por un patriarca traidor a la diosa Athena quien desea asesinarla.

Saint Seiya manga wallpaper


"Sus puños son capaces de desgarrar el aire y sus patadas de romper la tierra, son los saints de Athena"


Saint Seiya manga wallpaper

¿Porqué leer el manga, si ya vi el anime?

*Alerta de spoilers

 

El contraste entre manga y anime

 

Mientras que en el anime existen historias y personajes de relleno (los santos de acero y el de cristal), en el manga no. Tampoco hay descanso entre batalla y batalla (por lo menos no muy seguido), un ejemplo de esto es cuando el santo de Fénix obtiene su armadura: primero mató a su maestro Gulity, luego vence a los 4 generales de los Saints negros, a su líder Jango y finalmente enfrenta al santo Dorado de Virgo, todo esto sin descanso, por lo que la trama es más fluida y emocionante.

Saint Seiya manga wallpaper

Censura y omisión de detalles


La violencia del manga es muy censurada, con lo que no podemos apreciar de todo el drama o peligro, un ejemplo es Casius, quien decapitó a todos sus oponentes antes de enfrentar a Seiya, pero más importante, se omite mencionar "el detalle" de que todos los huérfanos enviados a entrenar por la fundación Kido, son hijos de Mitsumasa Kido y por lo tanto hermanos; en este contexto la unión entre los santos bronce es mucho más entendible, no es sólo amistad, es hermandad; otro dato importantes que los Santos de Bronce rondan los 13 años pero en la serie parece como si tuvieran  17 años.

Saint Seiya manga wallpaper


Saint Seiya manga wallpaper

Cosmogonia del mundo de Saint Seiya

Para crear este manga, Kuramada usa en mayor medida la mitología griega, pero también usa la egipcia, la azteca, la escandinava, la china y la japonesa.Él investigó sobre los mitos de todo el mundo y además 3 religiones están presentes en su obra: Budismo, la doctrina hindú y el cristianismo (Athena naciendo humana, athena sacrificandose, etc). También incluyo otros conceptos, como el código samurai y obras de la literatura clásica como la divina comedia (la visión del infierno de esta novela es en la que se basa el Hades que vemos en Saint Seiya), así Kuramada se nutre del Folklore universal para crear su obra.

Saint Seiya manga wallpaper


Un ejemplo es El cosmos, el cual se basa en las 9 conciencias del budismo; las primeras 5 son los 5 sentidos, la sexta integra los datos recibidos de los 5 sentidos (sexto sentido), la séptima va dirigida a percibir nuestro mundo interior (séptimo sentido), la octava una conciencia que se mantiene activa tanto en el ciclo de la vida como la latencia de la muerte y nos permite separarnos del "yo" para ver nuestro lugar en conjunto con el universo (octavo sentido), además existe una conciencia más profunda (noveno sentido).

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La estética de Saint Seiya

Si bien es un poco borde en lo que se refiere a anatomía por su estilo de los ochenta, en lo que se refiere a  las armaduras y sus texturas es  espectacular, sobre todo con las doradas que a pesar de ser dibujos en blanco y negro realmente parece que son de oro, por su nivel de detalle; además se tomó la molestia de crear un diagrama de las armaduras y cómo se ensamblan para cada santo, que incluyo al final de los tomos del manga (que después les fueron muy útiles a Bandai al sacar su linea de juguetes). Otro aspecto curioso es que a pesar de ser un shonen, sus personajes masculinos parecen más salidos de un manga shojo, por sus grandes ojos, su pelo largo y el estilo del rostro.


Saint Seiya manga wallpaper
Una parte del diagrama de una de las armaduras

Los personajes principales y su personalidad 

Seiya es impulsivo y terco, pero su mayor virtud es que nunca se rinde, su constelación es el  Pegaso. Shiryu es un chico serio, tranquilo y reflexivo, su constelación es el DragónHyoga aparenta ser frío pero es muy sentimental, su constelación es el CisneShun es el más noble, tanto que no le gusta pelear en serio con sus enemigos; sin embargo esconde un gran poder, su constelación es es Andrómeda.. Ikki, un lobo solitario que puede acabar sin remordimientos con su enemigo, pero en el fondo cree en la justicia, su constelación es el Fénix.

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Resumen sin spoilers


-El manga es fluido y emocionante.
-En el anime se censura la violencia y se omiten bastantes detalles.
-Kuramada basa su manga en el folklore universal, si te gusta la mitologia es un manga genial.
-El dibujo es algo borde, pero las armaduras y su textura son espectaculares.


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[Comic] Oremos por Preacher (Frank Privette)

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Hay altas expectativas en la nueva adaptación de AMC. Pero podría caer entre algo que se toma demasiado en serio y una versión “más madura” de Constantine


Ha pasado medio año desde que me enteré que AMC (los de Breaking Bad, Mad Men, The Walking Dead, Better Call Saul y Fear The Walking Dead) llevaría a la pantalla chica Preacher. La adaptación de la controversial novela gráfica, creada por el autor Garth Ennis y el artista Steve Dillon (ambos curtidos originalmente en Hellblazer), estará a cargo de Evan Goldberg y Seth Rogen. Ay, sentí.

Han pasado unos cinco meses desde que vi el trailerde la serie, que por alguna razón AMC tardó meses en confirmar fecha de estreno). Ay ay, sentí.

(Ay ay, a pesar de que el propio Ennis dijo en su momento que no le importaban los cambios que habían hecho.)

Han pasado un par de meses desde que presentaron el pilotoen el festival SXSW. Y muchos “expertos” han dicho que el show es la perfecta mezcla entre filosofía y acción. Ay ay ay ay.

Y hace pocos días AMC colgólos primeros cuatro minutos del piloto, que se estrena este domingo 22 de mayo. Dramático, tal vez. Pero se siente como cualquier cosa excepto Preacher. Ay ay ay ay ay.

Como la negatividad abunda en redes sociales, Internet, el mundo y en mi propia cabeza, suelo forzarme a tomar la ruta de Kevin Smith: a veces peco de optimista con este tipo de iniciativas. Por más que toquen una obra que me gusta mucho (no voy a decir “cercana al corazón” pues ese es uno de los puntos que muchos no entienden). Por más que ya otra cadena se pasó por allí la adaptación de Hellblazer, Constantine. Cuesta buscar lo positivo antes de quejarse. Pero llevo varios meses preocupado.

A pesar del buen récord que tiene AMC, estoy ansioso varias razones. Al igual que Hellblazer, Preacher es una obra centrada en los personajes. Sí, el diablo y la violencia y las acusaciones de satanismo. Sí, el linaje de Jesús, embrutecido gracias a dos mil años de endogamia.


El heredero de Jesús, aplastado por el equivalente del Papa en el cómic
Sí, la Voz De Dios que permite que el protagonista manipule a quien él desee. Sí, vampiros borrachos que no cumplen los clichés de Stoker ni muchos menos los de recientes series y películas populares. Sí, fantasmas que matan al propio Lucifer. Sí, los siete pecados capitales. Sí, exorcismos e invocaciones. Sí, magia.

Pero el asunto es que no es sobre vampiros, curas ni fantasmas ni magia. Tanto Hellblazercomo Preacher usan la magia y lo místico como elementos de la historia que quieren contar. Y ambas nos asustan más con sus personajes humanos que cuando se invoca a un demonio o, peor aún, a un ángel.

Ahora, a diferencia del protagonista creado por Alan Moore, Preacher no se centra en un solo personaje sino, al menos, en la trinidad de Jesse Custer (el pastor rebelde que recibe la Voz De Dios), su amigo Cassidy el vampiro irlandés y su novia sicaria Tulip.

Preacher no se tomó en serio, desde el inicio. Usa sus abundantes elementos místicos principalmente para crear paneles memorables, para mover la trama para adelante y, por supuesto, para escandalizar a los conservadores (la misión de Jesse, es, al fin, encontrar a Dios, putearlo por abandonar a su creación y, por más justificaciones que dé, pichaseárselo).

Al leer las reacciones en Twitter, como por ejemplo “filosofía, sangre, humor” y los titulares de la prensa entendida (“raptados por la reacción” “piloto convierte nuevos fans”) quiero arrancarme el pelo.

Palabras más, palabras menos: están esperando algo que no debería estar allí.

Preacher habla, en parte, del triángulo amoroso entre Jesse, Tulip, Cass. De un personaje femenino fuerte, literal y simbólicamente. Que putea al novio por protegerla. Y que muchas veces lo salva a él.

Preacher trata sobre la violencia por el hecho de la violencia. Está el Saint of Killers como un ejemplo: sí, le mataron a su familia en el siglo XIX pero su sed de sangre le hace matar a una persona inocente y se condena a sí mismo al infierno (donde lo torturan pero, engañando a la Muerte y al Diablo, logra matar al segundo y surgir, para seguir matando en la tierra, tanto a inocentes como culpables). Al malo no siempre se le castiga. Y el “bueno” ni siquiera es tan bueno.

Preacher ofende a los fanáticos sensibles de Nirvana y les da Arseface: un adolescente que, ante la muerte de Cobain, se quiso suicidar igual que él, con la suerte que tuvo mala puntería y que, pues, no resultó muy bien que digamos.


Pero Arseface es un personaje central, que aunque ni puede hablar bien, logra tener una banda (¿entienden?). Un personaje que nos obliga a cagarnos de risa y a entender por qué hizo lo que hizo. ¿El show va a atreverse a darle la misma historia? Ojalá.

Preacher es una versión diabólica del roadtrip de Kerouac. Busca la blasfemia por el hecho de la blasfemia. Busca matar ídolos; religiosos, literarios, gráficos, morales, consensuados por la sociedad. Busca que alguien se escandalice porque yo sea capaz de compararlo con Kerouac.

Más que humor británico, lo que la publicación ofrece es humor irlandés: borracho, estúpido, de niño puberto. Es un clásico taking the piss que, en el estilo de Christopher Hitchens, asume que si todos se están riendo, se fracasó rotundamente. Nada es en serio y nada es sagrado. Al fin, recordemos, el objetivo del protagonista es darle una lección al Dios que nos abandonó y a todo su séquito:


No estamos hablando de filosofía ni del sentido de la vida ni de teología. Preacher es una versión más violenta, infantil y satírica que la trilogía “vamos-a-matar-a-Dios-y-su-Magisterio” de Philip Pullman. Cuando un medio digital se pregunta “¿la adaptación hace justicia a la amada y profunda obra de Ennis?”, quiero salir corriendo.

Preacher no es punk, tampoco: no es un cómic solamente rebelde. Tiene valor literario, tal vez muy a pesar de sus creadores. Hay desarrollo de personajes, hay un argumento interesante. Y, propio a cualquier novela gráfica contemporánea, sobre todo si es serializada, hay saltos en el tiempo, explicaciones de los orígenes de cada personaje, momentos memorables y muchos, pero muchos fallos. Desde tramas que no van a ninguna parte o que cuesta que agarren inercia (la introducción y pasado de Tulip, la novia de Jesse), hasta baches abiertamente aburridos en el tercer y cuarto año (de seis que tuvo la serie en papel, sin contar ediciones especiales). Desde la glorificación de la violencia, muchas veces de manera innecesaria inclusive con todo y su pisstaking (es un cómic de Vertigo al fin y al cabo y seguro soy solo yo: la verdad es que a veces hasta el exceso es gracioso) hasta acusaciones francamente justas de machismo y homofobia. Ennis no quiso ser políticamente correcto y ciertamente logra su cometido. De hecho, gozaba de pelear con sus fanscuando éstos le reclamaban (¿de verdad vas a decir que un villano se hace gay porque lo violaron? ¿Era necesario violar a esta personaje? ¿No te has dado cuenta que eres un escritor de quinta -hack-, Garth?). Si alguna vez tienen chance de leer esas cartas, háganlo (únicamente disponibles en los cómic originales; lo siento). Es, al final, humor irlandés. Un humor que solo un irlandés católico podría hacer. Y no sé si inclusive AMC lo esté transmitiendo correctamente (juzgando por el trailer).


Un inicio típico de Ennis revisando su correspondencia en los noventas


Juzgando por la reacción de los suertudos en SXSW, tampoco sé si se está interpretando correctamente la fuente original. Creo que muchos están esperando la serie Constantine, versión madura. Y en realidad deberían esperar Constantine, versión inmadura.

El punto es que no hay que esperar de Preacher una obra magnánima ni apoteósica. Ni es, ni quiso ser nunca, perfecta. Y las reacciones iniciales tanto de conocedores como novatos en la serie, por no hablar del casting, parecen estar malinterpretando esta producción. Y no sé si es malinterpretación. O si AMC se paseó en el cómic.

Algunos están esperando el gran comentario socio-simbólico-fragmentado sobre la significación hermenéutica del cristianismo en la etapa postmoderna del capitalismo tardío. Y, con Cassidy, lo que deberían recibir es un recordatorio que algunas personas tienen mucho tiempo en sus manos.


Vamos a estar en dos infiernos. Tendremos una adaptación “más de acción” de una serie, y de una película, que no funcionaron: las dos versiones de Constantine. Y tendremos a la vez un material altamente presuntuoso, que dista mucho del original.

Periodistas, críticos, fans. Lo que he leído en Internet se siente raro. Igual que se sienten raros los primero cuatro minutos mencionados arriba. Dicen los entendidos que el piloto es una serie de secuencias frenéticas de acción del primer nivel y peleas macho. Sobran los humanos explotando, las peleas de vampiros, dicen. El piloto expande los temas filosóficos del material original y además abraza su mundo rico en arquetipos, dicen. Toma el ritmo de True Detective y lo balancea con elementos de ciencia ficción de alto octanaje, dicen.

Tendremos algo que se parece a Preacher pero que no lo es.

Por Dios, espero estar equivocado. Oremos por Preacher. Por el linaje de Jesús.



Contribución de Frank Privette de Literofilia
fprivette@gmail.com

[Descarga] [Reseña]BATMAN y ROBIN ETERNAL #2

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Después de una tremenda golpiza, se ve Harper Row (Blue Bird) tirada en el piso a merced de Orphan quien esta a punto de dar el golpe final cuando de la nada aparece una chiquilla de negro la cual fue la que le dio la memoria a Dick en el numero anterior.



Orphan revela el nombre de la niña al llamarla Cassandra Cain, quien se enfrenta a el, mientras que afuera del apartamento de Harper se observa a Dick llegar en su motocicleta para saber quien es Harper y porque estaba en la lista que le entrego Cassandra todo esto mientras habla con la líder de Spyral y le explica lo sucedido.



El Agente 37(Dick) decide entrar en acción y se lanza al departamento con movimientos de acróbata, de regreso a la pelea entre Cassandra y Orphan, este es golpeado en su marcara la cual expulsa gas verdoso, al fina es derribado por Blue Bird quien con sus ultimas fuerzas le dispara un misil que lanza una descarga eléctrica por todo el cuerpo de Orphan, este cae por las escaleras de incendio donde es atrapado por Dick pero Orphan no sera tan fácil de detener.



Lanza un rodillazo a la cara de Dick el cual lo suelta para después observar a Cassandra ir tras Orphan.


Dick decide ir a ver a Harper, donde termina ayudándola con sus heridas, momentos después aparece Spoiler, la cual se derrite por el Agente 37 llamándolo "SEXY BATMAN", ahí Harper le menciona a Dick que la niña se llama Cassandra, entonces Spoiler menciona algo sobre un olor raro en el ambiente y Dick le aclara que ese olor es Gas del Miedo, lo cual nos dice que Orphan respira Gas del Miedo en su mascara.


Entonces Dick tiene un recuerdo de su primer encuentro con el Gas del Miedo y como este revelo que su miedo era no ser lo suficientemente bueno para ser compañero de Batman.


Ahí son interrumpidos por Red Robin quien esta sorprendido al ver a Dick. este ultimo le explica de la lista y los nombres que aparecieron, así que llaman a Jason Todd(Red Hood) para avisarle sobre el asesino que los busca, pero no cuentan con que Red Hood ya tiene sometida y tiro de quemarropa a su supuesta asesina, Cassandra.




¿RED HOOD ASESINARA A CASSANDRA?, ¿POR QUE MADRE TIENE PUESTO EL OJO SOBRE LOS ROBINS? ESTO LO SABREMOS EN EL PRÓXIMO NUMERO DE BATMAN Y ROBIN ETERNAL. 



clic en este link para descargar el COMIC




CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #2



"DOLOR Y CAIN"
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